Playlist #358 vom 20.11.2022 - NICHOLAS BRITELL Special

Obwohl er erst 2008 erstmals als Komponist für einen Film in Erscheinung getreten ist, zählt der US-amerikanische Komponist Nicholas Britell mit bereits drei Oscar-Nominierung zu den interessantesten neuen Talenten in Hollywood. Nach ersten Zusammenarbeiten mit der Schauspielerin/Regisseurin Natalie Portman sorgte er vor allem mit seinen Oscar-nominierten Scores für Barry Jenkins‘ Filme „Moonlight“ und „If Beale Street Could Talk“ sowie seinen Arbeiten für Adam McKays „The Big Short“, „Vice“ und „Don’t Look Up“ für Furore. In den vergangenen Jahren ist er auch als Komponist für Fernsehserien wie „Succession“, „The Underground Railroad“ und „Star Wars: Andor“ tätig gewesen. 

Der am 17. Oktober 1980 geborene Britell ist in einer jüdischen Familie in New York aufgewachsen, machte 1999 seinen Abschluss zunächst an der Hopkins School, im Jahr 2003 an der Harvard University. Zuvor war er in der Schule Mitglied der instrumentalen Hip-Hop-Gruppe The Witness Protection Program, wo er Keyboards und Synthesizer spielte. 

Der von so unterschiedlichen Künstlern wie Rachmaninoff, Gershwin, Philip Glass, Zbigniew Preisner, Quincy Jones und Dr. Dre beeinflusste Musiker machte 2008 auf sich aufmerksam, als er für Natalie Portmans Regiedebüt, den Kurzfilm „Eve“, sein eigenes Stück „Forgotten Waltz No. 2“ spielte, worauf er auch ihr Segment in der Film-Anthologie „New York, I Love You“ und 2015 ihr Langfilmdebüt „Eine Geschichte von Liebe und Finsternis“ vertonte. 

Zuvor komponierte er die vom New York Magazine und Variety hochgelobte Musik zu Adam Leons „Gimme the Loot“, der 2012 auf dem Cannes Film Festival gezeigt wurde und den Grand Jury Prize vom SXSW Film Festival gewann. Anschließend vertonte er die mehrfach preisgekrönte Dokumentation „Haiti: Where Did the Money Go?“ von Michele Mitchell. 

Für Steve McQueens Oscar-prämierten Film „12 Years a Slave“ steuerte Britell einige Stücke bei, die vor der Kamera gespielt wurden, also Spirituals, Tänze, Songs, die während der Arbeit gesungen oder auf der Violine von Tim Fain, seinem Partner bei dem Multimedia-Projekt „Portals“, gespielt wurden. Unter den Songs, die auch dem dazugehörigen Soundtrack enthalten sind, fiel den Kritikern vor allem das Spiritual „My Lord Sunshine (Sunrise)“ und „Roll Jordan Roll“ besonders positiv auf. 

Nachdem Britell Damien Chazelles Kurzfilm „Whiplash“ produziert hatte, der den Jury-Preis für den besten US-Kurzfilm beim 2013 Sundance Film Festival gewann, half er auch den darauf folgenden Kinofilm zu produzieren, für dessen Soundtrack er den Track „Reaction“ schrieb und produzierte, das Stück „When I Wake“ produzierte und den Titel „No Two Words“ spielte und produzierte. 

Im Jahr 2015 steuerte Britell nicht nur die Musik zu Jack Pettibone Riccobonos Dokumentation „The Seventh Fire“, die beim Berlin International Film Festival uraufgeführt wurde, und zu Natalie Portmans bereits erwähnten Kinodebüt „Eine Geschichte von Liebe und Finsternis“ bei, sondern auch zu Adam McKays hochkarätig mit Brad Pitt, Christian Bale, Ryan Gosling und Steve Carell besetzte Börsen-Satire „The Big Short“. Seine Musik brachte Britell bei den World Soundtrack Awards 2016 eine Nominierung in der Kategorie „Discovery of the Year“ ein. 

Ab 2016 startete Britell dann richtig durch. Er komponierte die Musik zu Gary Ross‘ Bürgerkriegs-Drama „Free State of Jones“ mit Matthew McConaughey in der Hauptrolle und zu Barry Jenkins‘ als bester Film mit einem Oscar ausgezeichneten Werk „Moonlight“, was auch dem Komponisten seine erste Oscar-Nominierung einbrachte. 

Nach Adam Leons Film „Tramps“ (2016) komponierte Britell den Titelsong für Christina Aguileras achtes Studio-Album „Liberation“, die Musik zu Jonathan Daytons Biopic „Battle of the Sexes“ und Jenkins‘ nächsten Film „Beale Street“ sowie dessen Serie „The Underground Railroad“. 

In letzter Zeit waren von Britell die Scores zu Adam McKays „Don’t Look Up“, Disneys „101 Dalmatiner“-Live-Action-Spin-off „Cruella“ und zur Streaming-Serie „Star Wars: Andor“ von Disney+ zu hören. 

Filmographie: 

2009: New York, I Love You (als Komponist für das Segment Natalie Portman) 

2012: Haiti: Where Did the Money Go 

2012: Gimme the Loot 

2013: 12 Years a Slave (zusätzliche Musik) 

2015: The Big Short 

2015: Eine Geschichte von Liebe und Finsternis (A Tale of Love and Darkness) 

2016: Tramps 

2016: Moonlight 

2016: Free State of Jones 

2017: Battle of the Sexes – Gegen jede Regel (Battle of the Sexes) 

2018: Beale Street (If Beale Street Could Talk) 

2018: Vice – Der zweite Mann (Vice) 

2018: Succession (Fernsehserie) 

2019: The King 

2021: The Underground Railroad (Fernsehserie) 

2021: Cruella 

2021: Italian Studies 

2021: Don’t Look Up 

2022: Carmen 

2022: Andor (Fernsehserie) 

2022: Winning Time: The Rise of the Lakers Dynasty (Fernsehserie) 

2022: She Said 

Playlist: 

1. Nicholas Britell - Tomorrow (Andor: Volume 2) - 03:52 

2. Nicholas Britell - Forgotten Waltz No. 2 (Eve) - 02:02 

3. Nicholas Britell - Father's Day (New York, I Love You) - 01:02 

4. Nicholas Britell - Jerome Avenue (Killer) - 01:19 

5. Nicholas Britell - Closing the Fund (The Big Short) - 02:47 

6. Nicholas Britell - Opening Music (A Tale of Love and Darkness) - 03:05 

7. Nicholas Britell - The Letter (Free State of Jones) - 02:20 

8. Nicholas Britell - End Credits Suite (Moonlight) - 05:14 

9. Nicholas Britell - Conclusion - Outro (The Seventh Fire) - 03:35 

10. Nicholas Britell - Nighthawks (Battle of the Sexes) - 03:18 

11. Nicholas Britell - Eros (If Beale Street Could Talk) - 03:16 

12. Nicholas Britell - Conclusion - The Transplant (Vice) - 07:08 

13. Nicholas Britell - Main Title Theme (Succession: Season 1) - 01:43 

14. Nicholas Britell - Andante Con Moto - Piano and Strings - "Vaulter" (Succession: Season 2) - 02:55 

15. Nicholas Britell - A Spirited Nature (The Underground Railroad: Volume 1) - 03:06 

16. Nicholas Britell - The Pursuit of Happiness (The Underground Railroad: Volume 3) - 03:02 

17. Nicholas Britell - Song of Hal: Strings in C# Minor (The King) - 05:12 

18. Nicholas Britell - The Cliff (Cruella) - 04:34 

19. Nicholas Britell - Main Title Suite (Don't Look Up) - 04:09 

20. Nicholas Britell - Unit 5-2-D (Andor: Volume 2) - 04:20 

21. Nicholas Britell - Past/Present Suite (Andor: Volume 1) - 03:45 

22. Nicholas Britell - Bacchanale - 04:11 

23. Nicholas Britell - Toccata (A Tale of Love and Darkness) - 05:13 

24. Nicholas Britell - Prelude to the Battle of the Sexes (Battle of the Sexes) - 09:04 

25. Nicholas Britell - I'm Cruella (Cruella) - 04:22 

26. Nicholas Britell - Andante Agitato - End Credits - "The Raid" (Succession: Season 3) - 04:10 

27. Nicholas Britell - Rowena (She Said) - 03:10

28. Nicholas Britell - Impromptu No. 1 in C Minor for Piano (Succession: Season 3) - 05:34 

29. Nicholas Britell - The Big Short Piano Suite (The Big Short) - 12:11

Playlist #357 vom 06.11.2022 - Neuheiten 2022 (7)

Halloween ist zwar gerade vorbei, aber ein paar schaurig-schöne Horror-Soundtracks habe ich doch noch im Programm für euch, so den endgültigen (?) Abschluss der über 40-jährigen „Halloween“-Reihe, zu der John Carpenter selbst damals wie heute mit für den Soundtrack verantwortlich zeichnete, Daniel Harts Musik zur Fernsehadaption von Anne Rices „Interview with the Vampire“, Michael Giacchinos „Werewolf by Night“, Guillermo del Toros Horror-Serie „Cabinet of Curiosities“ und der Neuverfilmung des modernen Horror-Klassikers „Hellraiser“. 

Außerdem gibt es neue Musik zu den Fernsehserien „The Lord of the Rings: The Rings of Power“, „House of the Dragon“, „Pennyworth“, „Barbarians“ und „Star Wars: Andor“ sowie neue Soundtracks von Alexandre Desplat, Daniel Pemberton, Carter Burwell und Ryuichi Sakamoto. 

Nach dem Auftakt mit Philippe Rombis Musik zu Christian Carions Drama „Im Taxi mit Madeleine“ mit Dany Boon in der Hauptrolle präsentiert Terence Blanchard seinen Score zu dem neuen Film von Gina Prince-Bythewood („Die Bienenhüterin“, „The Old Guard“). „The Woman King“ ist ein von wahren Ereignissen inspiriertes historisches Epos, das im Königreich Dahomey (dem heutigen Benin), einem der mächtigsten Staaten Afrikas im 18. Und 19. Jahrhundert, angesiedelt ist. Der Dahomey-König Ghezo (John Boyega) ist gezwungen, an die Besatzer Abgaben zu zahlen, was weder ihm noch seiner Generalin Nancisca (Viola Davis) gefällt. Nanisca ist die außergewöhnliche Anführerin der Agojie, einer Elite-Einheit, die nur aus Frauen besteht und für ihre außergewöhnliche Brutalität bekannt ist. Gerade als die rebellische Nawi (Thuso Mbedu) die anspruchsvolle Ausbildung bei den Agojie begonnen hat, spitzt sich der Konflikt zwischen Dahomey und seinen Besatzern zu. Die Oyo haben Sklavenhändler geschickt, die das Volk der besetzten Gebiete unterjochen und versklaven soll. Mit der Invasion sieht Nancisca endlich ihre Chance gekommen, sich an dem Oyo-Krieger Oba Ade (Jimmy Odukoya) zu rächen, der sie einst vergewaltigte... 

Von Lorne Balfe gibt es gleich zwei neue Arbeiten zu hören. Neben der gefälligen Musik zu Ol Parkers romantischen Komödie „Ticket ins Paradies“ mit dem Hollywood-Traumpaar Julia Roberts und George Clooney in den Hauptrollen hat Balfe auch die vielschichtige Musik zur Fernsehserie „Pennyworth“ beigesteuert. Die Prequel-Serie über Batmans Butler Alfred Pennyworth (Jack Bannon) thematisiert seinen Job bei der britischen Eliteeinheit des Special Air Service (kurz: SAS). Als junger Soldat genießt er das Leben, den Alkohol und die Frauen. In den 1960er-Jahren beschließt Alfred seine Fähigkeiten zu nutzen und einen privaten Sicherheitsdienst zu gründen. Die kürzlich gestartete dritte Staffel ist bereits in den 1970er Jahren angekommen. 

Der in London ansässige Alexander Parsons hat vor allem für Dokumentarserien und -filme die Musik beigesteuert, so für die BBC1-Serie „The Murder That Changed a Nation“, die sechsteilige BBC3 Dokumentation „American High School“, die Channel-4-Dokumentationen „Muslim Drag Queens“ und „Grayson Perry’s Dream House“ sowie die Dokumentationen „Rockfield: The Studio on the Farm“ und „The Real Michael Jackson“. Nun vertonte er Jesse Viles Dokumentations-Serie „Curse of the Chippendales“, die den dunklen Seiten der männlichen Striptease-Tanz-Truppe aus den 1980er Jahren folgt. 

„Die Musik hatte während der gesamten Serie zwei übergreifende Rollen. Die erste war, ein unmittelbares Gefühl für Zeit und Ort zu vermitteln, fast so, als würde eine Jukebox die Erzählung durch die Jahrzehnte begleiten“, berichtet Parsons über seine Arbeit. „Egal, ob die Themen in den 70ern von einer 13-köpfigen R’n‘B-Live-Band gespielt oder in den 80ern gegen Vintage-Synthesizer und Drum Machines ausgetauscht wurden, ich musste das Gefühl von Spaß und Abenteuer, das den Club in seinen frühen Jahren umgab, authentisch einfangen. Neben diesen Nadeltropfen war es mir wichtig, den dunkleren und unheimlicheren Zug der Geschichte einzufangen, der den Fluch repräsentiert.“ 

Der isländische Komponist Atli Örvarsson steuerte nicht nur die Musik zum Drama „No Limit – Sous Emprise“ vor, sondern legt nach seinem letztjährigen Album „Wolka“ mit „7 Cycles“ auch ein neues Solo-Album vor. 

„,7 Cycles‘ ist eine Erforschung der Idee, dass unser Leben aus 7-Jahres-Zyklen besteht. Einige dieser Stücke sind neu und einige begleiten mich bereits seit einer Weile, so dass ich sagen kann, dass sie verschiedene Zyklen meines eigenen Lebens repräsentieren“, erzählt Örvarsson. „Ich verspürte auch den Wunsch, den Fokus auf das Solo-Piano zu setzen und auf die Verwundbarkeit, die damit einhergeht, keine große Orchestrierung Produktion zu haben, hinter der man sich verstecken könnte. Es ist eine Suche nach Ehrlichkeit und Rohheit der Emotion.“ 

„There’s Always Hope“ ist erst der zweite Film von Tim Lewiston nach dem 2012 veröffentlichten „The Hot Potato“ und erzählt die Geschichte einer jungen Frau, die nach Portugal reist, um die Versöhnung ihrer Eltern in die Wege zu leiten. Die gemeinsame Arbeit zwischen Lewiston und Komponist Guy Farley begann mit einer Neuaufnahme von Michel Legrands Klassiker „The Windmills of your Mind“. 

„Ich sendete ihm ein Demo und einige Sänger. Ich wusste, dass es das war, was er sich vorstellte. Also, wie geht es anschließend von dort aus weiter? Willst du einen modernen Rom-Com-Score schreiben? Er sagte: ,Nein, ich möchte von dir etwas mehr im Stil von Michel Legrand. Dieser Film ist nicht The Thomas Crown Affair. Er untermalt die ganze Zeit die Emotion.“ 

So entstand ein leicht Jazz-beeinflusster, einfühlsamer und vom The Chamber Orchestra of London eingespielter Score, der mit den Vocals von Ayala Moore, Saxophon, Piano, Drums, Gitarren, Bass und Percussion eine sehr natürliche Aura verströmt. 

Jerry Goldsmith hat bereits in den 1960er Jahren angefangen, für Science-Fiction-Filme wie „The Satan Bug“, „Planet of the Apes“ und „Seconds“ zu komponieren, und legte innerhalb seiner langen Karriere noch viele weitere Meilensteine in diesem Genre vor, man denke nur an „Logan’s Run“, „Alien“, „Star Trek: The Motion Picture“ und „Total Recall“. 

Als er im Jahr 2000 für „Hollow Man“ engagiert wurde, war es nach „Total Recall“ (1990) und „Basic Instinct“ (1992) die dritte Zusammenarbeit mit Regisseur Paul Verhoeven. 

Goldsmith vereinte dafür elektronische Elemente mit Harfe, Streichern, Piano und Blechbläsern. Besonders viel Sorgfalt wendete Goldsmith beim Komponieren des Hauptthemas auf. 

„Also, viele Filme verfügen über kein Main Theme und legen einfach los“, wird Goldsmith in dem Booklet der erweiterten Neuveröffentlichung von „Hollow Man“ von Intrada zitiert. „Ich habe es immer als so etwas wie die Ouvertüre betrachtet. Ich habe zweieinhalb oder drei Minuten, um genau zu sagen, was in meinem Kopf vorgeht, worum in diesem ganzen Film geht. Wie kann es ganz einfach gesagt werden und sehr schnell? In diesem Fall ging es nicht um all die Gewalt und alles andere; es ging mehr um diesen Charakter, der sich an den Teufel verkaufte.“ 

Nils Frahm präsentiert nach seinem 2018er Album „All Melody“ und dem Nachfolgewerk „All Encores“ (2019) mit „Music For Animals“ ein über dreistündiges Album (auf 3 CDs/4 LPs), das ganz auf das sonst von ihm verwendete Piano verzichtet. 

„Meine ständige Inspiration“, erklärt Frahm, „war etwas so Faszinierendes, wie einen großen Wasserfall oder die Blätter eines Baumes im Sturm zu beobachten. Es ist gut, dass wir Symphonien und Musik haben, wo es eine Entwicklung gibt, aber weder ein Wasserfall braucht einen Akt 1, 2, 3 sowie ein Ergebnis, noch die Blätter an einem Baum im Sturm. Manche Leute mögen es, die Blätter rascheln zu sehen und die Zweige sich bewegen. Diese Platte ist für sie.“ 

Mit den teils über zwanzigminütigen Stücken erschafft Frahm meditative Soundscapes mit hypnotischer Wirkung. „Es führt alles zu diesem Wasserfall zurück. Wenn du ihn betrachten willst, betrachte ihn. Wenn nicht, musst du es nicht tun. Es wird immer dasselbe sein, wenn auch nie genau so.“ 

Mit „OKYAN“ erscheint das erste Klavieralbum der Komponistin mit dem Künstlernamen Aeden Azora, die im Alter von fünf Jahren mit dem Klavierspiel begann, später Jazz und klassische Komposition studierte und elektronische Musik produzierte. In den vielen Jahren ihres musikalischen Schaffens zog sie es vor, im Hintergrund zu bleiben und schrieb vorwiegend als eine der wenigen weiblichen Vertreterinnen des Komponistenberufes für Theater und Film. 

„Ich will meine Musik von jedweden Zuschreibungen lösen, die einem durch den Namen - kulturell oder territorial - zugeordnet werden. Ich bin gern nur ein Vagabund auf der Suche nach universeller Schönheit“, meint die von Komponisten wie Sakamoto, Evans, Glass, Chopin, Reich und Bach beeinflusste Künstlerin. Zu dem Albumtitel, der in ihrer Muttersprache „Ozean“ bedeutet, erklärt sie: 

„Ich bin am Meer aufgewachsen. Meine Heimat musste ich früh hinter mir lassen. Aber das Meer ist geblieben... Wo immer ich bin – wenn ich das Meer sehe, bin ich Zuhause. In einer Zeit des Aufruhrs, als die Welt sowohl brannte als auch still stand, zog es mich an mein Klavier zurück, um dem Chaos etwas friedfertiges entgegenzusetzen, mein kleines Stück Zuhause in Musik einzufangen und diesen imaginären Ort so auch für andere begehbar machen.“ 

Maggie Peren erzählt in ihrem Film „The Forger“ die Geschichte des 21-jährigen Cioma Schönhaus, der sich von niemandem die Lebensfreude nehmen lässt, schon gar nicht von den Nazis. Mit der Identität eines Marineoffiziers, den er für sich selbst geschaffen hat, stürzt er sich in das Nachtleben der Stadt und findet in den dunkelsten Momenten des Krieges sogar eine zerbrechliche Hoffnung auf Liebe. Den ganzen Tag über fälscht er Ausweise mit nur einem Pinsel. 

Der in Bulgarien geborene und in den USA lebende Mario Grigorov hat für Lee Daniels die Filme „Shadowboxer“, „Tennessee“, „Precious“ und „The Paperboy“ vertont und für „The Forger“ vor allem mit folkloristischen Elementen gearbeitet. 

„Von Anfang an fühlte ich mich leidenschaftlich der Musik für den Film verbunden und begann schnell und natürlich zu komponieren. Ich kreierte Themen und Walzer, die jüdische Folkloreelemente mit zusätzlichen lebendigen und jugendlichen Fusionen verschiedener Stile von Jazz, Klassik und Folk kombinierten. Um die richtigen musikalischen Texturen zu erhalten, habe ich Berliner Musiker für Live-Aufnahmen von Instrumenten wie Trompete, Klarinette, Akkordeon, Viola, Schlagzeug und Kontrabass eingesetzt.“ 

Zu den Horror-Scores in dieser Sendung zählt nach Jerry Goldsmiths „Hollow Man“ und Michael Giacchinos „Werewolf By Night“ auch Kenneth Lampls „Sissy“. Der Film handelt von den beiden Teenager-Freundinnen Cecilia und Emma, die sich nach etlichen Jahren zufällig wieder begegnen. Als Cecilia zu Emmas Junggesellinnen-Wochenende eingeladen wird, wird sie aus Rache in eine abgelegene Hütte eingesperrt, wo sie einem Highschool-Tyrannen ausgeliefert ist. 

„Die Partitur lässt sich am besten als psychotische Achterbahn beschreiben“, meint Kenneth Lampl („Frontera“, „Winter of Frozen Dreams“, „Royal Kill“). „Er bewegt sich vom finsteren italienischen Giallo und dem spannungsgeladenen Herrmann-artigen Thriller zu überschwänglicher, zuckerhaltiger Disney-Magie. Die Musik soll das unwirkliche, innere Fantasieland der sozialen Medien und seine Auswirkungen auf den sich langsam entwirrenden Geist unserer Hauptfigur Sissy einfangen.“

Mit Spannung erwartet wird die von Guillermo del Toro („Pan’s Labyrinth“, „The Shape of Water“) entwickelte und produzierte Horror-Serie „Cabinet of Curiousities“, zu der acht Regisseure ganz unterschiedliche Geschichten inszeniert haben, die sowohl klassischen Horror-Genres huldigen als auch neue Wege gehen. In der von David Prior inszenierten Folge „The Autopsy“ geht es um einen Gerichtsmediziner, der an dem mysteriösen Tod einer Gruppe Minenarbeiter arbeitet. Er ist alleine mit seinem Tonbandgerät in einer Lagerhalle, um die Ereignisse festzuhalten. 

Christopher Young („Hellraiser“, „Friedhof der Kuscheltiere“) komponierte neben dem fesselnden Titeltrack einen atmosphärisch dichten Grusel-Score, der das Grauen auf dem Bildschirm adäquat untermalt. In „Dreams in the Witch House“ sucht ein Mann sehnsüchtig danach, dass es das Jenseits wirklich gibt, nachdem seine Schwester als Kind vor seinen Augen starb und in eine andere Welt geschickt wurde. Neben Christopher Young sind auch Komponisten wie Jed Kurzel und Jeff Danna auf dem Soundtrack vertreten sowie die Titelthemen von Holly Amber Church. 

Guillaume Roussel, der als Mitglied von Hans Zimmers „Remote Control Productions“-Team an James L. Brooks’ „Woher weißt du, dass es Liebe ist?“ und „Pirates of the Caribbean 4: Fremde Gezeiten“ beteiligt war, zählt zu den vielversprechendsten französischen Filmkomponisten. 

Für Jérôme Salles Thriller „Kompromat“ steuerte er einen pulsierenden Action-Score bei. Der Film handelt von Mathieu Roussel (Gilles Lellouche), der 2017 in Russland vor den Augen seiner Tochter festgenommen und inhaftiert wird. Als französischer Expatriate ist er Opfer eines „Kompromats“ geworden, kompromittierender gefälschter Dokumente, die vom russischen Geheimdienst verwendet werden, um einem Staatsfeind zu schaden. Da ihm eine lebenslange Haftstrafe droht, bleibt ihm nur eine Möglichkeit: Er muss fliehen und auf eigene Faust nach Frankreich gelangen. Mit „Novembre“ vertonte Roussel dazu ein Thriller-Drama von Cédric Jimenez, der fünf Tage eine französische Anti-Terror-Einheit während der Jagd auf die Verdächtigen verfolgt, die für die Anschläge vom November 2015 in Paris verantwortlich gewesen sind. 

„Ich wollte, dass die Musik dazu beiträgt, Emotionen, Seele und in gewisser Weise ein Gefühl von Menschlichkeit durch viele Stimmentöne zu vermitteln. Diese verarbeiteten Vocals, die man während des größten Teils der Partitur hört, sind in gewisser Weise ein Symbol für all die anonymen Opfer, die tragischerweise ihr Leben verloren haben“, meint Roussel. „Und auch die Stimme ohne Sprache unterstreicht die starke Solidarität und den Zusammenhalt, den ein ganzes Land plötzlich gegen den Terrorismus empfand, der die Grenzen von Religion, Alter usw. durchbricht. Dieser Film war eine kraftvolle Erfahrung für mich, da ich auch eine neue Palette synthetischer Klänge erkunden konnte.“ 

Playlist: 

1. Philippe Rombi - Un nouveau jour (Une belle course) - 05:13 

2. Terence Blanchard - Nawi and Izogie [Part 2] (The Woman King) - 03:23 

3. Carter Burwell - My Life Is On Inisherin (The Banshees of Inisherin) - 03:43 

4. Guy Farley - Truth (There Is Always Hope) - 02:47 

5. Jerry Goldsmith - The Hollow Man (Hollow Man) - 03:00 

6. Michael Giacchino - End Shredits (Werewolf By Night) - 04:21 

7. Lorne Balfe - Dolphin Spirit (Ticket to Paradise) - 02:02 

8. Lorne Balfe - Gully's Lament (Pennyworth - Season 3) - 02:54 

9. Alexandre Desplat - We Found Richard (The Lost King) - 03:10 

10. Alexander Parsons - Destiny II (Curse of the Chippendales) - 03:20 

11. Óscar Araujo - Underwater Fight (42 segundos) - 02:46 

12. David Holmes - The Resistance (Robbing Mussolini) - 02:20 

13. Ryuichi Sakamoto - Pride (Exception) - 02:11 

14. Atli Örvarsson - Inertia (7 Cycles) - 05:26 

15. Nils Frahm - Right Right Right (Music For Animals) - 07:26 

16. Aeden Azora - Moire I (Okyan) - 03:08 

17. Mario Grigorov - You're Dangerous (The Forger) - 02:31 

18. Rémi Boubal - The Grand Departure (Teach Me If You Can) - 02:23 

19. Linda Perry - Writing the Story (Luckiest Girl Alive) - 02:33 

20. GoGo Penguin - Ascent (Between Two Waves) - 04:42 

21. Kenneth Lampl - End Credits (Sissy) - 02:48 

22. Daniel Pemberton - Full House (See How They Run) - 03:22 

23. Daniel Pemberton - Something Suspicious (Amsterdam) - 03:12 

24. Daniel Hart - The Fantasy of Happiness (Interview With the Vampire) - 04:05 

25. Ramin Djawadi - The Power of Prophecy (House of the Dragon - Season 1) - 02:37 

26. Bear McCreary - Memories of Dancing (The Lord of the Rings: The Rings of Power - Season 1, Episode 7: The Eye) - 03:49 

27. Aaron Zigman - Sam's Story (A Jazzman's Blues) - 02:45 

28. Nicholas Britell - Past/Present Suite (Star Wars: Andor: Vol. 1) - 03:45 

29. Volker Bertelmann - Flavus and Marbod (Barbarians - Season 2) - 02:30 

30. Christopher Young - The Autopsy (Cabinet of Curiosities) - 02:00 

31. John Carpenter, Cody Carpenter & Daniel Davies - Corey's Requiem (Halloween Ends) - 02:02 

32. Guillaume Roussel - Mathieu's Hunt (Kompromat) - 01:52 

33. Guillaume Roussel - Novembre (Novembre) - 03:11 

34. Nick Cave & Warren Ellis - Nembutal (Blonde) - 02:55 

35. Nick Cave & Warren Ellis - No Easy Answers (Dahmer Monster) - 02:47 

36. Ben Lovett - Point of No Return (Hellraiser) - 01:56

37. Atli Örvarsson - Mathieu Dive (No Limit) - 07:17

Playlist #355/#356 vom 09./23.10.2022 - JAZZ IM FILM

Auch wenn Filmmusik in der Regel in Verbindung mit klassischem Orchester gebracht wird und seit den 1970er Jahren auch mit vermehrt elektronischen und anderen Einflüssen und Elementen aufwartet, hat der Jazz eine lange Tradition in der Geschichte des Films und der Filmmusik. Vom ersten Tonfilm „The Jazz Singer“ (1927) über die berühmten Arbeiten von Alex North zu „Endstation Sehnsucht“ (1960), Henry Mancini zu Orson Welles‘ „Im Zeichen des Bösen“ (1958), Duke Ellington zu Otto Premingers „Anatomie eines Mordes“ (1959) und Miles Davis zu Louis Malles „Fahrstuhl zum Schafott“ (1958) sowie den Soundtracks zu Jazz-Musiker-Biografien wie Clint Eastwoods Charlie-Parker-Biografie „Bird“ oder die Chet-Baker-Biografie „Let’s Get Lost“ bis zu jüngeren Oscar-prämierten Erfolgen wie „La La Land“ und „Soul“ reicht hier die Palette. In den zwei Oktober-Sendungen gehe ich zunächst den Anfängen des Jazz in der Filmmusik nach, um in der zweiten Show neuere Beiträge zu Filmen wie „Chinatown“, „Kansas City“, „Chicago“, „Taxi Driver“ und „The Cotton Club“ zu präsentieren. 

Bereits vor den Anfängen des um das Jahr 1900 in den amerikanischen Südstaaten entstandenen Jazz tauchte eine archaische Form dieser Musikrichtung in den Minstrel-Shows des 19. Jahrhunderts auf, in denen weiße Unterhaltungsmusiker sich als Afroamerikaner verkleideten und deren Leben karikierten, auf Stereotypen reduzierten und so auf spätere Unterhaltungsmuster verwiesen. Dabei wurden die Afroamerikaner mit dicken Lippen und hervorquellenden Augen als dumm und faul dargestellt. Jazz spielte hier die Rolle als Impulsgeber vor allem für sexuelle Aktivitäten. In den 1920er und 1930er Jahren, die heute als Jazz Age gelten, hörten die Weißen eine aus dem Jazz von Weißen entwickelte kommerziell-gefällige Musik, die mit dem ursprünglichen Jazz kaum etwas gemein hatte. 

So enthielt auch der erste Tonlangfilm „The Jazz Singer“ keinen wirklichen Jazz, sondern der als Schwarzer verkleidete Al Jolson sang Songs wie „My Mammy“, „Blue Skies“, „Mother of Mine, I Still Have You“, „Toot, Toot, Tootsie (Goo' Bye!)“, „Dirty Hands, Dirty Face“ und „Waiting for the Robert E. Lee“ und spielte den Sohn eines jüdischen Kantors, der sich den Traditionen seines religiösen Vaters widersetzen muss, um seinen Traum als Jazzsänger zu verwirklichen. 

Nachdem sich in Hollywood allmählich eine Art symphonischer Jazz durchzusetzen begonnen hatte, der europäische und afroamerikanische Musik miteinander verband, sorgte die wachsende Popularität von schwarzen Musikern wie Louis Armstrong, Duke Ellington und Benny Goodman dafür, dass auch die Filmindustrie nicht mehr an ihrer Bedeutung vorbeikam. Allerdings zeichneten die Filmproduktionen bis in die 1950er Jahre hinein immer noch ein Bild, in dem Weiße die wilde Musik der Schwarzen zivilisieren, soweit überhaupt der Begriff Jazz in biografischen Filmen wie „The Glenn Miller Story“ (1954) oder „The Benny Goodman Story“ (1956) fällt. 

Auf der anderen Seite wurde die Adaption des erfolgreichen Broadway-Musicals „Cabin in the Sky“ (1943) ausschließlich mit afroamerikanischen Darstellern wie Ethel Waters, Lena Horne, Louis Armstrong, Duke Ellington realisiert, doch weigerten sich viele Kinos damals, den Film zu zeigen. 

Eine besondere Bedeutung kam dem Jazz im Film noir zu, wo er vor allem Motive der Desorientierung, Traumatisierung und Verführung durch weibliche Sexualität akzentuierte. Hier wurden Miklós Rózsas Komposition zu Billy Wilders „Das verlorene Wochenende“ (1945), George Dunings Score zu Jules Dassins „Stadt ohne Maske“ (1948), Elmer Bernsteins Musik zu Premingers „Der Mann mit dem goldenen Arm“ (1955) und Duke Ellingtons Beitrag zu Otto Premingers „Anatomie eines Mordes“ (1959) wegweisend, aber auch in Filmen, in denen es um rebellische Halbstarke wie in Elia Kazans „Endstation Sehnsucht“ (1951) oder Laslo Benedeks „Der Wilde“ (1953) ging, nahm Jazz in der filmmusikalischen Untermalung eine tragende Rolle ein. 

Noch junge Komponisten wie Henry Mancini („Touch of Evil“, „Peter Gunn“), Alex North („A Streetcar Named Desire“, „The Rose Tattoo“) und Elmer Bernstein („The Man With the Golden Arm“, „The Caretakers“, „Kings Go Forth“, „The Rat Rate“, „Sweet Smell of Success“, „Staccato“, „Walk On the Wild Side“, „The Reward“) sorgten mit ihren Jazz-geprägten Scores für frischen Wind in Hollywood. 

Alex North‘ Musik für das Drama „Endstation Sehnsucht“ wird als frühes Beispiel für einen Jazz-Score genannt. Während die Scores in Hollywood vor den1950er Jahren in der Tradition der europäischen Musik des ausgehenden 19. Jahrhunderts verwurzelt war, änderte sich die musikalische Ausrichtung mit der Entwicklung, dass Hollywood in den 1950er Jahren realistischere Stoffe verfilmte, was Alex North dazu animierte, für seine Arbeit bei „Endstation Sehnsucht“ die Musik des 20. Jahrhunderts zu erforschen. Dass er sich hier für den Jazz entschied, liegt angesichts des Settings der Geschichte in New Orleans, der Heimat des Jazz, entsprechend nahe. Allerdings musste er sich der Struktur filmmusikalischen Komponierens bedienen. 

„Ich habe versucht, Jazz zu simulieren, seine Essenz rhythmisch und harmonisch zu erfassen und auf das Drama anzuwenden“, wird er im Booklet zu Jerry Goldsmith‘ Neueinspielung des Scores mit dem National Philharmonic Orchestra zitiert. „Ich versuchte, mehr die inneren als das äußeren Aspekte des Films zu vermitteln. Das bedeutete, dass die Musik die ganze Zeit zu den Charakteren in Verbindung stand und selten zu der Handlung. Statt Themen für bestimmte Figuren schuf ich sozusagen mentale Statements, für Stanleys Beziehung zu Blanche und die Verbindungen zwischen Mitch und Blanche sowie zwischen Stanley und Stella.“ 

Mit dem größeren Einfluss des zuvor so abschätzig betrachteten Jazz in Hollywoods Aufnahmestudios etablierten sich auch bekannte Jazz-Musiker als Filmkomponisten. Vor allem Miles Davis‘ in Paris improvisierter Score zu Louis Malles Klassiker „Fahrstuhl zum Schafott“ (1958) ist hier wegweisend. Hier wurde Jazz erstmals dazu eingesetzt, um die dramatische Handlung zu betonen. Ebenso bemerkenswert ist die Tatsache, dass die Musik komplett im Studio improvisiert wurde, da Miles Davis zuvor keine Ahnung hatte, welch wichtige Rolle seine Musik in dem Film spielen würde. Der Erfolg sowohl des Films als auch des Soundtracks ebnete den Weg für ein neues Verständnis zwischen Jazz und Film. 

Ein Jahr darauf wurde Duke Ellington von Otto Preminger engagiert, die Musik zu seinem Kriminaldrama „Anatomie eines Mordes“ zu komponieren, während Charles Mingus 1959 die Musik zu „Shadows“ beisteuerte. In Italien arbeitete Piero Umiliani mit Chet Baker zwischen 1958 und 1964 an den Filmen „Diebe haben’s schwer“, „Diebe sind auch Menschen“, „Urlatori alla sbarra“, „Smog“ und „Tom Collins jagt die schwarze Natter“, aber auch seine Kollegen Armando Trovajoli, Giorgio Gaslini und Piero Piccioni verwendeten in ihren Arbeiten immer wieder Jazz-Elemente. 

Natürlich bot sich Jazz als filmmusikalischer Hintergrund auch dann an, wenn Regisseure wie Francis Ford Coppola in „Cotton Club“ (1984) oder Robert Altman in „Kansas City“ (1996) den Jazz ins Gangster-Genre einbetteten. Etwas weiter und puristischer gingen Dokumentarfilme wie „Jazz on a Summer’s Day“ über das Newport Jazz Festival von 1958, die dem Zuschauer Jazz in seiner reinen musikalischen Darbietung präsentierten. 

Zu guter Letzt bieten auch Spielfilm-Biografien wie Anthony Manns „Die Glenn Miller Story“ (1954), Valentine Davies‘ „Die Benny Goodman Story“ (1956), Clint Eastwoods „Bird“ (1988, mit Forest Whitaker als Charlie Parker), Bertrand Taverniers „Round Midnight“ (1986) oder Bruce Webbers Chet-Baker-Biopic „Let’s Get Lost“ (1988) die Möglichkeit, den Geist der Jazz-Musik auf die Leinwand zu bringen. 

Miles Davis komponierte für den australischen Film „Dingo“ (1990) zusammen mit Michel Legrand noch einmal eine Filmmusik, aber über die Jahrzehnte wurde seine Musik immer wieder in Filmen eingesetzt, so in Wolfgang Petersens Thriller „In the Line of Fire“ (1993), David Finchers „Zodiac“ (2007) und den Miles-Davis-Biopics „The Sound of Miles Davis“ (1959) und „Miles Ahead“ (2015). In der jüngeren Vergangenheit ist der US-amerikanische Regisseur Spike Lee mit Filmen wie „Mo‘ Better Blues“ (1990) als Liebhaber von Jazz bekannt geworden. In dem Film schildert Lee die Karriere eines fiktiven Trompeters über mehrere Jahrzehnte hinweg. Jazz-Trompeter Terence Blanchard steuerte nicht nur hierzu, sondern auch zu den meisten der nachfolgenden Filme von Spike Lee die Musik bei. Und schließlich ist das sechsfach Oscar-prämierte Musical „La La Land“ (2016) eine tiefe Verbeugung vor dem Jazz. Da der Jazz sowohl im Film noir/Crime als auch in der Nouvelle Vague eine besondere Rolle gespielt hat, wird diesen beiden Bereichen noch jeweils eine eigene Sendung gewidmet. 

Playlist #355 vom 09.10.2022 

1. Leith Stevens - Blues for Brando (The Wild One) - 02:54 

2. Miles Davis - Chez le photographe du motel (Ascenseur pour L'échafaud) - 04:01 

3. Art Blakey - Blues pour Vava (Des femmes disparaissent) - 04:22 

4. Duke Ellington - Low Key Lightly (Anatomy of a Murder) - 03:41 

5. Duke Ellington - Autumnal Suite (Paris Blues) - 03:15 

6. Krzysztof Komeda - Ballad for Bernt (Knife in the Water) - 02:33 

7. Franz Waxman - The Celebration (Crime in the Streets) - 04:42 

8. Johnny Mandel & Gerry Mulligan - Barbara's Theme (I Want to Live) - 04:40 

9. Elmer Bernstein & Chico Hamilton - Goodbye, Baby Blues (Sweet Smell of Success) - 03:36 

10. Charles Mingus - Self Portrait in Three Colours (Shadows) - 03:09 

11. Mundell Lowe - Lost and Lonely (Satan in High Heels) - 03:42 

12. Leith Stevens - Easy Mood (Private Hell 36) - 04:05 

13. Elmer Bernstein - Finale (The Man with the Golden Arm) - 04:17 

14. Alex North - Four Deuces (A Streetcar Named Desire) - 03:08 

15. John Lewis - The Rose Truc (No Sun In Venice) - 04:57 

16. Henry Mancini - Reflection (Touch of Evil) - 03:03 

17. John Williams - The Bishop's Retreat (Checkmate) - 03:10 

18. David Shire - Blues for Harry (The Conversation) - 02:40 

19. Kenyon Hopkins - Ghosts (Baby Doll) - 02:55 

20. Don Ralke - Bourbon Street Blues (Bourbon Street Blues) - 03:58 

21. Johnny Mandel & Chet Baker - Rebel at Work (The James Dean Story) - 03:45 

22. Johnny Dankworth - After the Party (The Criminal) - 03:36 

23. Armando Trovaioli - Dino's Blues (Casanova 70) - 03:04 

24. Piero Piccioni - Dea for Combo #2 (Un tentativo sentimentale) - 03:14 

25. Giorgio Gaslini - Lettura Della Lettera (La Notte) - 04:09 

26. Nino Rota - La Dolce Vita A Caracalla (La Dolce Vita) - 03:09 

27. David Amram - Slightly Manchurian Blues (The Manchurian Candidate) - 04:25 

28. Alex North - Floozie (The Rose Tattoo) - 04:39 

29. Piero Umiliani & Chet Baker - California in the Summer (Smog) - 04:46 

30. John Lewis - A Cold Wind Is Blowing (Odds Against Tomorrow) - 07:26 

Playlist #356 vom 23.10.2022 

1. Miles Davis - Blue Haze (Kerouac - The Movie) - 06:11 

2. Michel Legrand - Les délinquants (L'Amerique Insolite) - 04:27 

3. Michel Legrand - Nice, baie des anges (La Baie de Anges) - 04:30 

4. Joshua Redman - Solitude (Kansas City) - 06:02 

5. Charlie Parker - Parker's Mood (Bird) - 03:09 

6. Branford Marsalis Quartet feat. Terence Blanchard - Again Never (Mo Better Blues) - 03:55 

7. Michel Legrand - Trio Jazz (Atlantic City) - 05:20 

8. Bunny Berrigan - Caravan (Sweet and Lowdown) - 03:39 

9. Dizzy Gillespie - Coney Island (The Cool World) - 03:44 

10. Lalo Schifrin - End Credits (Bullitt) - 03:52 

11. Quincy Jones - End Title (The Pawnbroker) - 03:12 

12. Gato Barbieri - Why Did She Choose You? (Last Tango in Paris) - 03:03 

13. Michel Legrand - The Chess Game (The Thomas Crown Affair) - 05:59 

14. Bernard Herrmann - A Reluctant Hero / Betsy / End Credits (Taxi Driver) - 04:38 

15. Jerry Goldsmith - Love Theme (Chinatown) - 02:10 

16. John Barry - Mood Indigo (The Cotton Club) - 03:39 

17. Ralph Burns - South Mt. Sinai Parade (All That Jazz) - 03:41 

18. Herbie Hancock - The Naked Camera (Blow-Up) - 03:25 

19. Herbie Hancock - Body and Soul ('Round Midnight) - 05:55 

20. Sonny Rollins - He's Younger Than You Are (Alfie) - 05:14 

21. Dave Grusin - Suzie and Jack (The Fabulous Baker Boys) - 05:01 

22. Jon Batiste - Cristo Redentor (Soul) - 02:22 

23. Danny Elfman - After Midnight (Chicago) - 03:25 

24. James Newton Howard - RKO Lot (Guilty By Suspicion) - 01:19 

25. James Newton Howard - Main Title (Glengarry Glen Ross) - 04:54 

26. Justin Hurwitz - Cincinnati (La La Land) - 02:06 

27. Roger Wilson - Peckin' (Operation Mincemeat) - 03:41 

28. Miles Davis - So What (Miles Ahead) - 09:28

Playlist #354 vom 25.09.2022 - R.I.P. WOLFGANG PETERSEN (1941-2022)

Er ist einer der ganz wenigen deutschen Regisseure, die in Hollywood nicht nur Fuß fassen konnten, sondern auch regelmäßig mit den größten Stars Blockbuster-Erfolge erzielten. Wolfgang Petersen ist es nach dem Überraschungserfolg mit dem Anti-Kriegsfilm „Das Boot“ gelungen, in Hollywood mit Stars wie Harrison Ford, Dustin Hoffman, Brad Pitt und Clint Eastwood zu drehen. Am 12. August 2022 ist der gebürtige Ostfriese Petersen in Los Angeles im Alter von 81 Jahren gestorben. 

Wolfgang Petersen wurde am 14. März 1941 in Emden als Sohn eines Marineoffiziers geboren und wuchs während des Zweiten Weltkriegs in Mecklenburg auf. Als Petersen 1950 nach Hamburg-Bramfeld zog, begann er bereits während seiner Schulzeit auf der Gelehrtenschule des Johanneums damit, erste Filme mit einer 8-mm-Kamera zu drehen. 

Nachdem er am Jungen Theater in Hamburg bei verschiedenen Kinderaufführungen erste Regieerfahrungen gesammelt und nebenbei als Regieassistent und Schauspieler gearbeitet hatte, besuchte Petersen zunächst eine Schauspielschule und begann 1965 ein Studium der Theaterwissenschaft in Berlin und Hamburg, bevor er 1966 zur Deutschen Film- und Fernsehakademie wechselte. Nach einigen Kurzfilmen (darunter „Der Eine – Der Andere“ und „Ich nicht“) präsentierte er 1969 mit „Ich werde dich töten, Wolf“ seine Abschlussarbeit. 

Während seiner Arbeit beim Fernsehen drehte Petersen ab 1971 u.a. sechs Folgen für den „Tatort“, den Fernsehfilm „Van der Valk und die Reichen“ und weitere Fernsehproduktionen. Einen Namen machte sich der Regisseur mit der skandalumwitterten „Tatort“-Folge „Reifezeugnis“ aus dem Jahr 1977. Darin spielte die damals 16-jährige Nastassja Kinski eine – teils leicht bekleidete - Schülerin, die ein Verhältnis zu ihrem Lehrer (Christian Quadflieg) hat. 

Ebenfalls 1977 entstand der Fernsehfilm „Die Konsequenz“, den der Bayrische Rundfunk nicht ausstrahlte, weil die Sendeanstalt das Thema des Films, Homosexualität, nicht für das Publikum geeignet empfand. Erst als der Film (mit Jürgen Prochnow in einer de Hauptrollen) dann auch im Kino anlief, war er auch in Bayern zu sehen. 

Während die 1980er Bavaria-Film-Produktion „Das Boot“ hierzulande zunächst nur mäßig erfolgreich war, entwickelte sich die deutsche Großproduktion in den USA zum überraschenden Kassenschlager. Die Wiederaufführungen und Fernsehausstrahlungen (inklusive der knapp fünfstündigen Mini-Serie von 1985) des Films mit Schauspielern wie Jürgen Prochnow, Herbert Grönemeyer, Jan Fedder, Klaus Wennemann, Martin Semmelrogge, Heinz Hoenig, Ralf Richter und Uwe Ochsenknecht machten „Das Boot“ auch hier zu einem der bekanntesten und erfolgreichsten deutschen Filme. 

In Hollywood wurde Wolfgang Petersen sowohl für das Drehbuch als auch die Regie für einen Oscar nominiert, doch ging er bei der Verleihung leer aus. Dafür drehte Petersen anschließend mit einem Budget von über 50 Millionen DM (ca. 25,6 Mio. Euro) die bis dahin teuerste deutsche Nachkriegsproduktion, die Adaption von Michael Endes Jugendbuch-Klassiker „Die unendliche Geschichte“, zu der wieder Klaus Doldinger die Filmmusik komponierte. 

Einen Hit landete auch der ehemalige Kajagoogoo-Sänger Limahl mit dem Titelsong „The Neverending Story“. Allerdings sprengten die Spezialeffekte bald das Budget, so dass Petersen erst die Regie übernahm, als Helmut Dietl ausgestiegen war, und dann – sehr zum Missfallen des Autors der Romanvorlage – das Ende umschrieb. 

1984 entstand das Science-Fiction-Drama „Enemy Mine – Geliebter Feind“ bereits als deutsch-US-amerikanische Co-Produktion, wobei der Film mit Dennis Quaid und Louis Gossett Jr. in den Hauptrollen über einen Menschen und ein Alien, die auf einem unbewohnten Planeten gezwungen sind, sich zum Überleben zusammenzutun, überwiegend in München und auf Lanzarote gedreht wurde. 

Zwar zog Petersen 1986 nach Hollywood und internationalisierte mit der Produzentin Gail Katz sein Produktionsunternehmen Radiant Film als Radiant Productions, doch sein Hollywood-Debüt als Regisseur lieferte Petersen erst 1991 mit dem Psycho-Thriller „Tod im Spiegel“ ab. Danach etablierte sich der deutsche Filmemacher in den 1990er Jahren aber als Garant für Blockbuster-Erfolge. 

Mit Clint Eastwood, John Malkovich und Rene Russo inszenierte Petersen 1993 den Thriller „In the Line of Fire“, in dem Eastwood einen alternden Secret-Service-Agenten spielt, der einen psychopathischen Killer davon abhalten will, den Präsidenten zu ermorden. In dem zwei Jahre später inszenierten Thriller „Outbreak“ kämpften Dustin Hoffman, Rene Russo und Morgan Freeman gegen die Ausbreitung eines tödlichen Virus. 

1997 verkörperte Harrison Ford in „Air Force One“ den US-amerikanischen Präsidenten, der in seinem Flugzeug zusammen mit seiner Familie in die Gewalt einer Terroristen-Bande gerät. In seinen erfolgreichen 1990er Jahren produzierte er auch andere Filme wie „Red Corner – Labyrinth ohne Ausweg“ (1997), „Instinkt“ (1999) und „Der 200 Jahre Mann“ (1999). 

Im Jahr 2000 verfilmte Petersen eine wahre Begebenheit aus dem Jahr 1991, die in dem Sachbuch „The Perfect Storm“ ihren Niederschlag fand: Sechs Schwertfischer fahren mit ihrem Trawler in ein Gebiet, in dem drei verheerende Stürme aufeinandertreffen. Der 140 Millionen Dollar teure Film spielte weltweit immerhin 328 Millionen Dollar ein und ebnete für Petersen den Weg, um vier Jahre später das knapp dreistündige Historienepos „Troja“ mit Brad Pitt in der Hauptrolle zu realisieren. 

Mit „Poseidon“, der Neuverfilmung des Katastrophen-Thrillers „Die Höllenfahrt der Poseidon“ von 1972, drehte Petersen 2006 seinen letzten Film in Hollywood. 2016 inszenierte Petersen in seiner alten Heimat „Vier gegen die Bank“ das Remake seines gleichnamigen Fernsehfilms aus dem Jahr 1976, diesmal mit Til Schweiger, Matthias Schweighöfer, Jan Josef Liefers und Michael Herbig in den Hauptrollen. 

Am 12. August 2022 starb Petersen in seinem Zuhause in Brentwood, einem Stadtteil von Los Angeles, im Alter von 81 Jahren an Bauchspeicheldrüsenkrebs. 

Filmographie: 

1965: Stadt auf Stelzen (Fernsehfilm) 

1967: Der Eine, der Andere (Kurzfilm) 

1968: Die rote Fahne (Kurz-Doku) 

1969: Ich nicht (Kurzfilm) 

1971: Ich werde dich töten, Wolf 

1971: Tatort: Blechschaden 

1972: Anna und Totò (Fernsehfilm) 

1972: Tatort: Strandgut (Fernsehfilm) 

1973: Smog (Fernsehfilm) 

1973: Tatort: Jagdrevier (Fernsehfilm) 

1973: Van der Valk und die Reichen (Fernsehfilm) 

1974: Tatort: Nachtfrost (Fernsehfilm) 

1974: Einer von uns beiden 

1974: Aufs Kreuz gelegt (Fernsehfilm) 

1975: Die Stadt im Tal (Fernsehzweiteiler) 

1975: Stellenweise Glatteis (Fernsehfilm) 

1975: Tatort: Kurzschluss (Fernsehfilm) 

1976: Hans im Glück (Fernsehfilm) 

1976: Vier gegen die Bank (Fernsehfilm) 

1977: Tatort: Reifezeugnis (Fernsehfilm) 

1977: Planübung (Fernsehfilm) 

1977: Die Konsequenz 

1978: Schwarz und weiß wie Tage und Nächte (Fernsehfilm) 

1981: Das Boot 

1984: Die unendliche Geschichte (The NeverEnding Story) 

1985: Enemy Mine – Geliebter Feind (Enemy Mine) 

1985: Das Boot (TV-Mini-Serie) 

1991: Tod im Spiegel (Shattered) 

1993: In the Line of Fire – Die zweite Chance (In the Line of Fire) 

1995: Outbreak – Lautlose Killer (Outbreak) 

1997: Air Force One 

2000: Der Sturm (The Perfect Storm) 

2004: Troja (Troy) 2006: Poseidon 

2016: Vier gegen die Bank 

Playlist: 

1. Klaus Doldinger - Ende (Das Boot) - 03:24 

2. Klaus Doldinger - In the Howling Forest (The NeverEnding Story) - 03:04 

3. Maurice Jarre - The Relationship (Enemy Mine) - 03:56 

4. Alan Silvestri - End Credits (Shattered) - 05:02 

5. Jerry Goldsmith - End Credits (Air Force One) - 06:03 

6. Ennio Morricone - Lilly and Frank (In the Line of Fire) - 04:01 

7. James Newton Howard - The Bomb/Main Title (Outbreak) - 04:05 

8. James Horner - There's No Goodbye, Only Love (The Perfect Storm) - 07:34 

9. James Horner - Call for Achilles (Troy) - 03:08 

10. Klaus Doldinger - Die Unendliche Geschichte: Suite (Symphonic Project) - 08:49 

11. Danny Elfman - Into the Wild (Instinct) - 08:49 

12. Thomas Newman - Full Scale Incident (Red Corner) - 04:55 

13. James Horner - A New Home/Passage of Time (Bicentennial Man) - 04:19 

14. Klaus Doldinger - Symphonic Tatort (Symphonic Project) - 03:59 

15. Klaus Badelt - End Credits (Poseidon) - 05:47 

16. James Horner - To the Flemish Cap (The Perfect Storm) - 07:18 

17. Ennio Morricone - Dallas Recalled (In the Line of Fire) - 03:09 

18. Thomas Newman - Black (Red Corner) - 04:52 

19. Enis Rotthoff - Der Plan (Vier gegen die Bank) - 03:05 

20. James Horner - Hector Instructs Wife (Troy) - 04:31 

21. James Newton Howard - Robbie's Cured/End Credits (Outbreak) - 07:18 

22. Klaus Doldinger - Das Boot: Suite (Symphonic Project) - 09:07

Playlist #353 vom 11.09.2022 - Neuheiten 2022 (6)

In der sechsten Neuheiten-Sendung dieses Jahr geben sich einige illustre Namen die Ehre. So sind alte Meister wie Georges Delerue und Henry Mancini ebenso mit erweiterten Re-Releases ihrer Werke vertreten wie Michael Kamen und James Horner. Dazu sind Auszüge aus den neuen Arbeiten von James Newton Howard, Alexandre Desplat, John Debney, Clint Mansell, Mychael Danna und Jeff Beal zu hören, neue Musik aus Fernsehserien wie „House of the Dragon“, „The Lord of the Rings: The Rings of Power“, „Only Murder in the Building“, „Surface“, „Kleo“, „The Sandman“ und „Better Call Saul“ sowie interessante Newcomer wie Ariel Marx, Michael Abels und Frédéric Vercheval. 

Olivia Newman verfilmte mit „Where the Crawdads Sing“ (dt. „Der Gesang der Flusskrebse“) den gleichnamigen Roman von Delia Owens. Das Mystery-Drama erzählt die Geschichte von Kya (Daisy Edgar-Jones), die im Alter von sechs Jahren von ihrer Familie verlassen und in den rauen Sumpfgebieten von North Carolina erwachsen wurde. Jahrelang hielten sich hartnäckige Gerüchte über das „Marsch-Mädchen“ in Barkley Cove und isolierten die scharfsinnige und widerstandsfähige Kya von ihrer Gemeinde. Doch angezogen von zwei jungen Männern aus der Stadt, öffnet sich Kya schließlich einer neuen und verblüffenden Welt. Als Chase Andrews (Harris Dickinson) tot aufgefunden wird, gerät die schüchterne Kya schnell ins Visier der Ermittlungen. 

Der Oscar-, Golden-Globe- und Emmy-prämierte kanadische Komponist Mychael Danna („Life of Pi“, „World Without End“) kreierte dazu einen einfühlsam instrumentierten, emotionalen Score, der auch ohne die dazugehörigen Bilder zu verzaubern versteht. 

James Newton Howard hat mit Regisseur Lawrence Kasdan bereits Filme wie „Grand Canyon“, „Wyatt Earp“, „French Kiss“ und „Dreamcatcher“ realisiert. Nun hat der neunfach Oscar-nominierte Komponist auch die sechsteilige Doku-Mini-Serie „Light & Magic“ über Industrial Light and Magic vertont. Die Special Effects Abteilung von Lucasfilm wurde damals von George Lucas für „Star Wars“ gegründet und hat die Filmindustrie nachhaltig verändert. Zu Beginn arbeiteten sie sehr viel mit Miniaturen oder Stop-Motion-Animationen, bis sie überhaupt zu VFX gekommen waren. Ihre Visual Effects Technik ist bis heute die fortschrittlichste auf dem Markt und hat bereits 16 Oscars gewonnen. Auch viele weitere Klassiker neben „Star Wars“ wie die „Jurrassic“-Filmreihe, „Indiana Jones“ oder auch „Star Trek“ und „Harry Potter“ gehören zum Repertoire von ILM. Sie ermöglichen heutzutage Serien wie zum Beispiel „The Mandalorian“, „Boba Fett“ oder „Obi-Wan Kenobi“. Die Dokumentation nimmt uns mit hinter die Kulissen, der einflussreichsten und erfolgreichsten Effekt Firma der letzten 45 Jahre und zeigt Arbeitsweisen und die Menschen hinter der Technik. 

Den Part mit neuer Musik aus den aktuellen Fernsehserien eröffnet der Isländer Ólafur Arnalds mit seiner ruhigen, auf Streicher- und Pianoklängen basierenden Musik zu „Surface“. In dieser neuen Serie steht Sophie (Gugu Mbatha-Raw) nach einem gescheiterten Selbstmordversuch vor dem Problem, dass sie ihre Erinnerungen verloren hat. Jetzt versucht sie nicht nur ihr Leben in San Francisco aufzubauen, sondern muss auch sich selbst wiederfinden. Gemeinsam mit ihrem Mann und ihren Freunden versucht die junge Frau, die letzten Stunden vor ihrem Selbstmordversuch zu rekonstruieren. Was hat sie dazu gebracht, sich selbst das Leben nehmen zu wollen? 

Etwas amüsanter geht es in der deutschen Netflix-Serie „Kleo“ zu, in der die Titelheldin als stolze Tschekistin und Auftragskillerin in Diensten der DDR unter falschen Tatsachen verhaftet und zu einer Gefängnisstrafe verurteilt wird, um nach dem Fall der Berliner Mauer und der Freilassung aufgrund der Generalamnestie für politische Häftlinge die Verschwörung aufzudecken, die für ihre Verhaftung verantwortlich war. Der australische Komponist Johnny Klimek, der zusammen mit Reinhold Heil die meisten Filme von Tom Tykwer vertonte hatte, untermalte das bunte Vintage-Treiben zwischen Ost- und Westberlin mit flotten Electro-Klängen. Während Dave Porter („Breaking Bad“) für „Better Call Saul“ ebenfalls vor allem elektronische Sounds verwendete, stand Siddharta Khosla („This Is Us“) bei der 2. Staffel von „Only Murders in the Building“ bei einer Episode vor einer besonderen Herausforderung. Da diese Episode aus der Perspektive eines tauben Mannes erzählt wird und deshalb ganz ohne Dialoge auskommt, geriet die musikalische Ebene besonders in den Fokus. 

„Ich habe noch nie zuvor einen Stummfilm vertont. Wieviel Musik wollen wir wirklich? Wann wollen wir, dass es die Geschichte vorantreibt?“, erzählt Khosla im Interview mit goldderby.com. „Eine Episode zu erkunden ist alles, wenn du dich entscheidest, ob Musik platziert werden soll, und wo du dich entscheidest, es nicht zu tun. Und ich denke, das war letztendlich eine Herausforderung. Ich hätte natürlich das Ganze vertonen können, aber dann hätte es seine Magie verloren.“ 

Mit Spannung erwartet wurden natürlich nicht nur die Prequel-Serie zu „Game of Thrones“, „House if the Dragon“, und die Amazon-Serie „The Lord of the Rings: The Rings of Power“, sondern auch die Vertonung durch Ramin Djawadi und Bear McCreary. 

1985 schuf Tobe Hooper mit „Lifeforce“ einen interessanten Science-Fiction-Horror-Film, für den er zunächst James Horner als Komponisten im Visier hatte, doch dann entschied er sich für Altmeister Henry Mancini, der mit seiner orchestralen Musik zu dem Material zurückkehrte, das er in den 1950er Jahren für Filme wie „It Came From Outer Space“ und „This Island Earth“ komponiert hatte. Da der ursprünglich zweieinhalb Stunden lange Horror-Thriller aber noch zweimal gekürzt werden musste und Mancini wegen seiner Arbeit an „Santa Claus: The Movie“ für Änderungen nicht mehr zur Verfügung stand, wurde kurzerhand Michael Kamen mit an Bord geholt, um mit seiner Musik eine Brücke zu Mancinis sinfonischen Klängen zu bauen. 

Nun hat Intrada sowohl Mancinis ursprünglich für „Lifeforce“ komponierte Musik als Doppel-CD und Michael Kamens ergänzenden Score auf einer separaten CD veröffentlicht. 

Dem belgischen Komponisten Frédéric Vercheval ist es vergönnt gewesen, mit „Les Volets verts“ ein Drama des 89-jährigen Jean Becker mit Gérard Depardieu, Fanny Ardant und Benoît Poelvoorde in den Hauptrollen zu vertonen. Depardieu spielt einen Schauspieler auf der Höhe seines Ruhms, der jenseits seiner berühmten Persönlichkeit, seines losen Mundwerks und der sozialen Hülle ein sehr melancholisches Gemüt besitzt. 

„Die Musik untermalt diese Melancholie, die Nostalgie einer Ära, einer vergangenen Liebe“, erklärt der belgische Komponist, der bereits fünfmal für den Magritte Award nominiert worden ist. „Jean wollte, dass ich ein Thema komponiere, das all diese Elemente vereint. Das Thema wird durch ein Piano eingeführt und wird dann vom Brussels Film Orchestra aufgegriffen.“ 

„Tad the Lost Explorer and the Curse of the Mummy“ ist seit 2004 der dritte Film um Tadeo Jones, für das der spanische Komponist Zacarías M. de la Riva ein eigenes musikalisches Universum geschaffen hat. „Ich habe versucht, der Musik eine einzigartige Identität zu verleihen, indem ich einem idiomatischen Stil treu geblieben bin, der mit dem Leitmotiv und der Verwendung von Farbe und Orchestrierung verbunden ist. Die Partitur ist eine aufwendige Arbeit mit umfangreichen thematischen Inhalten voller lebendiger Handlungshinweise. Ich habe neue Leitmotive für die neuen Charaktere komponiert, wie Ra-Amon-Ah oder die Smaragdtafel. Aber ich war auch sehr auf die Suche nach einer Klangfülle konzentriert, die die narrative Vision des Films als Ganzes umfassen würde.“ 

Playlist: 

1. Mychael Danna - I Am Every Shell Washed Upon the Shore (Where the Crawdads Sing) - 04:31 

2. James Newton Howard - Team Assembles (Light & Magic) - 04:10 

3. Ólafur Arnalds - The Past Is the Past (Surface - Season 1) - 04:52 

4. Benjamin Wallfisch - Reunion (Thirteen Lives) - 03:17 

5. Ian Arber - The Affair (The Stranger In Our Bed) - 02:10

6. Federico Jusid - Pietá (Santa Evita) - 02:29 

7. Johnny Klimek - Back In Time (Kleo) - 03:34 

8. Siddharta Khosla - Mabel's Dream (Only Murders in the Building - Season 2) - 03:32 

9. Dave Porter - Devil's Dandruff (Better Call Saul, Vol. 3) - 03:20 

10. David Buckley - New Dreams… A New Age (The Sandman - Season 1) - 03:06 

11. John Debney - Good Luck All Day Long (Luck) - 03:23 

12. Frédéric Vercheval - Jeanne (Les Volets verts) - 05:11 

13. Steven Price - I Missed All the Signs (Beast) - 04:12 

14. Clint Mansell - We Will Heal (She Will) - 03:28 

15. Jeff Beal - Protecting the Shorts (Gamestop: Rise of the Players) - 03:47 

16. Georges Delerue - Nocturne (The Day of the Dolphin) - 03:26 

17. Michael Kamen - The Discovery (Lifeforce) - 02:55 

18. Henry Mancini - The Lifeforce Theme [End Title] (Lifeforce) - 03:42 

19. James Horner - Deleting the Evidence (Clear and Present Danger) - 04:46 

20. Alexandre Desplat - Ascenseur (Coupez!) - 03:04 

21. Steve Jablonsky - Lex Luthor (DC League of Super-Pets) - 03:24 

22. Henry Jackman - Against All Odds (The Gray Man) - 03:26 

23. Ramin Djawadi - The Prince That Was Promised (House of the Dragon) - 04:35 

24. Bear McCreary - A Plea to the Rocks (The Lord of the Rings: The Rings of Power - Season 1) - 03:48 

25. Rael Jones - 10th Anniversary Collection (Mrs. Harris Goes to Paris) - 02:42 

26. Ariel Marx - We Went Underground (Children of the Underground) - 02:43 

27. Tom Holkenborg - Raucous Skies and Song of Transference (Three Thousand Years of Longing) - 03:07 

28. Michael Abels - Haywood Ranch (Nope) - 02:56 

29. Zacarías M. de la Riva - Victoria Moon (Tad the Lost Explorer and the Curse of the Mummy) - 02:08 

30. Matthijs Kieboom - Birds of Prey (Wolf) - 02:43

31. Dominic Lewis - Toilet Talk (Bullet Train) - 03:31 

32. Fernando Velázquez - Ya No Sé Quién Soy (Alma) - 06:32