Playlist #445 vom 22.03.2026 - PETER WEIR Special

Mit sechs Oscar-Nominierungen für seine Arbeiten an Filmen wie „Der Club der toten Dichter“, „Die Truman Show“ und „Der einzige Zeuge“ zählt Peter Weir zu den prominentesten australischen Filmemachern und wurde 2022 verdientermaßen mit einem Ehrenoscar für sein Lebenswerk ausgezeichnet. Da lag sein letzter Film „The Way Back“ (2010) bereits zwölf Jahre zurück. Grund genug, Peter Weir mit einer Retrospektive zu ehren. Schließlich hat er auch bei der Auswahl der Musik für seine Filme stets ein gutes Händchen bewiesen. In dieser Sendung gibt es neben der original für seine Werke komponierten Musik von Bruce Smeaton, Maurice Jarre, Iva Davis, Christopher Gordon, Hans Zimmer und Burkhard Dallwitz auch verwendete Tracks von Vangelis, Jean Michel Jarre, Philip Glass, Tomaso Albinoni, Beethoven und Mozart zu hören. 

Peter Weir wurde am 21. August 1944 in Sydney geboren und besuchte das Scots College und die Vaucluse Boys High School, bevor er an der Universität Sydney Kunst und Jura studierte. Sein Interesse am Film wurde durch die Begegnung mit Kommilitonen geweckt, darunter Phillip Noyce und die späteren Mitglieder des Sydneyer Filmkollektivs Ubu Films.

Nach seinem Universitätsabschluss Mitte der 1960er Jahre begann er beim Sydneyer Fernsehsender ATN-7 als Produktionsassistent für die bahnbrechende satirische Comedy-Sendung „The Mavis Bramston Show“. Während dieser Zeit drehte Weir mit den Einrichtungen des Senders seine ersten beiden experimentellen Kurzfilme „Count Vim's Last Exercise“ und „The Life and Flight of Reverend Buck Shotte“.

Bei der Commonwealth Film Unit drehte Weir mehrere Dokumentarfilme sowie einen Spielfilm.

Mit dem Kurzfilm „Three Directions in Australian Pop Music“ (1972) fasste Weir Konzertaufnahmen von drei der bedeutendsten Rockbands aus Melbourne jener Zeit zusammen: Spectrum, The Captain Matchbox Whoopee Band und Wendy Saddington. Weirs letzte größere Arbeit für die CFU befasste sich mit einem benachteiligten Vorort von Sydney, „Whatever Happened to Green Valley“ (1973). Dabei wurden die Bewohner eingeladen, eigene Filmsequenzen zu drehen.

Weirs erster großer Independentfilm war der Kurzfilm „Homesdale“ (1971), eine schräge schwarze Komödie. Für seinen nächsten, ersten abendfüllenden Spielfilm ließ sich Weir von einem Pressebericht inspirieren, den Weir über zwei junge Engländerinnen gelesen hatte, die während einer Autoreise in Frankreich verschwunden waren. „Die Autos, die Paris auffraßen“ (1974) war eine Low-Budget-Komödie um eine Stadt, die ihre Existenz der fragwürdigen, doch allgemein anerkannten Praxis verdankt, verunglückte Autos und ihre Insassen auszuschlachten, und überzeugte weniger durch komplex gezeichnete Figuren und einen dramatischen Plot, sondern durch ihre außergewöhnliche Ausgangsidee einer zutiefst amoralischen Gesellschaft, die ungeniert Gewinn aus dem Schaden anderer Leute zieht, und Peter Weirs ausdrucksstarke Bildsprache.

Der Film war in den Kinos nur mäßig erfolgreich, erfreute sich aber großer Beliebtheit in den damals florierenden Autokinos.

Mit diesem Film, zusammen mit dem früheren „Homesdale“, etablierte Weir das thematische Grundmuster, das sein gesamtes Schaffen prägte: Fast alle seine Spielfilme handeln von Menschen, die in eine Krise geraten, nachdem sie auf die eine oder andere Weise von der Gesellschaft isoliert wurden – sei es physisch („Der einzige Zeuge“, „Mosquito Coast“, „Die Truman Show“, „Master and Commander“), sozial/kulturell („Picknick am Hanging Rock“, „Die letzte Flut“, „Der Club der toten Dichter“, „Green Card“) oder psychisch („Fearless“).

Weirs großer Durchbruch in Australien und international gelang ihm mit dem opulenten, atmosphärischen Historienfilm „Picknick am Valentinstag“ (1975), der mit erheblicher Unterstützung der staatlich geförderten South Australian Film Corporation entstand und in Südaustralien und im ländlichen Victoria gedreht wurde. Basierend auf dem Roman von Joan Lindsay und angesiedelt um die Jahrhundertwende, erzählt der Film die angeblich wahre Geschichte einer Gruppe Schülerinnen eines exklusiven Mädcheninternats, die am Valentinstag 1900 auf mysteriöse Weise während eines Schulausflugs verschwinden. Der Film gilt weithin als Schlüsselwerk der australischen Filmrenaissance Mitte der 1970er-Jahre und war der erste australische Film seiner Zeit, der sowohl von der Kritik gefeiert als auch international in den Kinos gezeigt wurde.

Bereits im Prolog vermittelt Peter Weir seinem Publikum die Botschaft, dass bei einem Picknick am Valentinstag einige Mädchen spurlos verschwunden sind. Und trotzdem entfaltet die Geschichte eine Sogwirkung, die einfach grandios inszeniert ist. Die hypnotisch-flirrenden Bilder von Kameramann Russell Boyd („Forever Young“, „Master & Commander“) gehen mit den mystischen Panflötenklängen von Gheorghe Zamfir und dem verträumten Piano-Score von Bruce Smeaton eine stimmige Symbiose ein, die das Verschwinden der Mädchen wirklich zu einem übernatürlichen Ereignis werden lässt. Interessant kreiert Weir aber auch die Gegensätze zwischen der wilden, unberechenbaren Natur und den strengen Regeln in einem viktorianischen Mädcheninternat. Während die Frage nach dem Verbleib der Mädchen unbeantwortet bleibt, sind die darauffolgenden Ereignisse im Internat nur allzu vorhersehbar. Peter Weir gelingt es, die Geschehnisse hier und dort eindringlich miteinander zu verbinden.

Weirs nächster Film „Die letzte Flut“ (1977) war ein übernatürlicher Thriller über einen Mann, der von furchterregenden Visionen einer drohenden Naturkatastrophe heimgesucht wird. Der Film mit dem amerikanischen Schauspieler Richard Chamberlain in der Hauptrolle, der dem australischen und internationalen Publikum als Titelheld der beliebten Fernsehserie „Dr. Kildare“ bestens bekannt war, erzählt die Geschichte von Dr. Kildare. „Die letzte Flut“ war ein nachdenkliches, ambivalentes Werk, das die Themen von „Picknick am Valentinstag“ aufgriff und die Interaktionen zwischen der Kultur der Aborigines und der europäischen Kultur erforschte.

In erster Linie als Justizdrama ausgelegt, verlagert sich der Film zunehmend auf die Frage, inwieweit der weiße Anwalt auch die Gabe der Prophezeiung besitzt. Peter Weir hat die Problematik des Zusammenlebens zwischen den beiden Gesellschaftsformen ebenso subtil thematisiert wie die bedrohlichen Naturphänomene in Form von sintflutartigen Regenfällen, Hagelschauern und anderen typisch apokalyptischen Zeichen, wobei Richard Chamberlain überzeugend den skeptischen Beobachter darstellt.

Zwischen „Die letzte Flut“ und seinem nächsten Spielfilm schrieb und inszenierte Weir den ungewöhnlichen Low-Budget-Fernsehfilm „Wenn der Klempner kommt“ (1979). In den Hauptrollen waren die australischen Schauspieler Judy Morris und Ivar Kants zu sehen; die Dreharbeiten dauerten nur drei Wochen. Inspiriert von einer Erzählung von Freunden, ist es eine schwarze Komödie über eine Frau, deren Leben durch einen subtil bedrohlichen Klempner aus den Fugen gerät.

Mit seinem nächsten Film, dem historischen Abenteuerdrama „Gallipoli“ (1981), landete Weir einen großen australischen Erfolg und erntete weiteres internationales Lob. Das Drehbuch stammte vom australischen Dramatiker David Williamson; der Film gilt als Klassiker des australischen Kinos und trug maßgeblich dazu bei, Mel Gibson („Mad Max“) zum Superstar zu machen.

Peter Weir inszeniert den Großteil seines Dramas als ausgelassenen Abenteuerfilm, indem sich die Freunde, die sich freiwillig für den Einsatz australischer und neuseeländischer Truppen im Kampf gegen die mit den Nazis verbündeten Türken gemeldet haben, selbst bei ihren ersten Übungen in Ägypten noch lachend in die Arme fallen. Doch je näher die Geschosse der Türken an ihrem Gefechtsstand einschlagen, desto mehr wird ihnen der tödliche Ernst der Lage bewusst. Weir schürt ihr bewusst Ressentiments gegen die britischen Offiziere, die die australischen Truppen rücksichtslos gegen die gut in den Stellungen liegenden Türken verheizen. Auch wenn Weir damit über das Ziel hinausschießen mag, ist ihm mit „Gallipoli“ ein eindringliches Drama über eine Männerfreundschaft und die Sinnlosigkeit des Krieges gelungen, das zudem mit Jean-Michel Jarres Musik aus „Oxygene“ und das Tomaso Albinoni zugeschriebene „Adagio in g-Moll“ interessant vertont worden ist.

Der Höhepunkt von Weirs früher Karriere war die 6 Millionen Dollar teure multinationale Produktion „Ein Jahr in der Hölle“ (1982), in der erneut Gibson die Hauptrolle spielte, diesmal an der Seite von Hollywood-Star Sigourney Weaver. Der Film erzählt eine Geschichte über journalistische Loyalität, Idealismus, Liebe und Ehrgeiz im turbulenten Indonesien Sukarnos im Jahr 1965. Es handelte sich um eine Adaption des Romans von Christopher Koch, der teilweise auf den Erlebnissen von Kochs Bruder Philip, dem Journalisten Philip, beruhte. Philip war Jakarta-Korrespondent der ABC und einer der wenigen westlichen Journalisten in der Stadt während des Putschversuchs von 1965. Der Film brachte Linda Hunt (die im Film einen Mann spielte) einen Oscar als Beste Nebendarstellerin ein.

Der Film konzentriert sich nicht nur auf die romantische Beziehung, die sich zwischen dem Reporter und der Botschaftsangestellten anbahnt, sondern vor allem auf die Rolle, in der sich Hamilton selbst in dem ausbrechenden Bürgerkrieg sieht, ob er bereit ist, größere Opfer zu bringen, als es beispielsweise seine Kollegen tun, die sich allein auf die Berichterstattung aus sicherer Entfernung und diverse Ablenkungen beschränken. Allzu tief dringt das Drama dabei freilich nicht in die politischen Dimensionen des Bürgerkriegs ein. Vielmehr thematisiert Weir den immerwährenden universalen Konflikt zwischen (gesellschafts-)politischen Ereignissen und der Berichterstattung darüber.

Weirs erster amerikanischer Film war der erfolgreiche Thriller „Der einzige Zeuge“ (1985), der erste von zwei Filmen, die er mit Harrison Ford drehte. Er handelt von einem Jungen, der Zeuge des Mordes an einem verdeckten Polizisten durch korrupte Kollegen wird und sich daraufhin in seiner Amischen Gemeinde verstecken muss, um ihn zu schützen. Weir führte Regie bei Fords einziger Performance, die ihm eine Oscar-Nominierung einbrachte, während auch Kinderstar Lukas Haas für sein Filmdebüt viel Lob erhielt. „Der einzige Zeuge“ brachte Weir zudem seine erste Oscar-Nominierung als Bester Regisseur ein und war der erste von mehreren Filmen, die für den Oscar als Bester Film nominiert wurden – später gewann er zwei Oscars für den Besten Schnitt und das Beste Originaldrehbuch.

Es folgte der düsterere, weniger kommerzielle Film „Mosquito Coast“ (1986) nach einem Drehbuch von Paul Schrader („Taxi Driver“, „Katzenmenschen“), basierend auf Paul Theroux’ Roman.

„Mosquito Coast“ zeigt zunächst eine US-amerikanische Welt auf, die typisch für die westliche Zivilisation ist, eine Welt, in der Waren möglichst billig aus dem fernen Osten importiert werden und das Wohl des Einzelnen über dem der Gemeinschaft steht. Dass Allie Fox, dessen Erfindungen nur müde belächelt werden, weil sie keinen schnellen ökonomischen Nutzen bieten, dieser kapitalistischen Welt entfliehen möchte, lässt sich durchaus nachvollziehen. Interessant ist, dass er dieses Vorhaben so radikal und ohne Rücksicht auf die Bedürfnisse seiner Familie umsetzt und im tiefsten Dschungel den Eingeborenen das Leben noch luxuriöser bereiten möchte. Das verläuft natürlich nicht nach Plan, denn zum einen bekommt es Allie mit dem missionarischen Eifer eines Weißen zu tun, zum anderen mit rücksichtslosen Guerilla-Kämpfern, die Allies Errungenschaften drohen zunichtezumachen. Spätestens durch die Konfrontation mit dem Unwägbaren kippt die Stimmung, und Allie wird zum schwer erträglichen Tyrannen, unter dem vor allem seine Familie zu leiden hat. Weirs Fähigkeit und Faible, Eskapismus, Esoterik und Naturverbundenheit mit psychologischem Schrecken zu verbinden, wie er es in seinen in den 1970er Jahre entstandenen Filmen zum Ausdruck brachte, kommt auch in „Mosquito Coast“ zum Tragen.

Harrison Ford überzeugt dabei als leidenschaftlicher Kämpfer für die gute Sache, der allerdings über das Ziel hinausschießt, und die Konzentration auf die Dialoge, mit denen die Konflikte ausgetragen werden, machen „Mosquito Coast“ nicht gerade zugänglich. Doch als Drama, das den Kontrast zwischen Naturvölkern und vermeintlich fortschrittlichen Zivilisten zuspitzt, funktioniert der Film wunderbar.

Weirs nächster Film „Der Club der toten Dichter“ (1989) war ein internationaler Erfolg und präsentierte Robin Williams in der ungewohnten Rolle eines inspirierenden Lehrers in einer dramatischen Geschichte über Konformität und Rebellion an einem exklusiven Internat in Neuengland in den 1950er-Jahren. Der Film wurde für vier Oscars nominiert, darunter für den besten Film und die beste Regie. Er gewann den Oscar für das Beste Originaldrehbuch und verhalf den jungen Schauspielern Ethan Hawke und Robert Sean Leonard zum Durchbruch.

„Ich ging in die Wälder, denn ich wollte wohl überlegt leben. Intensiv leben wollte ich, das Mark des Lebens in mich aufsaugen, um alles auszurotten, was nicht lebend war. Damit ich nicht in der Todesstunde inne würde, dass ich gar nicht gelebt hatte.“ Diese Zeilen aus Henry David Thoreaus (1817–1862) Buch „Walden oder Leben in den Wäldern“ steht als Leitspruch für Peter Weirs „Der Club der toten Dichter“, der wunderbar aufzeigt, wie schwierig es ist, sich mit einer eigenen Persönlichkeit von der Masse abzuheben und ein Leben ganz nach seiner eigenen Bestimmung zu führen. Dabei bietet das Drama alles auf, was zur intellektuellen wie seelischen Ertüchtigung notwendig ist. Das fängt mit dem restriktiven, rückwärtsgewandten Internat an, das alles versucht, um die jungen Männer nach konservativen Werten und Tugenden zu formen, und Abweichungen von der Norm hart bestraft. Es genügt ein aufmerksamer, engagierter Freigeist im Lehrkörper, um die starren Bahnen des Lehrstoffs aufzubrechen und das individuelle Potenzial seiner Schüler freizulegen und zu fördern. Das gelingt bei den selbstbewussten Neil und Knox nahezu augenblicklich, bei dem schüchternen Todd braucht es schon stete Ermunterung, bis auch er aus dem Schatten seines Bruders, der zu den besten Absolventen von Welton gehört, heraustreten und für sich selbst sprechen kann. Das Oscar-prämierte Drehbuch von Tom Schulman wartet mit einer Menge stimulierender Gedichte der großen Romantiker auf, lässt den „Club der toten Dichter“ zu einer eingeschworenen Gemeinschaft werden und darf als Plädoyer für eine Ausbildung jenseits konventioneller Lehranstalten verstanden werden, um die Persönlichkeit zu formen. Auch wenn hier etwas oberflächlich in Schweißweiß-Kategorien gedacht wird, fasziniert Weirs Drama als Hommage an die großen romantischen Dichter und die Kraft der Poesie. Das ist wunderbar fotografiert und adäquat mit dem fesselnden Score von Maurice Jarre („Fearless – Jenseits der Angst“, „Lawrence von Arabien“) untermalt.

Weirs „Green Card“ (1990) brachte ihm für sein Original-Drehbuch eine Oscar-Nominierung ein und präsentiert eine an sich klassische RomCom vor einem ungewöhnlichen Hintergrund und spielt mit seinem Humor ganz auf die kulturellen, aber auch persönlichen Unterschiede zwischen seinen beiden Protagonisten ab. Während Gérard Depardieu („Camille Claudel“, „Cyrano De Bergerac“) in seiner ersten Hollywood-Arbeit sich sichtlich wohl in der Rolle des temperamentvollen Franzosen fühlt, verleiht Andie MacDowell („… und täglich grüßt das Murmeltier“, „Vier Hochzeiten und ein Todesfall“) ihrer spröden Figur die nötige Portion sinnlichen Charme, um sie für Georges attraktiv zu machen und auch das Publikum für sich einzunehmen. Das gelingt Brontë nämlich weniger durch ihr soziales Engagement für benachteiligte Kinder in den Slums, für die sie mit Phil, seinen Freunden und den Kindern Gärten in Hinterhöfen anlegt, sondern eher durch ihre zurückhaltende Art, mit denen sie ihre Vorurteile gegen den forschen Franzosen mit Leidenschaft fürs Kochen allmählich ablegt – ebenso wie Georges mit der Zeit feststellen muss, dass er durch Brontë ein Gefühl für Heimat entwickelt. Zwar bedient sich Peter Weir („Die Truman Show“, „Master and Commander“) der üblichen Klischees bei der Völkerverständigung, doch findet er stets amüsante und wenig aufgesetzte Varianten, damit zu spielen und sie so wirklich komisch wirken zu lassen. Auch wenn die Story und Inszenierung ganz auf die beiden charismatischen Hauptdarsteller ausgelegt ist, überzeugen auch der übrige Cast in oft nur wenig ausdifferenzierten Nebenrollen, vor allem aber der reduziert arrangierte, sehr melodische Score von Hollywood-Star Hans Zimmer („Gladiator“, „Hannibal“).

„Fearless – Jenseits der Angst“ (1993) kehrte zu düstereren Themen zurück und zeigte Jeff Bridges in der Rolle eines Mannes, der nach einem schweren Flugzeugabsturz glaubt, unbesiegbar zu sein.

Nach einem Drehbuch von Rafael Yglesias („From Hell“, „Dark Water – Dunkle Wasser“), der auch für die Romanvorlage verantwortlich gewesen ist, inszenierte Peter Weir ein Drama rund um dramatische Nahtoderfahrungen. Dabei beleuchtet er nicht nur die Auswirkungen eines traumatischen Flugzeugabsturzes auf die betroffenen Passagiere, sondern auch ihr Umfeld, das sich auf Anwälte auf der Jagd nach Schadensersatzansprüchen ebenso erstreckt wie auf Therapeuten und vor allem Familienangehörige. Die Randfiguren wie der von John Turturro („Barton Fink“, „Quiz Show“) gespielte Therapeut und der von Tom Hulce („Amadeus“, „Eine Wahnsinnsfamilie“) verkörperte Rechtsanwalt reißen die Aspekte der psychologischen Betreuung und der juristischen Konsequenzen aus einem solchen Unglück aber nur an, zudem können weder Turturro noch Hulce ihren Rollen überzeugend Profil verleihen. Da auch Isabella Rossellini („Blue Velvet“, „Seitensprünge“) als Max‘ Frau unterfordert bleibt, liegt es allein an Jeff Bridges („The Big Lebowski“, „König der Fischer“) und Rosie Perez („Night on Earth“, „Real Love“), dem Drama emotionales Gewicht zu verleihen. Peter Weir bleibt in seiner Inszenierung dicht an den Figuren, hebt die Betroffenheit, Hilflosigkeit und Sorge der Angehörigen ebenso hervor wie die öffentliche Aufmerksamkeit und das Gefühl der Überlebenden, eine Grenze überschritten zu haben. Beim etwas überdramatisierten Finale mögen sich zwar die Geister scheiden, doch insgesamt ist Weir vor allem dank seiner hervorragenden Hauptdarsteller und der eigenen feinsinnigen Inszenierungskunst ein starkes Drama gelungen, das einmal mehr von Maurice Jarre angenehm unaufdringlich vertont worden ist.

Nach fünf Jahren kehrte Weir mit seinem bis dato größten Erfolg zurück: „Die Truman Show“ (1998), eine Fantasy-Satire über die Kontrolle des Lebens durch die Medien mit Jim Carrey in der Hauptrolle. „Die Truman Show“ war sowohl an den Kinokassen als auch bei den Kritikern ein Erfolg und erhielt positive Kritiken sowie zahlreiche Auszeichnungen, darunter drei Oscar-Nominierungen: für Andrew Niccol (Bestes Originaldrehbuch), Ed Harris (Bester Nebendarsteller) und Weir selbst (Beste Regie).

Der von Jim Carrey verkörperte Versicherungsangestellte Truman weiß nicht, dass er seit seiner Geburt vor dreißig Jahren der Star der höchst erfolgreichen Serie „The Truman Show“ ist, in der er – unwissentlich – der Star ist und die von Christof (Ed Harris) produziert wird. Seine Frau, die immer wieder ausgewählte Produkte in die Kamera hält und anpreist (und mit dem Product Placement die Finanzierung der Show sicherstellt) ist ebenso eingeweiht wie Trumans bester Kumpel Marlon (Noah Emmerich). Während Truman vergeblich versucht, die Stadtgrenzen zu überqueren, wird er immer öfter Zeuge von mysteriösen Zufällen wie Regengüsse, die nur ihn treffen, oder Fahrstühle, hinter denen sich Menschen verbergen. Christof versucht natürlich, mit allen Mitteln Trumans Nachforschungen zu unterbinden, damit die Show wie gewohnt weiterlaufen kann…

Mit seinem Drehbuch für „Die Truman Show“ geht Andrew Niccol („Gattaca“, „S1m0ne“) dem vor allem philosophisch interessanten Gedankengang nach, inwiefern wir wirklich sind, wer wir zu sein glauben, und wie real ist die Welt, in der wir leben. Was ist Konstrukt, was Wirklichkeit? „Die Truman Show“ ist allerdings alles andere als schwer verdauliche Gehirnkost. Zwar wird früh offenbart, dass Trumans Leben sich in aller Öffentlichkeit abspielt, wenn es 24 Stunden lang, siebe Tage die Woche von 5000 Kameras eingefangen und live in die Wohnstuben der Fernsehzuschauer übertragen wird, doch die Story ist ganz auf Truman abgestimmt und seine Wahrnehmung seiner Umgebung, seine Erinnerungen an den tragischen Tod seines Vaters, aber auch an die geheimnisvolle Schöne, die er auf den Fidschi-Inseln aufspüren will. Peter Weir verwebt Trumans Eindrücke aber immer wieder mit Szenen aus dem Kontrollraum des Studios, wo Christof und sein Team jederzeit gegensteuern können, wenn eine Sache aus dem Ruder zu laufen droht, Truman also mitbekommt, dass sein Leben nur das Konstrukt eines Fernsehproduzenten ist. Allzu tief steigt der Film aber nicht in die philosophische Betrachtung ein, sondern lässt Jim Carrey immer wieder die Möglichkeit, sein komisches Talent auszuspielen, ohne sich zum Affen zu machen. Interessant ist, wie echt seine Umgebung wirkt, so dass man als Zuschauer nicht umhinkommt, darüber nachzudenken, wie es wäre, wenn man selbst in einer konstruierten Welt aufwächst, und wie stark die eigene Identität überhaupt ausgeprägt sein kann, wenn die äußere Umgebung so manipulativ um einen herum errichtet worden ist. Peter Weir findet die richtige Balance zwischen Drama und Komödie, zwischen leichtem und nachdenklichem Ton, wobei Jim Carrey durch einen hervorragenden Cast ergänzt wird.

2003 kehrte Weir mit „Master and Commander – Bis ans Ende der Welt“ mit Russell Crowe in der Hauptrolle zum Historiendrama zurück. Die Verfilmung verschiedener Episoden aus Patrick O’Brians erfolgreicher Abenteuerserie, die während der Napoleonischen Kriege spielt, wurde von der Kritik gut aufgenommen, erzielte beim breiten Publikum jedoch nur mäßigen Erfolg. Der Film wurde für den Oscar als Bester Film nominiert und gewann zwei Oscars – für die Kameraarbeit seines langjährigen Mitarbeiters Russell Boyd und für den Tonschnitt.

Weir präsentiert dagegen einen klassischen Abenteuerfilm vor dem historischen Hintergrund von Napoleons Bemühungen, die Welt zu erobern. Nur mit den nötigsten Informationen über die H.M.S. Surprise und ihre Mission in einer Texteinblendung versehen, startet der Film direkt auf dem Schiff und einer möglichen Sichtung eines feindlichen Schiffes im Nebel. Fortan fangen Weir und sein Hauskameramann Russell Boyd das hektische Treiben auf engstem Raum auf und unter Deck ein, wobei sich Aubrey als gewiefter Taktiker erweist, der geschickt Möglichkeiten entwickelt, es mit einem größeren, mannstärkeren und schnelleren Schiff aufzunehmen. Die Jagd nach der Acheron bildet den dramaturgischen Faden der Geschichte, aber Weir bleibt ausnahmslos bei der Crew der Surprise, womit das Publikum vertrauter mit den tragenden Figuren der Handlung wird. Besonders ergreifend ist das Schicksal des jungen Fähnrichs Blakeney (Max Pirkis), dem im Laudanum-Rausch ein Arm amputiert wird, der aber aufgeweckt genug ist, um Maturin bei seinen Forschungen zu assistieren. Einmal mehr befasst sich Weir mit einem Mann, der entscheiden muss, inwieweit er über das Schicksal seiner ihm anvertrauten Männer bestimmen kann - die eigentlich nur nach Hause wollen -, denn sein Ehrgeiz, die Mission zu erfüllen, treibt ihn dazu an, auch Versprechen seinem Freund gegenüber zu brechen. Das aufwändig inszenierte See-Abenteuer fesselt mit dramatischer Action und für das Genre ungewohnt starken Dialogen. Mit Russell Crowe („Gladiator“, „A Beautiful Mind“) und Paul Bettany („Creation“, „Legion“) stehen zudem zwei gut aufeinander abgestimmte Darsteller im Zentrum, die die Story mühelos tragen.

In den 2000er-Jahren entwickelte Weir mehrere weitere Projekte, die jedoch nie realisiert wurden, darunter eine Adaption von „The War Magician“ mit Tom Cruise, eine Adaption von Robert Kursons Roman „Shadow Divers“, frühe Entwicklungsphasen eines geplanten „Shantaram“-Films mit Johnny Depp in der Hauptrolle sowie eine Adaption von William Gibsons Science-Fiction-Roman „Pattern Recognition“.

Peter Weir hat 2010 mit „The Way Back“ die 1952 erschienenen Memoiren des polnischen Gulag-Insassen Slavomir Rawicz verfilmt und beschreibt mit seinem packenden Epos die abenteuerliche, wenn auch historisch nicht unumstrittene Flucht einer ungleichen Schicksalsgemeinschaft über 6.500 Kilometer von Sibirien nach Indien. Ähnlich wie schon mit seinen Filmen „Die Truman Show“, „Ein Jahr in der Hölle“ oder „Der Club der toten Dichter“ lässt Weir seine Protagonisten ihre vertraute Welt verlassen, damit sie unter größten Entbehrungen ihre Freiheit finden und sich dabei von gesellschaftlichen Fesseln befreien. „The Way Back“ fängt zunächst Stalins skrupelloses Bestreben ein, den Kommunismus in die Welt zu tragen, präsentiert die unmenschlichen Zustände im sibirischen Strafgefangenenlager und nimmt sich dann sehr viel Zeit, die zigtausend Meilen andauernde Wanderung der Schicksalsgemeinschaft aus verschiedenen Ländern Richtung Süden in die Freiheit zu schildern. Weirs versierter Stammkameramann Russell Boyd fängt dabei die klaustrophobische, von Gewalt geprägte Atmosphäre im Straflager ebenso gekonnt ein wie die unterschiedlichen Landstriche. Mit wundervollen Landschaftsaufnahmen sengend heißer Wüsten und schneebedeckter Berge wartet „The Way Back“ mit interessanten Kontrasten auf, die sich in den unterschiedlichen Persönlichkeiten in der Truppe widerspiegeln. Weir verzichtet dabei auf übertriebenes Pathos, melodramatische Musik und große Gesten. Er bleibt dicht bei seinen Figuren, stellt ihre Ängste, aber vor allem ihren Überlebenswillen in den Mittelpunkt seines angenehm konventionell inszenierten Dramas, in dem gestandene Mimen wie Ed Harris, Mark Strong und Colin Farrell ebenso überzeugen wie die junge Saoirse Ronan und die Schar unbekannter osteuropäischer Darsteller.

2012 wurde berichtet, dass Weir im folgenden Jahr sein eigenes Drehbuch zu Jennifer Egans Gothic-Thriller „The Keep“ verfilmen und in Europa drehen würde. Weir beschrieb das Projekt als „im Grunde … einen Studiofilm“. Im Laufe der Jahre wurde er jedoch, ohne dass dies offiziell bekannt gegeben wurde, zunehmend als „im Ruhestand“ bezeichnet.

Nachdem ihm 2022 der Ehrenoscar für sein Lebenswerk zuerkannt wurde, bestätigte er in einem seiner seltenen Interviews seinen Ruhestand.

„Für Filmregisseure gibt es, wie für Vulkane, drei Hauptstadien: aktiv, ruhend und erloschen. Ich glaube, ich habe das letztere erreicht! Eine neue Generation ruft schon ‚Action‘ und ‚Cut‘ – viel Glück!“ Er berichtete, dass er seinen Ruhestand mit Besuchen antiker Ruinen und Schlachtfelder sowie mit Tauchgängen zu den Schiffswracks aus dem Zweiten Weltkrieg in der Truk-Lagune verbracht habe.

Im Jahr 2024 erhielt er auch auf den Filmfestspielen von Venedig einen Ehrenpreis für sein Lebenswerk.

Filmografie:

1971: Three to Go

1971: Homesdale

1973: Whatever Happened to Green Valley? (Dokumentarfilm)

1974: Die Autos, die Paris auffraßen (The Cars That Ate Paris)

1975: Picknick am Valentinstag (Picnic at Hanging Rock)

1977: Die letzte Flut (The Last Wave)

1979: Wenn der Klempner kommt (The Plumber)

1981: Gallipoli

1982: Ein Jahr in der Hölle (The Year of Living Dangerously)

1985: Der einzige Zeuge (Witness)

1986: Mosquito Coast

1989: Der Club der toten Dichter (Dead Poets Society)

1990: Green Card – Schein-Ehe mit Hindernissen (Green Card)

1993: Fearless – Jenseits der Angst (Fearless)

1998: Die Truman Show (The Truman Show)

2003: Master and Commander – Bis ans Ende der Welt (Master and Commander: The Far Side of the World)

2010: The Way Back – Der lange Weg (The Way Back)

 

Playlist: 

01. Gheorge Zamfir - Doina Sus Pe Culmea Dealului (Picnic at Hanging Rock) - 04:08 

02. Jean Michel Jarre - Oxygene - Part II (Gallipoli) - 08:08 

03. Vangelis - L'Enfant (The Year Living Dangerously) - 05:02 

04. Maurice Jarre - Keating's Triumph (Dead Poets Society) - 05:59 

05. Bruce Smeaton - Ascent Theme (Picnic at Hanging Rock) - 04:22 

06. Edvard Grieg - Peer Gynt Suite No. 1, Op. 46: II. The Death of Ase (The Plumber) - 04:32 

07. Maurice Jarre - Kwan (The Year Living Dangerously) - 07:06 

08. Maurice Jarre - Futility Of An Inside Job / Delerious John (Witness) - 03:08 

09. Jean Michel Jarre - Oxygene - Part IV (Gallipoli) - 04:14 

10. Maurice Jarre - Allie's Theme (Mosquito Coast) - 08:11 

11. Kronos Quartet & Dumisani Maraire - Mai Nozipo (Fearless) - 06:58 

12. Gheorge Zamfir - Doina Lui Petru Unc (Picnic at Hanging Rock) - 04:03 

13. Brian Bennett - Darkside (The Plumber) - 02:54 

14. Tomaso Albinoni - Adagio Per Archi E Organo In Sol Minore (Gallipoli) - 05:50 

15. Wolfgang Amadeus Mozart - Clarinet Concerto In A Major: Adagio (Green Card) - 08:37 

16. Philip Glass - Anthen - Part 2 (The Truman Show) - 03:49 

17. Burkhard Dallwitz - Underground / Storm (The Truman Show) - 03:37 

18. Iva Davies, Christopher Gordon & Richard Tognetti - The Far Side of the World (Master and Commander: The Far Side of the World) - 09:19 

19. Hans Zimmer - Instinct (Green Card) - 03:33 

20. Burkhard Dallwitz - Tibet (The Way Back) - 05:26 

21. Ludwig van Beethoven - Piano Concerto No. 5 (Op. 73) - Adagio Un Poco Mosso (Picnic at Hanging Rock) - 08:53

Playlist #421 vom 20.04.2025 - R.I.P. Val Kilmer (1959-2025)

Als Iceman in „Top Gun“, als Verkleidungskünstler ohne Namen in „The Saint“, als Batman in „Batman Forever“ oder als Frontmann Jim Morrison in Oliver Stones Biopic „The Doors“ hat Hollywood-Star Val Kilmer ebenso seine Spuren hinterlassen wie in Michael Manns Gangster-Epos „Heat“ oder Ron Howards Fantasy-Klassiker „Willow“. Am 1. April 2025 verstarb der zuvor bereits an Kehlkopfkrebs erkrankte Hollywood-Star im Alter von 65 Jahren an den Folgen einer Lungenentzündung.

Val Edward Kilmer wurde am 31. Dezember 1959 in Los Angeles als Sohn eines Händlers für Raumfahrtausrüstung sowie Immobilienentwicklers und einer schwedisch-stämmigen Mutter geboren und besuchte zunächst die von der neuen religiösen Bewegung „Christian Science“ geführte Berkeley Hall School bis zur neunten Schulstufe, wechselte dann zunächst an die Chatsworth High School, an der er zusammen mit Kevin Spacey und Mare Winningham erste Schauspielerfahrungen sammelte, und später an die Hollywood Professional School, eine private Schauspielschule für Kinder und Jugendliche. 1977 begann Kilmer schließlich im Alter von 17 Jahren sein Studium an der Fakultät für Schauspiel („Drama Division“) der Juilliard School in New York City, das er 1981 abschloss.

Nachdem er den Orestes in „Electra und Orestes“ gespielt hatte sowie die Titelrollen in „Richard III.“ und „Macbeth“, fungierte er als Koautor des Theaterstücks „How It All Began“ nach der gleichnamigen Autobiografie des West-Berliner Linksterroristen Michael Baumann.

Sein Broadway-Debüt gab er 1983 in „Slab Boys“, wo er gemeinsam mit Sean Penn und Kevin Bacon auf der Bühne stand, wo man ihn darüber hinaus in „Heinrich IV., Erster Teil“ von William Shakespeare wie auch als Hauptdarsteller in „Wie es euch gefällt“ am Tyrone Guthrie Theatre in Minneapolis sah. Nach weiteren Theaterstücken gab Kilmer sein Spielfilm-Debüt im Jahr 1984 in der Komödie „Top Secret!“ von Jim Abrahams und Jerry Zucker, in der er eine Parodie auf Rock-’n’-Roll-Sänger und im Besonderen Elvis Presley ablegte. Es folgte die Rolle eines Studenten in der Komödie „Was für ein Genie“. Der Durchbruch gelang ihm dann 1986 als Kampfpilot Iceman, der Antagonist von Tom Cruise, in Tony Scotts Blockbuster-Erfolg „Top Gun“. Anschließend sah man ihn in Ron Howards Fantasy-Epos „Willow“ (1988), in John Dahls Erotik-Thriller „Kill Me Again“ (1989) und in Michael Apteds True-Crime-Mystery-Western „Halbblut“ (1992).

In Oliver Stones Biopic „The Doors“ (1991) verkörperte Kilmer die Rock-Legende Jim Morrison und sang alle Konzert-Sequenzen selbst. Nach Tony Scotts Gangster-Romantik-Thriller „True Romance“ (1993), Russell Mulcahys Thriller-Drama „Karen McCoy – Die Katze“ (1993) und dem Western „Tombstone“ (1993), agierte Kilmer auch als Hauptdarsteller in Joel Schumachers „Batman Forever“ (1995) in der Rolle des gleichnamigen Comichelden.

Nach den Dreharbeiten zu Michael Manns „Heat“ an der Seite von Robert De Niro und Al Pacino nahm Kilmer John Frankenheimers „DNA – Die Insel des Dr. Moreau“ (1996) und Stephen Hopkins‘ Abenteuer-Drama „Der Geist und die Dunkelheit“ (1996) in Angriff, in denen er beide Male die Hauptrollen spielte.

Nach den Flops mit der Leinwandadaption der Fernsehserie „The Saint“ (1997), dem romantischen Drama „Auf den ersten Blick“ (1999) und dem Science-Fiction-Drama „Red Planet“ (2000) wurde es wesentlich ruhiger um Val Kilmer. Er war entweder in Low-Budget-Produktionen wie „Hard Cash – Die Killer vom FBI“ (2002) oder „Blind Horizon“ (2003) zu sehen oder in Nebenrollen größerer Filme. So engagierte ihn unter anderem Ron Howard für eine Nebenrolle in seinem Westerndrama „The Missing“ (2003), und auch Oliver Stone arbeitete 2004 mit erneut mit Kilmer in seinem Historienfilm „Alexander“ zusammen, besetzte ihn in einer Nebenrolle als Filmvater von Hauptdarsteller Colin Farrell. 2004 spielte er Moses im Musical The Ten Commandments in Los Angeles. 2006 arbeitete Kilmer zudem ein weiteres Mal mit Tony Scott, mit dem er zu Beginn seiner Laufbahn schon Top Gun gedreht hatte, zusammen und übernahm eine größere Rolle in dessen Thriller „Déjà Vu – Wettlauf gegen die Zeit“ (2006), wo er an der Seite von Hauptdarsteller Denzel Washington agierte.

Val Kilmer stand zunehmend für diverse Fernsehproduktionen vor der Kamera, darunter „The Man Who Broke 1000 Chains“ und „Gore Vidal’s Billy The Kid“. In den 2000er-Jahren war er zudem immer häufiger in Direct-to-DVD-Filmen wie „Spartan“ (2004), „Mindhunters“ (2004), „Played – Abgezockt“ (2006) und „Summer Love“ (2006) sowie Fernsehserien wie „Numb3rs – Die Logik des Verbrechens“, „Entourage“ und „Comanche Moon“ zu sehen. 2008 übernahm er die Synchronisation für K.I.T.T. in der Neuauflage der Fernsehserie „Knight Rider“.

Val Kilmer und seine Filmkarriere sind Gegenstand der 2021 veröffentlichten Dokumentation „Val“, die von Leo Scott und Tong Poo verantwortet wurde. Als Grundlage dienten Kilmers eigene Filmaufnahmen, die er während verschiedener Dreharbeiten anfertigte. Auch sein Gesundheitszustand wurde thematisiert.

In „Top Gun: Maverick“ (2022), dem Sequel von „Top Gun“, hat Kilmer einen kurzen Auftritt als Admiral Tom „Iceman“ Kazanski, der wie Kilmer an Kehlkopfkrebs leidet. Dies war sein letzter Aufritt in einem Film.

Filmographie:

1984: Top Secret! 

1985: Junge Schicksale (ABC Afterschool Specials, Fernsehserie, Folge 13x07) 

1985: Was für ein Genie (Real Genius) 

1986: Mord in der Rue Morgue (The Murders in the Rue Morgue, Fernsehfilm) 

1986: Top Gun – Sie fürchten weder Tod noch Teufel (Top Gun) 

1987: Escape – Die Flucht (The Man Who Broke 1,000 Chains, Fernsehfilm) 

1988: Willow 

1989: Billy the Kid: Gejagt bis in den Tod (Billy the Kid, Fernsehfilm) 

1989: Kill me again (Kill Me Again) 

1991: The Doors 

1992: Halbblut (Thunderheart) 

1993: True Romance 

1993: Karen McCoy – Die Katze (The Real McCoy) 

1993: Tombstone 

1995: Wings of Courage (Kurzfilm) 

1995: Batman Forever 

1995: Heat 

1996: DNA – Die Insel des Dr. Moreau (The Island of Dr. Moreau) 

1996: Der Geist und die Dunkelheit (The Ghost and the Darkness) 

1997: The Road of Excess (Dokumentarfilm, Kurzfilm) 

1997: The Saint – Der Mann ohne Namen (The Saint)

1997: Dead Girl 

1998: Der Prinz von Ägypten (The Prince of Egypt, Zeichentrickfilm, Stimme im Original) 

1999: Joe the King 

1999: Auf den ersten Blick (At First Sight) 

2000: Pollock 

2000: Red Planet 

2002: The Salton Sea 

2002: Hard Cash – Die Killer vom FBI 

2003: The Missing 

2003: Blind Horizon – Der Feind in mir (Blind Horizon) 

2003: Wonderland 

2003: Masked and Anonymous 

2004: Spartan 

2004: Mindhunters 

2004: Entourage (Fernsehserie, Folge 1x05) 

2004: Trudell 

2004: Stateside 

2004: Alexander 

2005: Champion 

2005: Kiss Kiss, Bang Bang 

2006: Streets of Philadelphia – Unter Verrätern (10th & Wolf) 

2006: Played – Abgezockt (Played) 

2006: Summer Love 

2006: The Ten Commandments: The Musical 

2006: Déjà Vu – Wettlauf gegen die Zeit (Déjà Vu) 

2006: Moscow Zero – Eingang zur Hölle (Moscow Zero) 

2007: Numbers – Die Logik des Verbrechens (NUMB3RS, Fernsehserie, Folge 4x01) 

2007: Comanche Moon 

2007: Have Dreams, Will Travel 

2008: Columbus Day – Ein Spiel auf Leben und Tod (Columbus Day) 

2008: Conspiracy – Die Verschwörung (Conspiracy) 

2008: Felon 

2008: XIII – Die Verschwörung (XIII) 

2008: 2:22 

2008–2009: Knight Rider (Fernsehserie, K.I.T.T. im Original) 

2009: Bad Lieutenant – Cop ohne Gewissen (Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans) 

2009: Frozen – Etwas hat überlebt (The Thaw) 

2009: Streets of Blood 

2009: Double Identity (Fake Identity) 

2009: Das Chaos Experiment (The Steam Experiment) 

2009: Hardwired 

2009: Double Identity – Zur falschen Zeit am falschen Ort (Double Identity) 

2010: Bloodworth – Was ist Blut wert? (Bloodworth) 

2010: MacGruber 

2010: The Traveller – Nobody Will Survive (The Traveler) 

2010: Gun 

2011: Blood Out 

2011: Bulletproof Gangster (Kill the Irishman) 

2011: 5 Days of War 

2011: Twixt 

2012: The First Ride of Wyatt Earp (Wyatt Earp’s Revenge) 

2012: Deep in the Heart 

2012: Breathless – Immer Ärger mit Dale (Breathless) 

2012: 7 Below – Haus der dunklen Seelen (Seven Below) 

2013: Riddle – Jede Stadt hat ihr tödliches Geheimnis (Riddle) 

2013: Palo Alto 

2014: Psych (Fernsehserie, Folge 8x10) 

2014: Tom Sawyer und Huckleberry Finn (Tom Sawyer & Huckleberry Finn) 

2017: Song to Song 

2017: Schneemann (The Snowman) 

2017: The Super 

2019: Jay and Silent Bob Reboot 

2020: Paydirt 

2021: The Birthday Cake 

2021: Val (Dokumentarfilm) 

2022: Top Gun: Maverick

Playlist:

01. Hans Zimmer & Lorne Balfe - Time To Let Go (Top Gun: Maverick) - 04:44 

02. Harold Faltermeyer - Top Gun Theme (Top Gun) - 04:44 

03. Maurice Jarre - Happy Ending (Top Secret!) - 02:57 

04. James Horner - This Land Is Not For Sale / End Titles (Thunderheart) - 08:24 

05. James Horner - Elora Danan (Willow) - 09:50 

06. Hans Zimmer - You're So Cool / Main Title (True Romance) - 02:28 

07. Brad Fiedel - Off To Brazil (The Real McCoy) - 02:37 

08. Bruce Broughton - A Family (Tombstone) - 02:05 

09. Elliot Goldenthal - Finale (Heat) - 03:11 

10. Elliot Goldenthal - Memory Repressed / Love (Batman Forever) - 02:36 

11. Hans Zimmer - Setis Reprimand (The Prince of Egypt) - 04:43 

12. Jerry Goldsmith - First Time (The Ghost and the Darkness) - 04:02 

13. Gary Chang - The Serum (The Island of Dr. Moreau) - 02:38 

14. Graeme Revell - Alone (Red Planet) - 02:13 

15. Graeme Revell - Main Title (The Saint) - 06:27 

16. Mark Isham - You Don't See Me (At First Sight) - 03:38 

17. Mark Isham - Looking For Clues / Daryl Story (Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans) - 04:16 

18. Jeff Beal - Unfinished (Pollock) - 04:08 

19. Thomas Newman - One Red Hair (The Salton Sea) - 05:12 

20. James Horner - Lilly's Fate In These Hands (The Missing) - 06:43 

21. Tuomas Kantelinen - Mindhunters Theme II (Mindhunters) - 03:00 

22. Vangelis - Gardens Of Delight (Alexander) - 05:23 

23. John Ottman - Surveillance Lesson (Kiss Kiss Bang Bang) - 03:22 

24. Brian Tyler - Affirmations (Standing Up) - 03:45 

25. Marco Beltrami - Main Titles (The Snowman) - 03:29 

26. The Doors - The End (The Doors) - 11:43

Playlist #408 vom 20.10.2024 - JOHN GIELGUD (1904-2000) Special

Sir Arthur John Gielgud zählte nicht nur zu den ganz großen Mimen der britischen Theaterszene, dier im 20. Jahrhundert zusammen mit seinen Kollegen Ralph Richardson und Laurence Olivier dominierte, sondern trat zwischen „Becket“ (1964), der ihm die erste Oscar-Nominierung einbrachte, und „Elizabeth“ (1998) in über sechzig Filmen auf, gewann für seine Darstellung des spitzzüngigen Hobson in „Arthur“ (1981) den Oscar als bester Nebendarsteller und heimste im Verlauf seiner Karriere auch einen Golden Globe Award und zwei BAFTAs ein. Damit kam Gielgud die seltene Ehre zuteil, einen Oscar, einen Emmy, einen Grammy und einen Tony zu gewinnen. 

John Gielgud wurde am 14. April 1904 in South Kensington, London, als drittes von vier Kindern von Frank Henry Gielgud und dessen zweiter Frau Kate Terry-Gielgud geboren. Als Mitglied der Terry family, einer bedeutenden Theaterdynastie, war sein Weg in die Schauspielerei bereits vorgezeichnet. Seine Großmutter Kate Terry und mehr noch seine Großtante Ellen Terry waren prominente Bühnenschauspielerinnen des 19. Jahrhunderts. Erste Erfahrungen sammelte er ab 1922 bei der Schauspieltruppe von Phyllis Neilson-Terry, seiner Cousine. 

Nach seinem Abschluss an der Royal Academy of Dramatic Art in London arbeitete er in den folgenden Jahrzehnten am West End, am Old Vic Theatre und gelegentlich auch am Broadway in New York. Parallel dazu begann er eine Karriere als Regisseur und gründete seine eigene Truppe am Queen‘s Theatre in London. Er wurde von vielen als der beste Hamlet seiner Zeit angesehen und war auch für seine komödiantischen Rollen bekannt, beispielsweise die des John Worthing in „The Importance of Being Earnest“. 

In den 1950er Jahren befürchtete Gielgud, seine Karriere sei in Gefahr, als er wegen eines homosexuellen Vergehens und zu einer Geldstrafe verurteilt wurde, aber seine Kollegen und das Publikum unterstützten ihn loyal. Als in den späten 1950er Jahren avantgardistische Stücke die traditionellen West-End-Produktionen zu verdrängen begannen, fand er keine neuen geeigneten Bühnenrollen und war im Theater mehrere Jahre lang vor allem für sein Shakespeare-Ein-Mann-Stück „The Ages of Man“ bekannt. 

Ab den späten 1960er Jahren fand er neue Stücke, die zu ihm passten, von Autoren wie Alan Bennett, David Storey und Harold Pinter. Gielgud gab sein Filmdebüt bereits 1924, stand in den nächsten Jahrzehnten trotz vieler Angebote aber nur sehr ausgewählt vor der Kamera. Einer seiner wenigen Filme war die Hauptrolle in Alfred Hitchcocks „Geheimagent“ von 1935. 

1953 war er der Cassius in Joseph L. Mankiewicz’ Verfilmung von Shakespeares „Julius Caesar.“ Nachdem er sich lange eher abfällig über die Filmschauspielerei geäußert hatte, stand er ab den 1950er-Jahren vermehrt vor der Kamera. Eine Oscar-Nominierung erhielt Gielgud 1964 für die Rolle König Ludwigs VII. in der Verfilmung des Theaterstücks „Becket“ von Jean Anouilh. 

Mitte der 1960er Jahre war Gielgud zudem in Tony Richardsons „Tod in Hollywood“ (1965) und Orson Welles‘ „Falstaff – Glocken um Mitternacht“ (1966) zu sehen. In der ersten Hälfte der 1970er Jahre drehte Gielgud sieben Filme und sechs Fernsehdramen. Er verkörperte einen alten Kardinal in Joseph Loseys „Galileo“ und den Diener Beddoes in Sidney Lumets „Mord im Orient-Express“ (1974). In einer BBC-Präsentation von James Elroy Fleckers „Hassan“ im Jahr 1971 spielte Gielgud den Kalifen neben Ralph Richardsons Hassan. Im Theater inszenierte Gielgud Cowards „Private Lives“ und Somerset Maughams „The Constant Wife“. 

Seine letzte Produktion als Regisseur verwirklichte Gielgud 1975 mit Pineros „The Gay Lord Quex“. Gielgud setzte seine langjährige Bühnenzusammenarbeit mit Richardson in Harold Pinters „No Man's Land“ (1975) fort, bei dem Hall am National Regie führte. Die Produktion war ein Erfolg bei Kritikern und an den Kinokassen und wurde über einen Zeitraum von drei Jahren am Old Vic, im West End, im Lyttelton Theatre im neuen National Theatre-Komplex, am Broadway und im Fernsehen gespielt. 

In der zweiten Hälfte des Jahrzehnts arbeitete Gielgud mehr für Kino und Fernsehen als auf der Bühne. Zu seinen Filmarbeiten gehörten Gore Vidals „Caligula“ (1979) und Alain Resnais’ „Providence“ (1977). Gielgud hielt es für „den mit Abstand aufregendsten Film, den ich je gemacht habe“, und gewann einen Preis des New York Film Critics Circle für seine Darstellung eines sterbenden Autors, „der die Hälfte der Zeit betrunken ist … Flaschen herumwirft und eine Menge sehr grober Dialoge brüllt“. Zu seinen weiteren Filmrollen gehörten die des Head Masters von Eton in Jack Golds „Aces High“ (1976) und die des Tomlinson in Otto Premingers „Der menschliche Faktor“ (1979). 

Im Fernsehen spielte er unter anderem Lord Henry Wotton in „Das Bildnis des Dorian Gray“ (1976), John of Gaunt in „Richard II.“ (1978) und den Chor in „Romeo und Julia“ (1978). 

In den 1980er Jahren trat Gielgud in mehr als zwanzig Filmen auf, darunter als Vorsitzender des Royal London Hospital in David Lynchs „Der Elefantenmensch“ (1980), als Rektor des Trinity College in Cambridge in „Die Stunde des Siegers“ (1981), als Lord Irwin in Richard Attenboroughs „Gandhi“ (1982), „Die letzte Jagd“ (1984) und Fred Schepisis „Eine demanzipierte Frau“ (1985). 

Tony Palmers „Wagner“ (1983) war der einzige Film, in dem Gielgud, Richardson und Olivier gemeinsam in Szenen mitspielten. Gielgud hatte Cameo-Auftritte in Filmen von geringer Bedeutung, in denen er sich einen Namen machte, ohne seinem eigenen Ruf zu schaden. In einem Interview sagte er: „Sie bezahlen mich sehr gut für zwei oder drei Arbeitstage im Monat, also warum nicht? Es ist schön, in meinem Alter auf Kosten anderer Leute um die ganze Welt reisen zu können.“ 

Gielguds erfolgreichste Filmrolle des Jahrzehnts war Steve Gordons Komödie „Arthur“ (1981), in der Dudley Moore einen selbstgefälligen Playboy spielte. Gielgud spielte Hobson, Moores Butler. Er lehnte die Rolle zweimal ab, bevor er sie schließlich annahm, da er nach dem „Caligula“-Debakel wegen der starken Sprache des bissigen Hobson nervös war. Für seine Darstellung gewann er einen Oscar als bester Nebendarsteller und weitere Auszeichnungen. Er legte wenig Wert auf Auszeichnungen und vermied Preisverleihungen, wann immer er konnte: „Ich verabscheue wirklich den ganzen Quatsch über gegenseitige Gratulationen und die gehässigen Vergleiche, die sie hervorrufen.“ 

Für das Fernsehen spielte Gielgud in den 1980er Jahren neunzehn Rollen; darunter Edward Ryder in einer elfteiligen Adaption von Waughs „Wiedersehen mit Brideshead“ (1982). Gegen Ende des Jahrzehnts wurde Gielgud für seine Rolle als Aaron Jastrow, ein im Holocaust ermordeter jüdischer Professor, in der Miniserie „War and Remembrance“ für einen Primetime Emmy Award nominiert. Am Ende des Jahrzehnts spielte er den verwegenen Journalisten Haverford Downs in John Mortimers „Summer‘s Lease“, für den er nach der US-Ausstrahlung 1991 einen Emmy Award gewann. 

Gielguds letztes West-End-Stück war Hugh Whitemores „The Best of Friends“ (1988). 

1990 hatte Gielgud seinen letzten Filmauftritt in einer Hauptrolle: er spielte Prospero in „Prosperos Bücher“, Peter Greenaways Adaption von „Der Sturm“. Er arbeitete weiterhin für das Radio, wie er es während seiner gesamten Karriere getan hatte. Anlässlich seines neunzigsten Geburtstags spielte er zum letzten Mal Lear; für die BBC versammelte Kenneth Branagh eine Besetzung, zu der Judi Dench, Eileen Atkins und Emma Thompson als Lears Töchter gehörten, mit Schauspielern wie Bob Hoskins, Derek Jacobi und Simon Russell Beale in Nebenrollen. Er trat bis 1998 weiterhin im Fernsehen auf; seine letzte große Rolle in diesem Medium spielte er 1994 in einer BBC-Produktion von J. B. Priestleys selten wiederaufgeführtem „Sommertagestraum“. Anschließend hatte er weitere Cameo-Auftritte in Filmen wie Branaghs „Hamlet“ (als König Priamos, 1996), „Dragonheart“ (als Stimme von König Artus, 1996) und „Shine“. Seinen letzten Spielfilmauftritt hatte er als Papst Pius V. in Shekhar Kapurs „Elizabeth“ (1998). Im Jahr 2000 hatte er eine stumme Rolle neben Pinter in einem Film von Becketts Kurzstück „Catastrophe“ unter der Regie von David Mamet. Als Gielguds Partner, Martin Hensler, 1999 starb, erlitt Gielgud einen körperlichen und psychischen Verfall und starb am 21. Mai 2000 im Alter von 96 Jahren zu Hause. 

Filmographie: 

1924: Who is the Man? 

1929: The Clue of the New Pin 

1932: Insult 

1933: The Good Companions 

1936: Geheimagent (Secret Agent) 

1941: Der Premierminister (The Prime Minister) 

1941: An Airman’s Letter to His Mother (Kurzfilm) 

1948: Hamlet 

1953: Julius Caesar 

1954: Romeo und Julia 

1955: Richard III. 

1956: In 80 Tagen um die Welt (Around the World in Eighty Days) 

1956: Nude with Violin (Fernsehfilm) 

1957: The Barretts of Wimpole Street 

1957: Die heilige Johanna (Saint Joan) 

1962: The Cherry Orchard (Fernsehfilm) 

1964: Becket 

1964: Hamlet (auch Regie) 

1965: Tod in Hollywood (The Loved One) 

1965: Falstaff – Glocken um Mitternacht (Campanadas a medianoche) 

1966: Alice in Wonderland (Fernsehfilm) 

1968: Angriff der leichten Brigade (The Charge of the Light Brigade) 

1968: In den Schuhen des Fischers (The Shoes of the Fisherman) 

1968: Der mysteriöse Mr. Sebastian (Sebastian) 

1968: Sein gefährlichster Auftrag (Assignment to Kill) 

1969: Oh! What a Lovely War 

1970: Julius Caesar 

1970: Hassan (Fernsehfilm) 

1972: Ein gewisser General Bonaparte (Eagle in a Cage) 

1972: Probe (Fernsehfilm) 

1973: Frankenstein, wie er wirklich war (Frankenstein: The True Story, Fernsehfilm) 

1973: Der verlorene Horizont (Lost Horizon) 

1974: Gold 

1974: QB VII (Miniserie) 

1974: Brillanten und Kakerlaken (11 Harrowhouse) 

1974: Mord im Orient-Express (Murder on the Orient Express) 

1975: Galileo 

1975: Edward VII (Miniserie) 

1976: Peter Pan (Fernsehfilm) 

1976: Schlacht in den Wolken (Aces High) 

1976: Das Bildnis des Dorian Gray (The Picture of Dorian Gray) 

1977: Providence 

1977: Die Abenteuer des Joseph Andrews (Joseph Andrews) 

1977: Ein Porträt des Künstlers als junger Mann (A Portrait of the Artist as a Young Man) 

1977: The Grand Inquisitor (Fernsehfilm) 

1978: King Richard the Second 

1978: No Man’s Land (Fernsehfilm) 

1978: Die Elenden (Les Miserables, Fernsehfilm) 

1979: Der menschliche Faktor (The Human Factor) 

1979: Mord an der Themse (Murder by Decree) 

1979: Caligula (Caligola) 

1980: Der Dirigent (Dyrygent) 

1980: Der Elefantenmensch (The Elephant Man) 

1980: Warum haben Sie nicht Evans gefragt? (Why Didn't They Ask Evans?, Fernsehfilm) 

1980: Die Formel (The Formula) 

1980: Omar Mukhtar – Löwe der Wüste (The Lion of the Desert) 

1981: Die Stunde des Siegers (Chariots of Fire) 

1981: Arthur – Kein Kind von Traurigkeit (Arthur) 

1981: Der Fluch der Sphinx (Sphinx) 

1981: Priest of Love 

1981: Wiedersehen mit Brideshead (Brideshead Revisited) (Fernseh-Miniserie) 

1981: Das Geheimnis der sieben Ziffernblätter (Seven Dials Mystery, Fernsehfilm) 

1982: Der Glöckner von Notre Dame (The Hunchback of Notre Dame, Fernsehfilm) 

1982: Gandhi 

1982: Inside the Third Reich (Fernsehfilm) 

1982: Marco Polo (Fernseh-Miniserie) 

1983: Im Wendekreis des Kreuzes (The Scarlet and the Black) 

1983: Wagner – Das Leben und Werk Richard Wagners (Wagner) 

1983: Die verruchte Lady (The Wicked Lady) 

1983: Einladung zur Hochzeit (Invitation to the Wedding) 

1984: Palast der Winde (The Far Pavilions, Miniserie) 

1984: Seelenlos – Ein Mann spielt Gott (Frankenstein) (Fernsehfilm) 

1984: Scandalous 

1984: Camille (Fernsehfilm) 

1984: The Master of Ballantrae (Fernsehfilm) 

1985: Eine demanzipierte Frau (Plenty) 

1985: Time After Time 

1985: Eine Ehe in Briefen (Leave All Fair) 

1985: Die letzte Jagd (The Shooting Party) 

1985: Romance on the Orient Express (Fernsehfilm) 

1986: Das Gespenst von Canterville (The Ghost of Canterville) 

1986: Kreuzfeuer der Agenten (The Whistle Blower) 

1987: Wale im August (The Whales of August) 

1987: Blaubart und seine Kinder (Barbablu, barbablu) 

1988: Feuersturm und Asche (War and Remembrance) (Fernseh-Miniserie) 

1988: Rendezvous mit einer Leiche (Appointment with Death) Pino Donaggio 

1988: Arthur 2 – On the Rocks 

1988: A Man for All Seasons (Fernsehfilm) 

1989: Das verflixte erste Mal (Getting It Right) 

1989: Summer’s Lease (Miniserie) 

1990: Liebesroulette (Strike It Rich) 

1991: The Best of Friends (Fernsehfilm) 

1991: Prosperos Bücher (Prospero’s Books) 

1991: Die Strauß-Dynastie (The Strauss Dynasty) 

1992: Wie ein Licht in dunkler Nacht (Shining Through) 

1992: Swan Song (Kurzfilm) 

1992: Im Glanz der Sonne (The Power of One) 

1993: Inspektor Morse, Mordkommission Oxford (Inspector Morse) (Fernsehserie, 1 Folge) 

1995: Der 1. Ritter (First Knight) 

1995: Stick with Me, Kid (Fernsehserie, 14 Folgen) 

1995: Haunted – Haus der Geister (Haunted) 

1996: Hamlet 

1996: Shine – Der Weg ins Licht (Shine) 

1996: Dragonheart (Sprechrolle) 

1996: Portrait of a Lady 

1996: Gullivers Reisen (Gulliver’s Travels) (Fernsehfilm) 

1998: Das magische Schwert – Die Legende von Camelot (Quest for Camelot) 

1998: Merlin (Miniserie) 

1998: The Tichborne Claimant 

1998: Elizabeth 

2000: Catastrophe (Kurzfilm)

Playlist: 

01. Miklós Rózsa - Valse Crepusculaire (Providence) - 03:49 

02. Miklós Rózsa - Overture (Julius Caesar) - 03:04 

03. Michael J. Lewis - Main Title (11 Harrowhouse) - 03:50 

04. Laurence Rosenthal - The Journey Home (Strauss Dynasty) - 02:43 

05. Angelo F. Lavagnino - Corale Mystico (Falstaff) - 03:16 

06. Jerry Goldsmith - Carol's Apartment (Sebastian) - 03:01 

07. Alex North - Overture (The Shoes of the Fisherman) - 04:03 

08. Elmer Bernstein - The Lovers (Gold) - 04:20 

09. Bruno Nicolai - Isis' Pool (Caligula) - 04:12 

10. John Morris - The Elephant Man Theme (The Elephant Man) - 03:48 

11. Bill Conti - Please Stay (The Formula) - 03:27 

12. Michael J. Lewis - Pyramids & Sphinx at Giza (Sphinx) - 04:39 

13. Jerry Goldsmith - I Cannot See My Love (QB VII) - 03:51 

14. Vangelis - End Credits (Chariots of Fire) - 03:31 

15. Ennio Morricone - Monica (Marco Polo) - 06:07 

16. Burt Bacharach - Touch (Arthur) - 03:19 

17. Bruce Smeaton - Plenty (Plenty) - 03:59 

18. Michael Kamen - The Boathouse (Shining Through) - 05:08 

19. George Fenton & Ravi Shankar - Salt (Gandhi) - 03:56 

20. Hans Zimmer - Mother Africa [Reprise] (The Power of One) - 08:09 

21. Trevor Jones - The Flight From Lilliput (Gulliver's Travels) - 03:42 

22. Trevor Jones - In Search of teh Grail (Merlin) - 04:04 

23. Jerry Goldsmith - Never Surrender (First Knight) - 05:43 

24. Wojciech Kilar - Phantasms of Love (The Portrait of a Lady) - 03:54 

25. David Hirschfelder - With the Help of God, Shine (Shine) - 03:21 

26. Michael Nyman - Miranda (Prospero's Books) - 03:54 

27. Richard Rodney Bennett - The Orient Express (Murder on the Orient Express) - 11:20

Playlist #398 vom 02.06.2024 - BERNARD HILL (1944-2024)

Auch wenn der britische Schauspieler Bernard Hill nicht zur Top-Liga seines Berufstands zählte, spielte er doch in einigen der berühmtesten Produktionen der Filmgeschichte und wartet zudem mit einem einzigartigen Rekord auf: Er ist nämlich der einzige Schauspieler, der in zwei Filmen mitwirkte, die jeweils elf Oscars gewonnen hat. Die Rede ist von James Camerons „Titanic“ (1997) – hier verkörperte er Titanic-Captain Smith – und von Peter Jacksons „Der Herr der Ringe: Die Rückkehr des Königs“ (2003), in dem er wie zuvor in „Der Herr der Ringe: Die zwei Türme“ König Theóden spielte.  

Hill arbeitete zudem mit namhaften Regisseuren wie Mike Leigh, Sir Richard Attenborough, Clint Eastwood und Peter Greenaway zudem. Nun verstarb Hill am 5. Mai 2024 in Suffolk im Alter von 79 Jahren. 

Bernard Hill wurde am 17. Dezember 1944 im englischen Manchester als Sohn einer Bergbau-Familie geboren, besuchte dort später das Xaverian College und die Manchester Polytechnic School of Drama. 1970 schloss er sein Theater-Studium mit einem Diplom ab, begann seine Schauspielkarriere in einem Amateurtheater in Salford und feierte 1973 sein Fernsehdebüt in Mike Leighs Fernsehfilm „Hard Labour“. 1974 folgte sein Theaterdebüt in Willy Russells Beatles-Musical „John, Paul, George, Ringo … & Bert“ im Londoner West End. Die Rolle des John Lennon spielte er später auch in dem Fernsehfilm „John Lennon – Eine Reise in sein Leben“ (1985) und in der Fernsehserie „Everyman“ (1985). 

Eine seiner ersten größeren Rollen spielte er 1976 in der preisgekrönten englischen Mini-Serie „Ich, Claudius, Kaiser und Gott“. Nach zahlreichen Rollen in britischen Fernsehproduktionen, unter anderem in verschiedenen Shakespeare-Verfilmungen der BBC, erlebte er seinen eigentlichen Durchbruch im Jahr 1982 mit der fünfteiligen Serie „Boys from the Blackstuff.“ Für seine Darstellung des arbeitslosen Liverpooler Arbeiters Yosser Hughes erhielt Hill 1983 den Press Guild Award for Achievement of the Decade und eine BAFTA-Nominierung als bester Fernsehschauspieler. 

Ab Mitte der 1980er-Jahre konzentrierte sich Hill fast ganz auf die Filmarbeit und war nur noch selten in Fernsehproduktionen zu sehen. Zu seinen bekannteren Filmen gehören Peter Greenaways „Verschwörung der Frauen“ (1988), Roger Donaldsons „Die Bounty“ (1984), Bob Rafelsons „Land der schwarzen Sonne“ (1990), Stephen Hopkins‘ „Der Geist und die Dunkelheit“ (1996) und Clint Eastwoods „Ein wahres Verbrechen“ (1999). 

Internationale Bekanntheit erlangte er schließlich durch seine Rollen als Kapitän Smith in der „Titanic“-Verfilmung von James Cameron im Jahr 1997 und Anfang der 2000er-Jahre als König Théoden im zweiten und dritten Teil von Peter Jacksons „Herr der Ringe“-Verfilmung: „Der Herr der Ringe: Die zwei Türme“ und „Der Herr der Ringe: Die Rückkehr des Königs“. 

Danach war Hill noch in dem Horror-Thriller „Gothika“ (2003) und der Liebeskomödie „Wimbledon – Spiel, Satz und … Liebe“ (2004) zu sehen, später auch in Gerald McMorrows Fantasy-Drama „Franklyn“ und Bryan Singers „Operation Walküre – Das Stauffenberg-Attentat“ (beide 2008), bevor er sich wieder mehr dem Fernsehen zuwandte und in Serien wie den BBC-Produktionen „Wölfe“ (2015) und „The Responder“ (2024) mitwirkte. 

 

Filmographie: 

1974: Childhood (Fernsehserie, 1 Folge) 

1974: Village Hall (Fernsehserie, 1 Folge) 

1974: 2nd House (Fernsehserie, 1 Folge) 

1976: Crown Court (Fernsehserie, 5 Folgen) 

1976: Selbstjustiz (Trial by Combat) 

1976: It Could Happen to You 

1976: Ich, Claudius, Kaiser und Gott (I, Claudius; Fernseh-Miniserie) 

1977: Warship (Fernsehserie, 6 Folgen) 

1977: Rooms (Fernsehserie, 1 Folge) 

1977: Second City First (Fernsehserie, 1 Folge) 

1977: Premiere (Fernsehserie, 1 Folge) 

1978: Pickersgill People (Fernsehserie, 1 Folge) 

1978: The Sailor’s Return 

1979: Telford’s Change (Fernsehserie, 2 Folgen) 

1980: Fox (Fernsehserie, 13 Folgen) 

1980: The Black Stuff (Fernsehfilm) 

1980: The Glamour Girls (Fernsehserie, 1 Folge) 

1982: Boys from the Blackstuff (Fernseh-Miniserie) 

1982: Gandhi 

1983: Henry VI, Part 1–3 (Fernseh-Dreiteiler) 1983: The Tragedy of Richard III (Fernsehfilm) 

1983: Runners 

1984: Still Life (Fernsehfilm) 

1984: Die Bounty (The Bounty) 

1984: Ein Umzug kommt selten allein (The Chain) 

1984: Squaring the Circle (Fernsehfilm) 

1985: Jackanory (Fernsehserie, 5 Folgen) 

1985: Robin Hoods tollkühne Erben (Restless Natives) 

1985: No Surrender 

1985: John Lennon – Eine Reise in sein Leben (Fernsehfilm) 

1985: Everyman (Fernsehserie, 1 Folge) 

1985: The Children’s Rebellion (Fernsehfilm) 

1986: Mountain Men (Fernsehserie) 

1986: The Great White Mountain (Fernsehfilm) 

1986: Boy Soldier – Soldat ohne Vaterland (Milwr Bychan) 

1987: Bellman and True - Gangster wider Willen 

1988: Verschwörung der Frauen (Drowning by Numbers) 

1988: The Fremantle Conspiracy (Miniserie) 

1989: Shirley Valentine – Auf Wiedersehen, mein lieber Mann (Shirley Valentine) 

1990: Land der schwarzen Sonne (Mountains of the Moon) 

1990: Screenplay (Fernsehserie, 1 Folge) 

1991: About Face (Fernsehserie, 1 Folge) 

1991: Shrinks (Fernsehserie, 1 Folge) 

1992: Double X: The Name of the Game 

1992: Shakespeare: The Animated Tales (Fernsehserie, 1 Folge) 

1992: Crime Story (Fernsehserie, 1 Folge) 

1993: Drug-Taking and the Arts 

1993: Lippenstift am Kragen (Lipstick on Your Collar; Fernseh-Miniserie) 

1993: Olly’s Prison (Fernsehfilm) 

1993: Telltale (Fernsehserie, 3 Folgen) 

1993: Undercover! – Ermittler zwischen den Fronten (Fernsehserie, 2 Folgen) 

1994: Once Upon a Time in the North (Fernsehserie, 6 Folgen) 

1996: Der Geist und die Dunkelheit (The Ghost and the Darkness) 

1994: Stages (Fernsehserie, 1 Folge) 

1995: The Gambling Man (Miniserie, 3 Folgen) 

1995: Madagascar Skin 

1995: Der erste Ritter (First Knight) 

1995: The Big Game (Fernsehfilm) 

1996: Sturm in den Weiden (The Wind in the Willows) 

1997: The Mill on the Floss (Fernsehfilm) 

1997: Titanic 

1997: Secret Lives (Fernsehserie, 1 Folge) 

1998: The Loss of Sexual Innocence 

1998: Unnatural Acts (Fernsehserie, 2 Folgen) 

1999: Ein wahres Verbrechen (True Crime) 

1999: Great Expectations (Fernsehfilm) 

1999: Ein Sommernachtstraum (A Midsummer Night’s Dream) 

1999: The Criminal – Wen die Schuld trifft 

2000: Liverpool Gangster (Going Off Big Time) 

2000: Blessed Art Thou 

2000: Eisenstein 

2002: The Scorpion King 

2002: Der Herr der Ringe: Die zwei Türme (Lord of the Rings: The Two Towers) 

2003: Der Herr der Ringe: Die Rückkehr des Königs (Lord of the Rings: The Return of the King) 

2003: The Boys and Girl from County Clare 

2003: Gothika 

2004: Wimbledon – Spiel, Satz und … Liebe (Wimbledon) 

2004: Die alten Ägypter (Ancient Egyptians, Fernsehserie, 2 Folgen) 

2004: The Grid (Miniserie, 6 Folgen) 

2005: The League of Gentlemen’s Apocalypse 

2005: A Very Social Secretary (Fernsehfilm) 

2006: Surviving Disaster (Miniserie, 7 Folgen) 

2006: Joy Division 

2006: Der Erde so nah (El corazón de la tierra) 

2007: County Clare – Hier spielt die Musik (The Boys from County Clare) 

2007: Exodus 

2007: Save Angel Hope 

2008: Sunshine (Miniserie, 3 Folgen) 

2008: Operation Walküre – Das Stauffenberg-Attentat (Valkyrie) 

2009: Franklyn – Die Wahrheit trägt viele Masken (Franklyn) 

2010: Five Days (Fernsehserie, 5 Folgen) 

2010: Canoe Man (Fernsehfilm) 

2010: The Kid 

2011: The Long March to Freedom (Miniserie, 3 Folgen) 

2012: ParaNorman (Stimme) 

2012: Falcón (Miniserie, 1 Folge) 

2013: Outpost 11 

2014: Shepherd on the Rock 

2014: Zwei Familien, ein Leben (Miniserie, 3 Folgen) 

2014: Hope and Wire (Miniserie, 3 Folgen) 

2014: The Breaker 

2015: Wölfe (Wolf Hall, Miniserie, 6 Folgen) 

2015: Unforgotten (Fernsehserie, 6 Folgen) 

2015: North v South 

2016: Golden Years 

2016: Interlude City of a Dead Woman 

2018: Segunda oportunidad 

2023: Forever Young 

2023: The Moor 

2024: The Responder (Fernsehserie, 5 Folgen) 

 

Playlist:

01. James Horner - Take Her to Sea, Mr. Murdoch (Titanic) - 04:32 

02. Vangelis - Opening Titles (The Bounty) - 04:16 

03. Jerry Goldsmith - Welcome To Tsavo #2 (The Ghost and the Darkness) - 09:54 

04. James Horner - An Ocean of Memories (Titanic) - 08:01 

05. Jerry Goldsmith - Does It Please You / Look at Me (First Knight) - 03:27 

06. Ravi Shankar & George Fenton - For All Mankind [Trad.] (Gandhi) - 06:18 

07. Michael Nyman - Trysting Fields (Drowning By Numbers) - 03:29 

08. Michael Small - Speke and the Great Lake (Mountains of the Moon) - 04:03 

09. Lennie Niehaus - The Chamber / We Go Fast (True Crime) - 02:40 

10. Simon Boswell - A Most Rare Vision (A Midsummer Night's Dream) - 05:55 

11. Howard Shore - The Story Foretold (The Lord of the Rings: The Two Towers) - 03:38 

12. Howard Shore - The Journey to the Grey Havens (The Lord of the Rings: The Return of the King) - 07:34 

13. Jerry Goldsmith - First Time (The Ghost and the Darkness) - 04:02 

14. Ravi Shankar & George Fenton - Raghupati Raghava Raja Ram and Reflections of Early Days (Gandhi) - 03:49 

15. John Debney - The Scorpion King (The Scorpion King) - 03:28 

16. John Ottman - Remembering Rachael (Gothika) - 02:37 

17. John Ottman - They'll Remember You (Valkyrie) - 04:20 

18. Joby Talbot - End Credits (Franklyn) - 02:01 

19. Jerry Goldsmith - A New Life (First Knight) - 04:57 

20. Jon Brion - Resolution (ParaNorman) - 06:27 

21. Lennie Niehaus - End Titles Part 2 (True Crime) - 02:40 

22. Matthew Herbert - Walk Away (The Responder) - 03:35 

23. Michael Nyman - Endgame (Drowning By Numbers) - 08:05 

24. Vangelis - Alternate Titles (The Bounty) - 11:10