Playlist #395 vom 21.04.2024 - ALBERT FINNEY (1936-2019) Special

Der britische Schauspieler Albert Finney zählte nicht nur wegen seiner fünf Oscar-Nominierungen zu den profiliertesten Darstellern seiner Zeit. Mit seiner Darstellung in Filmen wie „Tom Jones – Zwischen Bett und Galgen“, „Zwei auf gleichem Weg“ und als Hercule Poirot in „Mord im Orient-Express“ machte sich der 2019 verstorbene Brite einem breiten internationalen Publikum bekannt und war zuletzt selbst in Action-Franchises wie „Jason Bourne“ und „James Bond“ in bemerkenswerten Charakter-Rollen zu sehen. 

Albert Finney wurde am 9. Mai 1936 im englischen Salford, Lancashire, als Sohn eines Buchmachers geboren und besuchte nach seiner Schulausbildung die Royal Academy of Dramatic Art, wo er 1956 seinen Abschluss machte, um dann Mitglied der Royal Shakespeare Company zu werden. Er spielte in Birmingham die Titelrolle in „Henry V“ und feierte 1958 sein London-Debüt in Jane Ardens von Charles Laughton inszenierten „The Party“. In Stratford ersetzte Finney 1959 einen kranken Laurence Olivier in der Titelrolle von „Coriolanus“ und spielte in verschiedenen Episoden von „Emergency-Ward 10“ ebenso mit wie in einer Fernsehversion von „A Midsummer Night’s Dream“, in der Finney 1959 unter der Regie von Peter Hall den Lysander verkörperte. 

Sein Leinwanddebüt feierte Finney 1960 in Tony Richardsons „The Entertainer“, wo er mit Alan Bates als Sohn von Laurence Olivier zu sehen war, bevor er im selben Jahr seinen Durchbruch als desillusionierter Fabrikarbeiter in Karel Reisz‘ Filmadaption von Alan Sillitoes „Saturday Night and Sunday Morning“ feiern durfte. Anschließend lehnte Finney die Hauptrolle in David Leans „Lawrence von Arabien“ ab, um einen mehrjährigen Vertrag mit Produzent Sam Spiegel abzuschließen. 

Nach seinem Broadway-Debüt mit „Luther“ im Jahr 1963 entschied sich Finney, eine einjährige Auszeit zu nehmen, um um die Welt zu segeln. 

„Die Leute rieten mit, meinen Erfolg auszunutzen, solange ich angesagt war, aber ich habe acht Jahre auf der Bühne gestanden und nur einmal Urlaub gemacht“, sagte Finney später. „Captain Cook war einer der Helden in meiner Kindheit, also dachte ich, es wäre aufregend, einige der Orte im Pazifik aufzusuchen, wo er gewesen war.“ 

Der Erfolg von „Tom Jones“ ermöglichte Finney, seinen nächsten Film zu produzieren, „Night Must Fall“ (1964), in dem er auch selbst mitspielte und der von Karel Reisz inszeniert wurde, doch erwies sich der Film als Flop. Finney spielte dann eine Saison am Royal National Theatre und kehrte 1967 für den Film „Zwei auf gleichem Weg“ mit Audrey Hepburn auf die Leinwand zurück. 

Zusammen mit Michael Medwin gründete Finney die Produktionsfirma Memorial Productions, die sowohl Peter Watkins „Privilege“ (1967), Stephen Frears‘ Kurzfilm „The Burning“ (1968) und Lindsay Andersons „If…“ (1968) als auch Theaterstücke wie „A Day in the Death of Joe Egg“ herausbrachte. 

1972 kehrte Finney nach sechsjähriger Abstinenz mit „Alpha Beta“ auf die Bühne zurück und beendete seine Produzententätigkeit, um sich wieder auf das Schauspielern zu konzentrieren. 

„Zunächst war es in Ordnung“, erklärte er später, „aber am Ende saß ich in einem Büro, schickte Idee nach Hollywood und wartete darauf, dass das Telefon klingelte.“ 

Berühmt wurde Finney durch seine Darstellung des belgischen Meisterdetektivs Hercule Poirot in Sidney Lumets Verfilmung von Agatha Christies „Mord im Orient-Express“ (1974), die ihm auch eine Oscar-Nominierung als bester Hauptdarsteller einbrachte. Wenig später nahm der Brite eine Auszeit vom Filmen und fokussierte sich auf die Bühne, um mehr als drei Jahre lang Klassiker am National Theatre in London zu spielen, darunter „Hamlet“, „Macbeth“, „Tamburlaine“ und Stücke von Anton Tschechow. 

1975 spielte Finney in dem Fernsehfilm „Forget-Me-Not-Lane“ und übernahm 1977 in Ridley Scotts Leinwandregiedebüt „Die Duellisten“ eine kleine Rolle. In den 1980er Jahren war der Schauspieler wieder vermehrt im Kino zu sehen. So spielte er 1981 in den Thrillern „Ein perfekter Bruch“, „Wolfen“ und „Kein Mord von der Stange“, 1982 in Alan Parkers „Du oder beide“ und John Hustons „Annie“, 1983 in Peter Yates‘ „Ein ungleiches Paar“, wofür er eine weitere Oscar-Nominierung als bester Hauptdarsteller einheimste. 

Mit der Titelrolle in dem Fernsehfilm „Johannes Paul II. – Sein Weg nach Rom“ (1984) feierte Finney sein amerikanisches Fernsehdebüt und übernahm die wieder mit einer Oscar-Nominierung geehrte Hauptrolle in John Hustons „Unter dem Vulkan“. 

In den 1990er Jahren war Finney in Bruce Beresfords „Rich in Love“ (1993), Mike Figgis‘ „The Browning Version“ (1994) und Peter Yates‘ „The Run of the Country“ (1995) ebenso zu sehen wie in Agnieszka Hollands „The Washington Square“ (1997), in Nebenrollen auch in „Breakfast of Champions“ und „Simpatico“ (beide 1999). 

Einen seiner größten Erfolge feierte Finney als Rechtsanwalt Edward L. Masry in Steven Soderberghs „Erin Brockovich“, wofür er seine fünfte und letzte Oscar-Nominierung erhielt. Sehenswert war auch sein Auftritt in Tim Burtons „Big Fish“ (2003). Seine Zusammenarbeit mit Soderbergh setzte der Brite nach einem Cameo-Auftritt in „Traffic“ (2000) mit „Ocean’s Twelve“ (2004) fort, die mit Tim Burton bei „Corpse Bride“ (2005). 

Ridley Scott besetzte Finney in „Ein gutes Jahr“ (2006), außerdem übernahm der Schauspieler Rollen in „Amazing Grace“ (2006), „Das Bourne Ultimatum“ (2007) und „Tödliche Entscheidung – Before the Devil Knows You’re Dead“ (2007). Seinen letzten Auftritt hatte er in dem James-Bond-Abenteuer „Skyfall“ (2012). 

Finney war von 1957 bis 1961 mit der britischen Schauspielerin und Sängerin Jane Wenham (1927–2018) verheiratet, mit der er einen Sohn hatte, sowie von 1970 bis 1978 mit der französischen Schauspielerin Anouk Aimée, die ihn 1975 für Ryan O’Neal verließ. Von 2006 bis zu seinem Tod war er mit Pene Delmage verheiratet. Er starb im Februar 2019 im Alter von 82 Jahren nach kurzer Krankheit. 

Filmographie: 

1959: A Midsummer Night’s Dream 

1960: Der Komödiant (The Entertainer) 

1960: Samstagnacht bis Sonntagmorgen (Saturday Night and Sunday Morning) 

1962: Tom Jones – Zwischen Bett und Galgen (Tom Jones) 

1963: Griff aus dem Dunkel (Night Must Fall) – Regie: Karel Reisz, Produzent: Albert Finney 

1963: Die Sieger (The Victors) 

1966: Ein erfolgreicher Blindgänger (Charlie Bubbles) – auch Regie 

1966: Zwei auf gleichem Weg (Two for the Road) 

1968: If … (if…) (Produzent) 

1970: Scrooge 

1971: Auf leisen Sohlen (Gumshoe) – Regie: Stephen Frears 

1974: Mord im Orient-Express (Murder on the Orient Express) 

1975: Sherlock Holmes’ cleverer Bruder (The Adventures of Sherlock Holmes Smarter Brother) 

1975: Forget-Me-Not-Lane 

1976: Die Duellisten (The Duellists) 

1980: Kellerkinder – Orphans (Orphans) – Regie: Alan J. Pakula 

1981: Ein perfekter Bruch (Loophole) – Regie: John Questedt 

1981: Du oder beide (Shoot the Moon) – Regie: Alan Parker 

1981: Kein Mord von der Stange (Looker) 

1981: Wolfen (Wolfen) 

1982: Annie (Annie) 

1983: Ein ungleiches Paar (The Dresser) 

1984: Johannes Paul II. – Sein Weg nach Rom (Pope John Paul II.) 

1984: Unter dem Vulkan (Under the Volcano) 

1984: Untersuchungen im Fall Steve Biko (The Biko Inquest) – Regie: Albert Finney 

1987: A Simple Man 

1989: Rufmord (Image) – Regie: Peter Werner 

1990: Miller’s Crossing 

1990: Zum grünen Mann – Eine Geistergeschichte (The Green Man, Miniserie, alle Folgen) – Regie: Elijah Moshinsky 

1991: Gezinktes Spiel (The Endless Game) – Regie: Bryan Forbes 

1993: Auf der Suche nach dem Glück (Rich in Love) – Regie: Bruce Beresford 

1992: Die Playboys (The Playboys) 

1992: Karaoke – Regie: Renny Rye 

1994: Ein Mann ohne Bedeutung (A Man of No Importance) – Regie: Suri Krishnamma 

1994: Schrei in die Vergangenheit (The Browning Version) 

1995: Das Land meiner Liebe (The Run of the Country) – Regie: Peter Yates 

1996: Cold Lazarus – Regie: Renny Rye 

1996: Nostromo – Der Schatz in den Bergen (Nostromo) – Regie: Alastair Reid 

1997: Washington Square 

1998: Eine sehr englische Ehe (A Rather English Marriage) – Regie: Paul Seed 

1999: Breakfast of Champions – Frühstück für Helden (Breakfast of Champions) 

1999: Simpatico 

2000: Erin Brockovich 

2000: Traffic – Macht des Kartells (Traffic) 

2001: Milo – Die Erde muss warten (Delivering Milo) 

2002: Churchill – The Gathering Storm (The Gathering Storm) 

2003: My Uncle Silas 2 

2003: Big Fish 

2004: Ocean’s 12 (Ocean’s Twelve) 

2005: Corpse Bride – Hochzeit mit einer Leiche (Corpse Bride, Synchronstimme für Finis Everglot in der englischen Originalfassung) 

2005: Aspects of Love 

2006: Ein gutes Jahr (A Good Year) 

2006: Amazing Grace 

2007: Das Bourne Ultimatum (The Bourne Ultimatum) 

2007: Tödliche Entscheidung – Before the Devil Knows You’re Dead (Before the Devil Knows You Are Dead) 

2008: Munich the Documentary (Erzähler) 

2012: Das Bourne Vermächtnis (The Bourne Legacy) 

2012: James Bond 007 – Skyfall (Skyfall) 

Playlist: 

01. Henry Mancini - Religious Reasons (Two For the Road) - 03:55 

02. John Addison - Ouverture (Tom Jones) - 04:53 

03. Michel Legrand - Head For Home (The Picasso Summer) - 04:23 

04. James Horner - Epilogue and End Credits (Wolfen) - 05:48 

05. Mark Isham - The Browning Version (The Browning Version) - 06:22 

06. Georges Delerue - Stop Thinking About Her (Rich In Love) - 03:51 

07. Alex North - End Credits (Under the Volcano) - 02:44 

08. Carter Burwell - End Credits (Miller's Crossing) - 04:44 

09. Ennio Morricone - Weapons of Love (Nostromo) - 06:20 

10. Jan A.P. Kaczmarek - Father Is Dying (Washington Square) - 03:01 

11. Stewart Copeland - Rush to LA (Simpatico) - 03:14 

12. Thomas Newman - Miss Wichita (Erin Brockovich) - 02:11 

13. Thomas Newman - Komodo Dragon (Skyfall) - 03:21 

14. Cliff Martinez - The Police Won't Find Your Car (Traffic) - 03:58 

15. Dave Grusin - Ascension To Virginity (Ocean's Twelve) - 03:00 

16. Danny Elfman - Victor Tries To Escape / Talking To Emily / Elder Gutknecht (Corpse Bride) - 04:51 

17. Marc Streitenfeld - Choosing Love (A Good Year) - 05:39 

18. David Arnold - Opening Title (Amazing Grace) - 03:46 

19. Thomas Newman - Malign (Erin Brockovich) - 02:41 

20. Brian Eno - An Ending [Ascent] (Traffic) - 04:18 

21. David Holmes - $165 Million + Interest (into) The Round Up (Ocean's Twelve) - 05:43 

22. John Powell - Waterloo (The Bourne Ultimatum) - 10:38 

23. James Newton Howard - Flight 167 (The Bourne Legacy) - 03:32 

24. Carter Burwell - Father's Last Resort (Before The Devil Knows You're Dead) - 01:25 

25. Danny Elfman - Titles (Big Fish) - 04:32 

26. Richard Rodney Bennett - Orient Express (Murder On the Orient Express) - 11:21

Playlist #393 vom 24.03.2024 - 96. ACADEMY AWARDS Special

Am 10. März 2024 fand im Dolby Theatre in Los Angeles zum 96. Mal die Verleihung der von der Academy of Motion Picture Arts and Sciences vergebenen Oscars statt, die von dem mittlerweile routinierten Entertainer Jimmy Kimmel moderiert wurde. Als großer Favorit ging Christopher Nolans Biopic „Oppenheimer“ mit dreizehn Nominierungen ins Rennen, gefolgt von Giorgos Lanthimos‘ „Poor Things“ mit elf und Martin Scorseses Western-Epos „Killers of the Flower Moon“ mit zehn Nominierungen. Während Christopher Nolan, der 2018 für „Dunkirk“ erstmals für einen Regie-Oscar nominiert wurde, mit sieben Auszeichnungen für „Oppenheimer“ auch der große Gewinner des Abends war, gingen sowohl Scorseses Film als auch das mit sieben Nominierungen an den Start gegangene Biopic „Maestro“ von und mit Bradley Cooper bei der Verleihung leer aus. 

Christopher Nolan zählt seit seinem zweiten Film „Momento“ (2000), der ihm seine erste Oscar-Nominierung für das beste Drehbuch einbrachte, zu den Lieblingen der Academy, erhielt Nolan in der Folge doch jeweils zwei weitere Nominierungen für „Inception“ (2011) und „Dunkirk“ (2018). Nun ist Nolan mit „Oppenheimer“ der große Wurf gelungen, gewann der biografische Drama vor allem in den Hauptkategorien Bester Film, Beste Regie und Bester Hauptdarsteller. Dazu wurde der Film in den Kategorien Bester Schnitt, Bester Nebendarsteller, Beste Kamera und Ludwig Göransson für die Beste Musik ausgezeichnet. 

„Oppenheimer“ erzählt ausgehend von einer Anhörung über seinen Widerspruch gegen die Entziehung seiner Sicherheitsfreigabe die Geschichte des Physikers Julius Robert Oppenheimer (Cillian Murphy), seine Anfänge, sein Privatleben und vor allem die Zeit, als ihm während des Zweiten Weltkriegs die wissenschaftliche Leitung des Manhattan-Projekts übertragen wird. Im Los Alamos National Laboratory in New Mexico sollen er und sein Team unter der Aufsicht von Lt. Leslie Groves (Matt Damon) eine Nuklearwaffe entwickeln. Oppenheimer wird zum „Vater der Atombombe“ ausgerufen, doch nachdem seine tödliche Erfindung folgenschwer in Hiroshima und Nagasaki eingesetzt wird, stürzt den gerade noch so jubelnden Oppenheimer in ernste Zweifel. In einer weiteren Anhörung soll Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) als Handelsminister im Kabinett von Präsident Dwight D. Eisenhower bestätigt werden. Doch bald geht es um seine Beziehung zu Oppenheimer nach dem Krieg. Denn Strauss stand der amerikanischen Atomenergiebehörde vor, die von dem Physiker beraten wurde. Als sich Oppenheimer immer stärker gegen Strauss und ein Wettrüsten mit Russland stellt und für eine internationale Kontrolle der Kernenergie plädiert, kommen die alten Verbindungen des Physikers zum Kommunismus wieder zur Sprache... 

Ebenfalls für die Beste Regie und den Besten Film war Martin Scorsese mit seinem Western-Epos „Killers of the Flower Moon“ nominiert. Mit seiner zehnten Nominierung als bester Regisseur ist Scorsese nun der am häufigsten nominierte noch lebende Filmschaffende in dieser Kategorie, doch genützt hat ihm diese Ehre an diesem Abend nicht. Dass sein mit Leonardo DiCaprio und Robert De Niro hochkarätig besetzte Drama komplett leer ausging, zählt zu den besonderen Tragödien der diesjährigen Oscar-Verleihung. Immerhin ist die Schauspielerin Lily Gladstone als erste indigene US-Amerikanerin mit einer Nominierung in der Kategorie Beste Hauptdarstellerin berücksichtigt worden, der mittlerweile verstorbene Komponist Robbie Robertson war für die Beste Filmmusik nominiert gewesen. 

„Killers of the Flower Moon“ spielt in den USA in den 1920er Jahren: Auf dem Gebiet der Osage Nation im Bundesstaat Oklahoma wurde jede Menge Öl gefunden, weswegen die dort lebenden indigenen Völker Nordamerikas zu großem Reichtum gelangt sind. Doch auch die Weißen Siedler haben es auf das schwarze Gold abgesehen, allen voran der einflussreiche Rancher William Hale (Robert De Niro) und dessen Neffe Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio), der mit der Osage Mollie (Lily Gladstone) verheiratet ist. Unter den Angehörigen des Osage-Stammes kommt es plötzlich zu immer mehr Todesfällen, die im Zusammenhang mit den begehrten Ölbohrrechten zu stehen scheinen. Dies löst eine groß angelegte Untersuchung einer völlig neuen Polizeieinheit – dem FBI – aus. Tom White (Jesse Plemons), ehemaliger Texas Ranger und Gesetzeshüter alter Schule, leitet die Ermittlungen für die neue Bundesbehörde und stößt dabei in ein Wespennest aus Korruption und Mord... 

Die deutschen Oscar-Hoffnungen ruhten vor allem auf der deutschen Schauspielerin Sandra Hüller, die die Hauptrolle in dem französischen Justizdrama „Anatomie eines Falls“ spielt. Der Film gewann immerhin einen Oscar für das Beste Drehbuch. Hüller war auch in Jonathan Glazers Holocaust-Drama „The Zone of Interest“ zu sehen, das als Bester internationaler Film ausgezeichnet wurde. 

Ebenfalls nominiert als Bester internationaler Film waren der deutsche Beitrag „Das Lehrerzimmer“ von İlker Çatak und das japanische Drama „Perfect Days“ von Wim Wenders. 

Der zweiterfolgreichste Film des Abends war „Poor Things“. Nominiert in elf Kategorien, heimste die moderne Frankenstein-Variante immerhin vier Oscars ein. Emma Stone, die den Oscar als Beste Hauptdarstellerin gewann, spielt eine junge Frau namens Bella Baxter, die von dem unkonventionellen Wissenschaftler Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe) zurück ins Leben gebracht wird. Unter Führung des brillanten Wissenschaftlers begibt sich Bella auf eine Reise zu sich selbst, immer auf der Suche nach der Lebenserfahrung, die ihr bisher fehlt. Sie trifft dabei unter anderem auf Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), einen Anwalt, der ihr die Welt jenseits der Wissenschaft zeigt und mit ihr ein wildes Abenteuer über mehrere Kontinente hinweg erlebt. 

Aber auch Baxters Student Max McCandless (Ramy Youssef) Leben ändern sich plötzlich, als er auf Bella trifft und von ihr regelrecht mit- und aus seinem behüteten Leben herausgerissen wird. Bella entdeckt Stück für Stück ihre Leidenschaft für soziale Gerechtigkeit und Befreiung und kann sich so auch ihrer eigenen Zwänge entledigen, Vorurteile hinter sich lassen und sich immer und immer mehr ausleben. 

Im Vorfeld war die Oscar-Verleihung mit dem Begriff „Barbenheimer“ beschrieben worden, da die beiden Filme „Barbie“ und „Oppenheimer“ insgesamt für 21 Oscars nominiert wurden und in sechs Kategorien direkt gegeneinander antraten. 

Am Ende konnte Greta Gerwigs „Barbie“ gerade mal den Oscar für den Song „What Was I Made For“ von Billie Eilish einheimsen. John Williams erhielt für seine Musik zu „Indiana Jones und das Rad des Schicksals“ übrigens seine bereits 54. Nominierung! 

Bester Film: 

• Oppenheimer

• American Fiction

• Anatomie eines Falls 

• Barbie 

• The Holdovers 

• Killers of the Flower Moon 

• Maestro 

• Past Lives

• Poor Things 

• The Zone of Interest 

Bester Hauptdarsteller: 

• Cillian Murphy (Oppenheimer) 

• Bradley Cooper (Maestro) 

• Colman Domingo (Rustin) 

• Paul Giamatti (The Holdovers) 

• Jeffrey Wright (American Fiction) 

Beste Hauptdarstellerin: 

• Emma Stone (Poor Things) 

• Annette Bening (Nyad) 

• Lily Gladstone (Killers of the Flower Moon) 

• Sandra Hüller (Anatomie eines Falls) 

• Carey Mulligan (Maestro) 

Beste Regie: 

• Christopher Nolan (Oppenheimer) 

• Justine Triet (Anatomie eines Falls) 

• Martin Scorsese (Killers of the Flower Moon) 

• Giorgos Lanthimos (Poor Things) 

• Jonathan Glazer (The Zone of Interest) 

Bester Nebendarsteller: 

• Robert Downey Jr. (Oppenheimer) 

• Sterling K. Brown (American Fiction) 

• Robert De Niro (Killers of The Flower Moon) 

• Ryan Gosling (Barbie) 

• Mark Ruffalo (Poor Things) 

Beste Nebendarstellerin: 

• Da'Vine Joy Randolph (The Holdovers) 

• Emily Blunt (Oppenheimer) 

• Danielle Brooks (Die Farbe Lila) 

• America Ferrera (Barbie) 

• Jodie Foster (Nyad) 

Bester internationaler Film: 

• The Zone of Interest (Großbritannien) 

• Das Lehrerzimmer (Deutschland) 

• Io Capitano (Italien) 

• Perfect Days (Japan) 

• Die Schneegesellschaft (Spanien) 

Bestes Originaldrehbuch: 

• Anatomie eines Falls (Justine Triet und Arthur Harari) 

• The Holdovers (David Hemingson) 

• Maestro (Bradley Cooper und Josh Singer) 

• May December (Samy Burch und Alex Mechanik) 

• Past Lives (Celine Song) 

Bestes adaptiertes Drehbuch: 

• American Fiction (Cord Jefferson) 

• Barbie (Greta Gerwig und Noah Baumbach) 

• Oppenheimer (Christopher Nolan) 

• Poor Things (Tony McNamara) 

• The Zone of Interest (Jonathan Glazer) 

Beste Kamera: 

• Oppenheimer (Hoyte van Hoytema) 

• El Conde (Edward Lachman) 

• Killers of the Flower Moon (Rodrigo Prieto) 

• Maestro (Matthew Libatique) 

• Poor Things (Robbie Ryan) 

Bestes Szenenbild: 

• Poor Things

• Barbie 

• Killers of the Flower Moon

• Napoleon

• Oppenheimer

Bestes Kostümdesign: 

• Poor Things 

• Barbie 

• Killers of the Flower Moon 

• Napoleon

• Oppenheimer“

Bester Ton: 

• The Zone of Interest

• The Creator

• Maestro 

• Mission Impossible: Dead Reckoning Teil 1

• Oppenheimer 

Bester Schnitt: 

• Oppenheimer 

• Anatomie eines Falls 

• The Holdovers 

• Killers of the Flower Moon 

• Poor Things

Beste visuelle Effekte: 

• Godzilla Minus One 

• The Creator 

• Guardians of the Galaxy Vol. 3 

• Mission Impossible: Dead Reckoning Teil 1

• Napoleon 

Bestes Make-up und beste Frisuren: 

• Poor Things 

• Golda 

• Maestro 

• Oppenheimer 

• Die Schneegesellschaft 

Bester Song: 

• „What Was I Made For“ von Billie Eilish in „Barbie“ 

• „The Fire Inside“ von Becky G in „Flamin' Hot“ 

• „I'm Just Ken“ von Mark Ronson und Andrew Wyatt in „Barbie“ 

• „It Never Went Away“ von Jon Batiste und Dan Wilson in „American Symphony“ 

• „Wahzhazhe (A Song for My People)“ von Scott George in „Flowers of the Killers Moon“ 

Beste Filmmusik: 

• Oppenheimer (Ludwig Göransson) 

• American Fiction (Laura Karpman) 

• Indiana Jones und das Rad des Schicksals (John Williams) 

• Killer of the Flower Moon (Robbie Robertson) 

• Poor Things (Jerskin Fendrix) 

Bester animierter Spielfilm: 

• Der Junge und der Reiher 

• Elemental 

• Nimona 

• Robot Dreams 

• Spider-Man: Across the Spider-Verse 

Bester animierter Kurzfilm: 

• War is Over! Inspired by the Music by John and Yoko

• Letter to a Pig 

• Ninty-fives Senses 

• Our Uniform 

• Pachyderme

Bester Kurzfilm: 

• Ich sehe was, was du nicht siehst (The Wonderful Story of Henry Sugar)

• The After

• Unbesiegbar (Invincible) 

• Ridder Lykke (Knight of Fortune)

• Red, White and Blue

Bester Dokumentarfilm: 

• 20 Tage in Mariupol 

• Bobi Wine: The People's President

• Die unendliche Erinnerung 

• Olfas Töchter 

• To Kill a Tiger

Bester Dokumentar-Kurzfilm: 

• The Last Repair Shop

•  Das ABC des Buchverbots (ABCs of Book Banning) 

• The Barber of Little Rock 

• Island in Between 

• Nai Nai and Wài Pó

Playlist:

1. Ludwig Göransson - Meeting Kitty (Oppenheimer) - 05:48 

2. Robbie Robertson - Salvation Adagio (Killers of the Flower Moon) - 03:11 

3. Frédéric Chopin - Prelude In E Minor, Op. 28, No. 4 (Anatomie eines Falls) - 02:33 

4. Mark Ronson & Andrew Wyatt - I Don't Have An Ending (Barbie) - 03:36 

5. Louis Armstrong Quintet - St. Louis Blues / Symphony No. 5 in C-Sharp Minor, Pt. 3: Adagietto (Maestro) - 03:50 

6. Laura Karpman - Family Is, Monk Is (American Fiction) - 04:53 

7. Mark Orton - A Girl in Tow / Back to Barton (The Holdovers) - 04:34 

8. Vienna String Quartet - Strauss: Tivoli-Rutsch, Op. 39 (The Zone of Interest) - 07:35 

9. Martin Phipps - Soldiers of the 5th Regiment (Napoleon) - 04:22 

10. Hans Zimmer - Heaven (The Creator) - 06:57 

11. Lorne Balfe - Passion's Embrace (Mission: Impossible - Dead Reckoning Part One) - 03:18 

12. Christopher Bear & Daniel Rossen - Across the Ocean (Past Lives) - 04:33 

13. Alexandre Desplat - Florida (NYAD) - 06:23 

14. John Williams - New York, 1969 (Indiana Jones and the Dial of Destiny) - 04:17 

15. Kris Bowers - My Family's Home (The Colour People) - 03:00 

16. Branford Marsalis - Moving to Utopia (Rustin) - 03:37 

17. Michel Legrand - Graduation (May December) - 02:19 

18. Andrea Farri - La Mer n'a pas d'Arbres (Io Capitano) - 03:17 

19. Joe Hisaishi - The Ark (The Boy and the Heron) - 03:07 

20. Thomas Newman - Vivisteria (Elemental) - 02:36 

21. Christophe Beck - Nimona's Theme (Nimona) - 03:00 

22. Alfonso de Vilallonga - Was It a Dream? (Robot Dreams) - 02:49 

23. Daniel Pemberton - Father and Son (Spider-Man: Across the Spider-Verse) - 02:16 

24. Robbie Robertson - They Don't Live Long (Killers of the Flower Moon) - 02:55 

25. Dascha Dauenhauer - Golda (Golda) - 02:23 

26. John Murphy - Dido's Lament (Guardians of the Galaxy Vol. 3) - 03:57 

27. Naoki Sato - Resolution (Godzilla Minus One) - 05:05 

28. Ludwig Göransson - Fission (Oppenheimer) - 04:38 

29. Michael Giacchino - Susy Passes (Society of the Snow) - 08:20

Playlist #390 vom 11.02.2024 - NORMAN JEWISON (1926-2024) Special

Dass er in seiner langen Hollywood-Karriere gleich dreimal für einen Oscar als Bester Regisseur nominiert worden ist (auch wenn er ihn zusätzlich zu seinen vier Nominierung als Produzent für den Besten Film nie gewinnen konnte), macht deutlich, welch ein qualitatives Schwergewicht Norman Jewison gewesen ist. Der vielseitige Filmemacher wurde durch die Doris-Day-Komödien wie „Was diese Frau so alles treibt“ (1963) und „Schick mir keine Blumen“ (1964) ebenso bekannt wie durch sein Rassismus-Drama „In der Hitze der Nacht“, die Musical-Verfilmungen „Anatevka“ (1971) und „Jesus Christ Superstar“ (1973) und die Steve-McQueen-Klassiker „Cincinnati Kid“ (1965) und „Thomas Crown ist nicht zu fassen“ (1968). Am 20. Januar 2024 verstarb der kanadische Filmproduzent und -regisseur im Alter von 97 Jahren im kalifornischen Malibu. 

Norman Frederick Jewison wurde am 21. Juli 1926 im kanadischen Toronto als Sohn eines protestantischen Ladenbesitzers geboren, besuchte das Malvern Collegiate Institute und fand während der 1930er Jahre Gefallen am Schauspielern und Theater. Nachdem er von 1944 bis 1945 in der Royal Canadian Navy während des Zweiten Weltkriegs gedient hatte, reiste er durch den amerikanischen Süden und lernt dort den Rassismus kennen, der prägend für seine spätere Arbeit werden sollte. 

1949 schloss Jewison sein Studium am Victoria College der University of Toronto ab, wobei während seiner Studienzeit bei verschiedenen Theater-Produktionen als Autor, Regisseur und Schauspieler tätig gewesen war. Er zog nach London, wo er Skripte für das Kinderfernseh-Programm schrieb und gelegentlich für die BBC als Schauspieler agierte, sich aber überwiegend mit öden Jobs über Wasser halten musste. 

Ende 1951 kehrte er nach Toronto zurück, wo er am Trainee-Programm von CBLT teilnahm, das die Gründung von CBS Television vorbereitete. Dort begann Jewison seine Karriere als Regieassistent, schrieb, inszenierte und produzierte eine Vielzahl an Musicals, Comedy-Variete-Shows, Dramen und Specials. Er heiratete das frühere Model Margaret Ann Dixon und wechselte 1958 zur NBC nach New York, wo er zunächst Shows wie „Your Hit Parade“ und „The Andy Williams Show“ betreute und dann Specials zu Künstlern wie Harry Belafonte, Jackie Gleason und Danny Kaye inszenierte. 

Während einer Probe zur „Judy Garland Show“ (1962) mit Frank Sinatra und Dean Martin schlug Tony Curtis vor, dass Jewison einen Kinofilm inszenieren sollte. Tony Curtis‘ und Janet Leighs Produktionsfirma Curtleigh Productions beauftragte Jewison dann mit der Regie der Komödie „Ein Rucksack voller Ärger“ (1962) mit Tony Curtis und Suzanne Pleshette in den Hauptrollen, die der erste Film gewesen ist, der je in Disneyland gedreht wurde. 

Jewison gründete seine eigene Independent-Filmproduktionsfirma und realisierte für Universal die beiden Doris-Day-Komödien „Was diese Frau so alles treibt“ (1963) und „Schick mir keine Blumen“ (1964). Nach einer weiteren Komödie – „Bei Madame Coco“ (1965) mit James Garner, Dick Van Dyke und Elke Sommer – beschloss Jewison, sich herausfordernden Projekten zu widmen. 

Mit dem Spieler-Drama „Cincinnati Kid“ (1965) – mit einem überragenden Steve McQueen in der Hauptrolle - gelang Jewison gleich ein Klassiker, dem er – erstmals auch als Produzent - die vierfach Oscar-nominierte Satire „Die Russen kommen! Die Russen kommen!“ (1966) folgen ließ. Einen weiteren großen Wurf landete Jewison mit dem Rassismus-Drama „In der Hitze der Nacht“ (1967) mit Sidney Poitier und Rod Steiger in den Hauptrollen. Der Film erhielt fünf Oscars, Jewison eine Nominierung als Bester Regisseur. 

Mit dem von ihm produzierten und inszenierten Heist Movie „Thomas Crown ist nicht zu fassen“ (1968) gelang Jewison ein weiterer Hit mit Steve McQueen in der Hauptrolle. Anschließend filmte Jewison das mit drei Oscars ausgezeichnete Musical „Anatevka“ (1971) in den Londoner Pinewood Studios und in Jugoslawien sowie in Israel das auf Andrew Lloyd Webbers und Tim Rices Broadway-Erfolg basierende Musical „Jesus Christ Superstar“ (1973). 

Mit „Rollerball“ (1975) inszenierte Jewison schließlich ein futuristisches Drama über globale Konzerne, die jeden Individualismus, jede Selbstbestimmtheit des Menschen im Keim ersticken. Um die Massen ruhig zu halten und Demonstrationen und Aufstände zu vermeiden, wird die Bevölkerung – ähnlich den Gladiatorenkämpfen im alten Rom – mit der Sportart „Rollerball“ unterhalten. Bei dem Spiel geht es hart zu und durch verschiedene Hilfsmittel kommt es immer öfter zu Schwerverletzten oder gar Toten. Jonathan E. (James Caan) sticht dabei als herausragender Spieler hervor und wird von den Massen umjubelt. Das sieht die Führungsebene aber nicht gern und beschließt, dass Jonathan seinen Abschied nehmen muss. 

Danach folgten das Gewerkschaftsdrama „F.I.S.T. – Ein Mann geht seinen Weg“ (1978) mit Sylvester Stallone in der an Jimmy Hoffa angelehnten Hauptrolle, das Justiz-Drama „… und Gerechtigkeit für alle“ (1979) mit Al Pacino, die romantische Komödie „Zwei dicke Freunde“ (1982) mit Burt Reynolds und Goldie Hawn sowie das Rassismus-Drama „Sergeant Waters - Eine Soldatengeschichte“ (1984), das auf einem mit dem Pulitzer Prize prämierten Bühnenstück basierte und für drei Academy Awards nominiert war, ebenso wie das Kloster-Drama „Agnes – Engel im Feuer“ (1985) mit Jane Fonda, Meg Tilly und Anne Bancroft in den Hauptrollen. 

Nach seinem Wechsel von Columbia zu MGM inszenierte Jewison mit „Mondsüchtig“ (1987) einen der erfolgreichsten romantischen Filme, der drei Oscars abräumte, davon einen für Hauptdarstellerin Cher. Nach dem Kriegsdrama „Zurück aus der Hölle“ (1989) drehte Jewison die Gesellschaftssatire „Das Geld anderer Leute“ (1991), die romantische Komödie „Nur für dich“ (1994), die Fantasy-Komödie „Bogus“ (1996) und das wiederum mit dem Rassismus spielende Drama „Hurricane“ (1999), in dem Denzel Washington den schwarzen Boxer Rubin „Hurricane“ Carter verkörpert, der Mitte der 1960er Jahre fälschlicherweise des dreifachen Mordes beschuldigt wurde. 

1999 erhielt Jewison von der Academy of Motion Picture Arts and Sciences den Irving G. Thalberg Memorial Award für sein Lebenswerk. 

Seine letzten Arbeiten waren der Fernsehfilm „Dinner with Friends“ (2001) mit Andie MacDowell, Greg Kinnear, Toni Colette und Dennis Quaid in den Hauptrollen und das Thriller-Drama „The Statement“ (2003) mit Michael Caine in der Rolle eines Komplizen des Vichy-Regimes, der 1944 im besetzten Frankreich an der Ermordung von sieben Juden maßgeblich beteiligt war. 

Er konnte allerdings nach seiner Inhaftierung fliehen, um dann anonym ein friedliches Leben unter dem Schutz rechtsgerichteter Gruppierungen innerhalb der katholischen Kirche zu führen – bis ein Mordanschlag auf ihn verübt wird, er dem Täter aber zuvorkommen kann. Die Richterin Annemarie Livi (Tilda Swinton) hat sich zum Ziel gesetzt, den Kriegsverbrecher auch nach so langer Zeit seiner gerechten Strafe zuzuführen und so fandet sie mit Hilfe von Colonel Roux (Jeremy Northam) nach dem untergetauchten Mann. Auf die Frage, was seine Filme besonders ausmache, antwortete Jewison einmal: „Ich möchte, dass sich die Menschen in meinen Filmen wiedererkennen. Ich schätze keine hirnlosen Action-Filme.“ 

Und wie Georg Seesslen in seinem Nachruf in "Die Zeit" formuliert: „Jewison nutzte die Mittel der Traumfabrik, um etwas zu sagen. Wenn man es auf den kleinsten Nenner bringen will: Es ging ihm um die Schuld des Menschen in dieser Welt, in dieser Geschichte, in dieser Gesellschaft. Das war manchmal dramatisch, manchmal aber auch furchtbar komisch. Jewison war auch als Komödienregisseur einer, der nie überdrehte, sondern sich stets den genauen Blick auf die Lebensumstände seiner Protagonisten bewahrte.“ 

Filmographie: 

1962: Ein Rucksack voller Ärger (40 Pounds of Trouble) 

1963: Was diese Frau so alles treibt (The Thrill of It All) 

1964: Schick mir keine Blumen (Send Me No Flowers) 

1965: Bei Madame Coco (The Art of Love) 

1965: Cincinnati Kid (The Cincinnati Kid) 

1966: Die Russen kommen! Die Russen kommen! (The Russians Are Coming the Russians Are Coming) 

1967: In der Hitze der Nacht (In the Heat of the Night) 

1968: Thomas Crown ist nicht zu fassen (The Thomas Crown Affair) 

1969: Gaily, Gaily 

1971: Anatevka (Fiddler on the Roof) 

1973: Jesus Christ Superstar 

1975: Rollerball 

1978: F.I.S.T. – Ein Mann geht seinen Weg (F.I.S.T.) 

1979: … und Gerechtigkeit für alle (…And Justice for All) 

1982: Zwei dicke Freunde (Best Friends) 

1984: Sergeant Waters – Eine Soldatengeschichte (A Soldier’s Story) 

1985: Agnes – Engel im Feuer (Agnes of God) 

1987: Mondsüchtig (Moonstruck) 

1989: Zurück aus der Hölle (In Country) 

1991: Das Geld anderer Leute (Other Peoples Money) 

1994: Nur für Dich (Only You) 

1996: Bogus 

1999: Hurricane (The Hurricane) 

2001: Abendessen mit Freunden (Dinner with Friends, Fernsehfilm) 

2003: The Statement 

Playlist: 

01. John Williams - Wedding Celebration and Bottle Dance (Fiddler on the Roof) - 03:51 

02. Lalo Schifrin - Melba (The Cincinnati Kid) - 04:04 

03. Quincy Jones - Mama Caleba's Blues (In the Heat of the Night) - 05:37 

04. Michel Legrand - The Chess Game (The Thomas Crown Affair) - 05:59 

05. Christopher Young - You Have Transcended (The Hurricane) - 05:48 

06. Dave Grusin - I Did An Experiment (Dinner With Friends) - 03:14 

07. Dave Grusin - Something Funny Goin' On (And Justice For All) - 03:28 

08. Bill Conti - End Title (F.I.S.T.) - 04:16 

09. Normand Corbeil - The Chase (The Statement) - 03:08 

10. James Horner - Distant Memories (In Country) - 05:08 

11. Lalo Schifrin - Dialogue In The Rain (The Cincinnati Kid) - 03:05 

12. Christopher Young - Scream of Silence (The Hurricane) - 05:12 

13. Georges Delerue - Symphonic Suite For Chorus and Orchestra - Part II (Agnes of God) - 03:30 

14. Michel Legrand - Doubting Thomas (The Thomas Crown Affair) - 03:49 

15. Dave Grusin - I'm Happy For You (Dinner With Friends) - 03:18 

16. Bill Conti - Kissing in the Closet (F.I.S.T.) - 03:10 

17. Rachel Portman - Theme From "Only You" (Only You) - 03:35 

18. Normand Corbeil - Candle Lighting (The Statement) - 03:08 

19. Dave Grusin - Ballad For God (And Justice For All) - 02:47 

20. Dmitri Shostakovich - Symphony No. 5 [excerpt Third Movement] (Rollerball) - 06:39 

21. Georges Delerue - Symphonic Suite For Chorus and Orchestra - Part I (Agnes of God) - 03:29 

22. Lalo Schifrin - Shooter (The Cincinatti Kid) - 03:24 

23. Marc Shaiman - Bogus (Bogus) - 03:18 

24. Michel Legrand - Playing the Field (The Thomas Crown Affair) - 05:49 

25. David Newman - Bitter Victory (Other People's Money) - 02:30 

26. Tomaso Albinoni - Adagio in G Minor (Rollerball) - 08:12 

27. James Horner - Fallen Friends (In Country) - 10:11

Playlist #355/#356 vom 09./23.10.2022 - JAZZ IM FILM

Auch wenn Filmmusik in der Regel in Verbindung mit klassischem Orchester gebracht wird und seit den 1970er Jahren auch mit vermehrt elektronischen und anderen Einflüssen und Elementen aufwartet, hat der Jazz eine lange Tradition in der Geschichte des Films und der Filmmusik. Vom ersten Tonfilm „The Jazz Singer“ (1927) über die berühmten Arbeiten von Alex North zu „Endstation Sehnsucht“ (1960), Henry Mancini zu Orson Welles‘ „Im Zeichen des Bösen“ (1958), Duke Ellington zu Otto Premingers „Anatomie eines Mordes“ (1959) und Miles Davis zu Louis Malles „Fahrstuhl zum Schafott“ (1958) sowie den Soundtracks zu Jazz-Musiker-Biografien wie Clint Eastwoods Charlie-Parker-Biografie „Bird“ oder die Chet-Baker-Biografie „Let’s Get Lost“ bis zu jüngeren Oscar-prämierten Erfolgen wie „La La Land“ und „Soul“ reicht hier die Palette. In den zwei Oktober-Sendungen gehe ich zunächst den Anfängen des Jazz in der Filmmusik nach, um in der zweiten Show neuere Beiträge zu Filmen wie „Chinatown“, „Kansas City“, „Chicago“, „Taxi Driver“ und „The Cotton Club“ zu präsentieren. 

Bereits vor den Anfängen des um das Jahr 1900 in den amerikanischen Südstaaten entstandenen Jazz tauchte eine archaische Form dieser Musikrichtung in den Minstrel-Shows des 19. Jahrhunderts auf, in denen weiße Unterhaltungsmusiker sich als Afroamerikaner verkleideten und deren Leben karikierten, auf Stereotypen reduzierten und so auf spätere Unterhaltungsmuster verwiesen. Dabei wurden die Afroamerikaner mit dicken Lippen und hervorquellenden Augen als dumm und faul dargestellt. Jazz spielte hier die Rolle als Impulsgeber vor allem für sexuelle Aktivitäten. In den 1920er und 1930er Jahren, die heute als Jazz Age gelten, hörten die Weißen eine aus dem Jazz von Weißen entwickelte kommerziell-gefällige Musik, die mit dem ursprünglichen Jazz kaum etwas gemein hatte. 

So enthielt auch der erste Tonlangfilm „The Jazz Singer“ keinen wirklichen Jazz, sondern der als Schwarzer verkleidete Al Jolson sang Songs wie „My Mammy“, „Blue Skies“, „Mother of Mine, I Still Have You“, „Toot, Toot, Tootsie (Goo' Bye!)“, „Dirty Hands, Dirty Face“ und „Waiting for the Robert E. Lee“ und spielte den Sohn eines jüdischen Kantors, der sich den Traditionen seines religiösen Vaters widersetzen muss, um seinen Traum als Jazzsänger zu verwirklichen. 

Nachdem sich in Hollywood allmählich eine Art symphonischer Jazz durchzusetzen begonnen hatte, der europäische und afroamerikanische Musik miteinander verband, sorgte die wachsende Popularität von schwarzen Musikern wie Louis Armstrong, Duke Ellington und Benny Goodman dafür, dass auch die Filmindustrie nicht mehr an ihrer Bedeutung vorbeikam. Allerdings zeichneten die Filmproduktionen bis in die 1950er Jahre hinein immer noch ein Bild, in dem Weiße die wilde Musik der Schwarzen zivilisieren, soweit überhaupt der Begriff Jazz in biografischen Filmen wie „The Glenn Miller Story“ (1954) oder „The Benny Goodman Story“ (1956) fällt. 

Auf der anderen Seite wurde die Adaption des erfolgreichen Broadway-Musicals „Cabin in the Sky“ (1943) ausschließlich mit afroamerikanischen Darstellern wie Ethel Waters, Lena Horne, Louis Armstrong, Duke Ellington realisiert, doch weigerten sich viele Kinos damals, den Film zu zeigen. 

Eine besondere Bedeutung kam dem Jazz im Film noir zu, wo er vor allem Motive der Desorientierung, Traumatisierung und Verführung durch weibliche Sexualität akzentuierte. Hier wurden Miklós Rózsas Komposition zu Billy Wilders „Das verlorene Wochenende“ (1945), George Dunings Score zu Jules Dassins „Stadt ohne Maske“ (1948), Elmer Bernsteins Musik zu Premingers „Der Mann mit dem goldenen Arm“ (1955) und Duke Ellingtons Beitrag zu Otto Premingers „Anatomie eines Mordes“ (1959) wegweisend, aber auch in Filmen, in denen es um rebellische Halbstarke wie in Elia Kazans „Endstation Sehnsucht“ (1951) oder Laslo Benedeks „Der Wilde“ (1953) ging, nahm Jazz in der filmmusikalischen Untermalung eine tragende Rolle ein. 

Noch junge Komponisten wie Henry Mancini („Touch of Evil“, „Peter Gunn“), Alex North („A Streetcar Named Desire“, „The Rose Tattoo“) und Elmer Bernstein („The Man With the Golden Arm“, „The Caretakers“, „Kings Go Forth“, „The Rat Rate“, „Sweet Smell of Success“, „Staccato“, „Walk On the Wild Side“, „The Reward“) sorgten mit ihren Jazz-geprägten Scores für frischen Wind in Hollywood. 

Alex North‘ Musik für das Drama „Endstation Sehnsucht“ wird als frühes Beispiel für einen Jazz-Score genannt. Während die Scores in Hollywood vor den1950er Jahren in der Tradition der europäischen Musik des ausgehenden 19. Jahrhunderts verwurzelt war, änderte sich die musikalische Ausrichtung mit der Entwicklung, dass Hollywood in den 1950er Jahren realistischere Stoffe verfilmte, was Alex North dazu animierte, für seine Arbeit bei „Endstation Sehnsucht“ die Musik des 20. Jahrhunderts zu erforschen. Dass er sich hier für den Jazz entschied, liegt angesichts des Settings der Geschichte in New Orleans, der Heimat des Jazz, entsprechend nahe. Allerdings musste er sich der Struktur filmmusikalischen Komponierens bedienen. 

„Ich habe versucht, Jazz zu simulieren, seine Essenz rhythmisch und harmonisch zu erfassen und auf das Drama anzuwenden“, wird er im Booklet zu Jerry Goldsmith‘ Neueinspielung des Scores mit dem National Philharmonic Orchestra zitiert. „Ich versuchte, mehr die inneren als das äußeren Aspekte des Films zu vermitteln. Das bedeutete, dass die Musik die ganze Zeit zu den Charakteren in Verbindung stand und selten zu der Handlung. Statt Themen für bestimmte Figuren schuf ich sozusagen mentale Statements, für Stanleys Beziehung zu Blanche und die Verbindungen zwischen Mitch und Blanche sowie zwischen Stanley und Stella.“ 

Mit dem größeren Einfluss des zuvor so abschätzig betrachteten Jazz in Hollywoods Aufnahmestudios etablierten sich auch bekannte Jazz-Musiker als Filmkomponisten. Vor allem Miles Davis‘ in Paris improvisierter Score zu Louis Malles Klassiker „Fahrstuhl zum Schafott“ (1958) ist hier wegweisend. Hier wurde Jazz erstmals dazu eingesetzt, um die dramatische Handlung zu betonen. Ebenso bemerkenswert ist die Tatsache, dass die Musik komplett im Studio improvisiert wurde, da Miles Davis zuvor keine Ahnung hatte, welch wichtige Rolle seine Musik in dem Film spielen würde. Der Erfolg sowohl des Films als auch des Soundtracks ebnete den Weg für ein neues Verständnis zwischen Jazz und Film. 

Ein Jahr darauf wurde Duke Ellington von Otto Preminger engagiert, die Musik zu seinem Kriminaldrama „Anatomie eines Mordes“ zu komponieren, während Charles Mingus 1959 die Musik zu „Shadows“ beisteuerte. In Italien arbeitete Piero Umiliani mit Chet Baker zwischen 1958 und 1964 an den Filmen „Diebe haben’s schwer“, „Diebe sind auch Menschen“, „Urlatori alla sbarra“, „Smog“ und „Tom Collins jagt die schwarze Natter“, aber auch seine Kollegen Armando Trovajoli, Giorgio Gaslini und Piero Piccioni verwendeten in ihren Arbeiten immer wieder Jazz-Elemente. 

Natürlich bot sich Jazz als filmmusikalischer Hintergrund auch dann an, wenn Regisseure wie Francis Ford Coppola in „Cotton Club“ (1984) oder Robert Altman in „Kansas City“ (1996) den Jazz ins Gangster-Genre einbetteten. Etwas weiter und puristischer gingen Dokumentarfilme wie „Jazz on a Summer’s Day“ über das Newport Jazz Festival von 1958, die dem Zuschauer Jazz in seiner reinen musikalischen Darbietung präsentierten. 

Zu guter Letzt bieten auch Spielfilm-Biografien wie Anthony Manns „Die Glenn Miller Story“ (1954), Valentine Davies‘ „Die Benny Goodman Story“ (1956), Clint Eastwoods „Bird“ (1988, mit Forest Whitaker als Charlie Parker), Bertrand Taverniers „Round Midnight“ (1986) oder Bruce Webbers Chet-Baker-Biopic „Let’s Get Lost“ (1988) die Möglichkeit, den Geist der Jazz-Musik auf die Leinwand zu bringen. 

Miles Davis komponierte für den australischen Film „Dingo“ (1990) zusammen mit Michel Legrand noch einmal eine Filmmusik, aber über die Jahrzehnte wurde seine Musik immer wieder in Filmen eingesetzt, so in Wolfgang Petersens Thriller „In the Line of Fire“ (1993), David Finchers „Zodiac“ (2007) und den Miles-Davis-Biopics „The Sound of Miles Davis“ (1959) und „Miles Ahead“ (2015). In der jüngeren Vergangenheit ist der US-amerikanische Regisseur Spike Lee mit Filmen wie „Mo‘ Better Blues“ (1990) als Liebhaber von Jazz bekannt geworden. In dem Film schildert Lee die Karriere eines fiktiven Trompeters über mehrere Jahrzehnte hinweg. Jazz-Trompeter Terence Blanchard steuerte nicht nur hierzu, sondern auch zu den meisten der nachfolgenden Filme von Spike Lee die Musik bei. Und schließlich ist das sechsfach Oscar-prämierte Musical „La La Land“ (2016) eine tiefe Verbeugung vor dem Jazz. Da der Jazz sowohl im Film noir/Crime als auch in der Nouvelle Vague eine besondere Rolle gespielt hat, wird diesen beiden Bereichen noch jeweils eine eigene Sendung gewidmet. 

Playlist #355 vom 09.10.2022 

1. Leith Stevens - Blues for Brando (The Wild One) - 02:54 

2. Miles Davis - Chez le photographe du motel (Ascenseur pour L'échafaud) - 04:01 

3. Art Blakey - Blues pour Vava (Des femmes disparaissent) - 04:22 

4. Duke Ellington - Low Key Lightly (Anatomy of a Murder) - 03:41 

5. Duke Ellington - Autumnal Suite (Paris Blues) - 03:15 

6. Krzysztof Komeda - Ballad for Bernt (Knife in the Water) - 02:33 

7. Franz Waxman - The Celebration (Crime in the Streets) - 04:42 

8. Johnny Mandel & Gerry Mulligan - Barbara's Theme (I Want to Live) - 04:40 

9. Elmer Bernstein & Chico Hamilton - Goodbye, Baby Blues (Sweet Smell of Success) - 03:36 

10. Charles Mingus - Self Portrait in Three Colours (Shadows) - 03:09 

11. Mundell Lowe - Lost and Lonely (Satan in High Heels) - 03:42 

12. Leith Stevens - Easy Mood (Private Hell 36) - 04:05 

13. Elmer Bernstein - Finale (The Man with the Golden Arm) - 04:17 

14. Alex North - Four Deuces (A Streetcar Named Desire) - 03:08 

15. John Lewis - The Rose Truc (No Sun In Venice) - 04:57 

16. Henry Mancini - Reflection (Touch of Evil) - 03:03 

17. John Williams - The Bishop's Retreat (Checkmate) - 03:10 

18. David Shire - Blues for Harry (The Conversation) - 02:40 

19. Kenyon Hopkins - Ghosts (Baby Doll) - 02:55 

20. Don Ralke - Bourbon Street Blues (Bourbon Street Blues) - 03:58 

21. Johnny Mandel & Chet Baker - Rebel at Work (The James Dean Story) - 03:45 

22. Johnny Dankworth - After the Party (The Criminal) - 03:36 

23. Armando Trovaioli - Dino's Blues (Casanova 70) - 03:04 

24. Piero Piccioni - Dea for Combo #2 (Un tentativo sentimentale) - 03:14 

25. Giorgio Gaslini - Lettura Della Lettera (La Notte) - 04:09 

26. Nino Rota - La Dolce Vita A Caracalla (La Dolce Vita) - 03:09 

27. David Amram - Slightly Manchurian Blues (The Manchurian Candidate) - 04:25 

28. Alex North - Floozie (The Rose Tattoo) - 04:39 

29. Piero Umiliani & Chet Baker - California in the Summer (Smog) - 04:46 

30. John Lewis - A Cold Wind Is Blowing (Odds Against Tomorrow) - 07:26 

Playlist #356 vom 23.10.2022 

1. Miles Davis - Blue Haze (Kerouac - The Movie) - 06:11 

2. Michel Legrand - Les délinquants (L'Amerique Insolite) - 04:27 

3. Michel Legrand - Nice, baie des anges (La Baie de Anges) - 04:30 

4. Joshua Redman - Solitude (Kansas City) - 06:02 

5. Charlie Parker - Parker's Mood (Bird) - 03:09 

6. Branford Marsalis Quartet feat. Terence Blanchard - Again Never (Mo Better Blues) - 03:55 

7. Michel Legrand - Trio Jazz (Atlantic City) - 05:20 

8. Bunny Berrigan - Caravan (Sweet and Lowdown) - 03:39 

9. Dizzy Gillespie - Coney Island (The Cool World) - 03:44 

10. Lalo Schifrin - End Credits (Bullitt) - 03:52 

11. Quincy Jones - End Title (The Pawnbroker) - 03:12 

12. Gato Barbieri - Why Did She Choose You? (Last Tango in Paris) - 03:03 

13. Michel Legrand - The Chess Game (The Thomas Crown Affair) - 05:59 

14. Bernard Herrmann - A Reluctant Hero / Betsy / End Credits (Taxi Driver) - 04:38 

15. Jerry Goldsmith - Love Theme (Chinatown) - 02:10 

16. John Barry - Mood Indigo (The Cotton Club) - 03:39 

17. Ralph Burns - South Mt. Sinai Parade (All That Jazz) - 03:41 

18. Herbie Hancock - The Naked Camera (Blow-Up) - 03:25 

19. Herbie Hancock - Body and Soul ('Round Midnight) - 05:55 

20. Sonny Rollins - He's Younger Than You Are (Alfie) - 05:14 

21. Dave Grusin - Suzie and Jack (The Fabulous Baker Boys) - 05:01 

22. Jon Batiste - Cristo Redentor (Soul) - 02:22 

23. Danny Elfman - After Midnight (Chicago) - 03:25 

24. James Newton Howard - RKO Lot (Guilty By Suspicion) - 01:19 

25. James Newton Howard - Main Title (Glengarry Glen Ross) - 04:54 

26. Justin Hurwitz - Cincinnati (La La Land) - 02:06 

27. Roger Wilson - Peckin' (Operation Mincemeat) - 03:41 

28. Miles Davis - So What (Miles Ahead) - 09:28

Playlist #305 vom 08.11.2020 - R.I.P. Sean Connery (1930-2020)

Für viele ist er nach wie vor der einzig wahre James Bond: Sean Connery. Der schottische Schauspieler feierte seinen internationalen Durchbruch in der Rolle des britischen Geheimagenten in dem ersten James-Bond-Film „James Bond - 007 jagt Dr. No“ (1962) und verkörperte diese Erfolgsfigur in fünf weiteren Bond-Abenteuern. Nebenbei wurde der Oscar-Preisträger 1989 vom People Magazine zum Sexiest Man Alive gewählt. Am 31. Oktober verstarb Sir Sean Connery im Alter von 90 Jahren auf den Bahamas. Zu seinem Andenken gibt es heute nicht nur Musik von John Barry aus seinen erfolgreichen Bond-Abenteuern, sondern weitere hochkarätige Musik von illustren Komponisten wie John Williams, Henry Mancini, Ennio Morricone, Michel Legrand, Bernard Herrmann, Jerry Goldsmith, Maurice Jarre, James Horner, Basil Poledouris u.v.a.

Connery wurde am 25. August 1930 im schottischen Edinburgh geboren und wuchs als Sohn eines Fernfahrers und einer Reinigungskraft in ärmlichen Verhältnissen auf, weshalb er früh die Schule verließ und als Milchmann und Bademeister zu arbeiten anfing. Als Sechzehnjähriger trat Connery in die Royal Navy ein, die er nach etwas mehr als zwei Jahren aufgrund eines Zwölffingerdarmgeschwürs verlassen musste. Nach Gelegenheitsjobs als Milchmann, Baggerfahrer, Pferdekutscher und Drucker hat es ihm vor allem das Polieren von Möbeln, vor allem von Särgen angetan. In dieser Zeit begann er, Bodybuilding zu betreiben, wobei er sich auf das Gewichtheben konzentrierte und im Edinburgh College of Art meist als griechischer Athlet oder römischer Krieger Modell stand. 

Nachdem Connery angefangen hatte, Bodybuilding professioneller zu betreiben und dadurch auch Werbeaufnahmen machen zu können, wurde er 1950 sogar schottischer Bodybuilding-Meister und Dritter beim Mister-Universum-Wettbewerb. Diese Erfolge machten ihn auch für Bühne und Leinwand interessant. Mitte der 1950er Jahre war er in kleineren Rollen in Film-, Theater- und Fernsehproduktionen zu sehen und hatte 1958 in „Another Time, Another Place“ als Liebhaber von Lana Turner seine erste größere Rolle. Doch erst als die beiden Produzenten Albert R. Broccoli und Harry Saltzman für die Verfilmung der seit 1953 jährlich fortgesetzten Romanreihe um den britischen Geheimagenten James Bond von Ian Fleming einen passenden Hauptdarsteller suchten und sich nicht auf Kandidaten wie David Niven, den späteren Bond-Darsteller Roger Moore, Cary Grant oder Patrick McGoohan einigen konnten, kam Sean Connerys große Stunde, der die Filmemacher durch sein athletisches Aussehen und selbstsicheres Auftreten überzeugte. 

Zwar sprach sich Ian Fleming gegen die Besetzung von Sean Connery als Agenten ab, der einer gehobenen Lebensart zugeneigt ist, doch schon der mit einem überraschend schmalen Budget von 1,1 Millionen US-Dollar unter der Regie von Terence Young realisierte „James Bond - 007 jagt Dr. No“ strafte alle Kritiker Lügen. Denn mit einem weltweiten Einspielergebnis von gut 60 Millionen US-Dollar war der Grundstein für das bis heute erfolgreichste Film-Franchise gelegt und etablierte den damals 32-jährigen Connery als Star. Zwar war Connery immer wieder mal auch in anderen Filmen zu sehen – wie in Alfred Hitchcocks Psychothriller „Marnie“ (1964) – doch bis 1971 und seinem letzten Abenteuer als James Bond in „Diamantenfieber“ konzentrierte er sich auf die zunehmend erfolgreicheren „James Bond“-Filme, von denen der 1964 realisierte „Goldfinder“ mit Gert Fröbe in der Rolle des Superschurken sogar 125 Millionen Dollar in die Kinokassen spülte und eine regelrechte „Bondmania“ auslöste. Doch die bis zu sechs Monate dauernden Dreharbeiten, die allzu festgelegte Rolle und die zunehmende Bedeutung immer ausgefeilterer Gadgets, Kulissen und aufwendigere Action machten Connery unzufrieden, so dass er bei den Dreharbeiten zu „Man lebt nur zweimal“ (1967) seinen Ausstieg aus der Reihe bekanntgab. Nachdem George Lazenby 1969 in „Im Geheimdienst Ihrer Majestät“ keine wirkliche Chance hatte, Connery würdig zu beerben, konnte United Artists Connery für die Rekordgage von 1,25 Millionen US-Dollar, die der schottische Patriot der von ihm gegründeten Stiftung „Scottish International Educational Trust“ spendete, zur Rückkehr bewegen, doch blieb sein Auftritt in „Diamantenfieber“ (1971) sein letztes Gastspiel als britischer Geheimagent mit Lizenz zum Töten. 

Nachdem er James Bond hinter sich gelassen hatte, konzentrierte sich Sean Connery in den 1970er Jahren auf anspruchsvollere Filme, in denen er sich als Charakterdarsteller profilieren konnte. So agierte er 1970 neben Richard Harris in Sidney Lumets Bergarbeiterdrama „Verflucht bis zum jüngsten Tag“ und ebenfalls unter der Regie von Sidney Lumet als rückfällig gewordener Ex-Häftling in „Der Anderson-Clan“ (1971) und als außer Kontrolle geratener Polizeiinspektor in „Sein Leben in meiner Gewalt“ (1972). 

Zu den bekannteren Filmen zählten auch John Boormans Science-Fiction-Film „Zardoz“, Sidney Lumets Adaption des Agatha-Christie-Krimis „Mord im Orient-Express“ und der Terroristen-Thriller „Die Uhr läuft ab“ (alle 1974) sowie die Abenteuerfilme „Der Wind und der Löwe“ (1975), „Der Mann, der König sein wollte“ (1975) und „Robin und Marian“ (1976). 

In den 1980er Jahren war Connery in dem Weltraum-Thriller „Outland – Planet der Verdammten“ (1981), in Terry Gilliams parodistischen Zeitreise-Film „Time Bandits“ (1981) und Fred Zinnemanns „Am Rande des Abgrunds“ (1982) zu sehen, feierte seinen größten Erfolg aber in „Sag niemals nie“, Irvin Kershners Remake des Bond-Klassikers „Feuerball“, das nach Beilegung eines jahrelangen Rechtstreits realisiert werden konnte und für das sich Connery für eine gigantische Gage in Höhe von fünf Millionen US-Dollar gewinnen ließ. „Sag niemals nie“ war fast so erfolgreich wie der ebenfalls 1983 gestartete James-Bond-Film „Octopussy“ mit Roger Moore und ebnete Connery den Weg zu weiteren Kassenerfolgen. 

So war er in Russel Mulcahys Fantasy-Abenteuer „Highlander“ (1986) ebenso zu sehen wie in Jean-Jacques Annauds Adaption des Umberto-Eco-Bestsellers „Der Name der Rose“ und Brian De Palmas Gangster-Drama „Die Unbestechlichen“. Für seine Rolle als erfahrener Lehrmeister, der dem jungen FBI-Agenten Eliot Ness dabei hilft, den berüchtigten Gangster Al Capone hinter Gitter zu bringen, erhielt Sean Connery den Oscar als bester Nebendarsteller. 

Einen großen Publikumserfolg feierte Connery auch als kauziger Vater des von Harrison Fords gespielten Archäologen und Abenteurers Professor Jones in Steven Spielbergs Blockbuster-Erfolg „Indiana Jones und der letzte Kreuzzug“ (1989). Mit Regisseur Sidney Lumet arbeitete Connery ein letztes Mal bei der wenig überzeugenden und an den Kinokassen gefloppten Krimikomödie „Family Business“ (1989) zusammen. Dafür hinterließ er in dem Thriller „Jagd auf Roter Oktober“ als sowjetischer U-Boot-Kommandant und in der John-le-Carré-Adaption von „Das Russland-Haus“ als Verleger, der in Russland in eine Spionage-Affäre verwickelt wird, einen besseren Eindruck, während „Highlander II“ (1991), „Medicine Man – Die letzten Tage von Eden“ (1992), „Der letzte Held von Afrika“ (1994) und „Im Sumpf des Verbrechens“ (1995) nicht mehr an Connerys besten Filme anknüpfen konnten. 

Es folgten der historische Abenteuerfilm „Der 1. Ritter“ (1995), eine Sprechrolle in dem Fantasyfilm „Dragonheart“, der Action-Reißer „The Rock“ (1996), der romantische Thriller „Verlockende Falle“ (1999) und das Schriftsteller-Drama „Forrester – Gefunden!“ (2000). 

Am 5. Juli 2000 wurde Connery für seine Verdienste um Schottland von Königin Elisabeth II. zum Knight Bachelor geschlagen, was ihn zum Führen des Adelsprädikats „Sir“ berechtigte. Seinen letzten Film drehte Connery 2003 mit der Comic-Adaption von „Die Liga der außergewöhnlichen Gentlemen“. 2008 erschien seine Autobiografie „Being a Scot“. 

Filmographie:

1954: Lilacs in the Spring 

1954: Simon (Kurzfilm) 

1956: The Condemned (Fernsehfilm) 

1957: Die blinde Spinne (No Road Back) 

1957: Duell am Steuer (Hell Drivers) 

1957: Blood Money (Fernsehfilm) 

1957: Zwölf Sekunden bis zur Ewigkeit (Time Lock) 

1957: Operation Tiger (Action of the Tiger) 

1958: Women in Love (Fernsehfilm) 

1958: Herz ohne Hoffnung (Another Time, Another Place) 

1958: Die letzte Nacht der Titanic (A Night to Remember) 

1959: Das Geheimnis der verwunschenen Höhle (Darby O’Gill and the Little People) 

1959: Tarzans größtes Abenteuer (Tarzan’s Greatest Adventure) 

1959: Hexenjagd (The Crucible) 

1960: An Age of Kings (TV-Serie) 

1960: Without the Grail (Fernsehfilm) 

1961: Die Peitsche (The Frightened City) 

1961: Macbeth (Fernsehfilm) 

1961: Adventure Story (Fernsehfilm) 

1961: Anna Karenina (Fernsehfilm) 

1961: Das Schlitzohr (On the Fiddle) 

1962: Der längste Tag (The Longest Day) 

1962: James Bond - 007 jagt Dr. No (Dr. No) 

1963: James Bond 007 – Liebesgrüße aus Moskau (From Russia With Love) 

1964: Die Strohpuppe (Woman Of Straw) 

1964: Marnie 

1964: James Bond 007 – Goldfinger (Goldfinger) 

1965: James Bond 007 – Feuerball (Thunderball) 

1965: Ein Haufen toller Hunde (The Hill) 

1966: Simson ist nicht zu schlagen (A Fine Madness) 

1966: Eine junge Welt (Un monde nouveau) 

1967: James Bond 007 – Man lebt nur zweimal (You Only Live Twice) 

1968: Shalako 

1969: Das rote Zelt (The Red Tent) 

1970: Verflucht bis zum jüngsten Tag (The Molly Maguires) 

1971: Der Anderson-Clan (The Anderson Tapes) 

1971: James Bond 007 – Diamantenfieber (Diamonds Are Forever) 

1973: Sein Leben in meiner Gewalt (The Offence) 

1974: Zardoz 

1974: Mord im Orient-Express (Murder on the Orient Express) 

1974: Die Uhr läuft ab (Ransom) 

1975: Der Wind und der Löwe (The Wind and the Lion) 

1975: Der Mann, der König sein wollte (The Man Who Would Be King) 

1976: Der nächste Mann (The Next Man) 

1976: Robin und Marian (Robin and Marian) 

1976: Öl (The Next Man) 

1977: Die Brücke von Arnheim (A Bridge Too Far) 

1979: Der große Eisenbahnraub (The First Great Train Robbery) 

1979: Meteor 

1979: Explosion in Cuba (Cuba) 

1981: Outland – Planet der Verdammten (Outland) 

1981: Time Bandits 

1982: Am Rande des Abgrunds (Five Days One Summer) 

1982: Flammen am Horizont (Wrong is Right) 

1983: Sag niemals nie (Never Say Never Again) 

1984: Camelot – Der Fluch des goldenen Schwertes (The Sword of the Valiant) 

1985: Highlander – Es kann nur einen geben (Highlander) 

1986: Der Name der Rose (The Name of the Rose) 

1987: Die Unbestechlichen (The Untouchables) 

1988: Presidio (The Presidio) 

1989: Indiana Jones und der letzte Kreuzzug (Indiana Jones and the Last Crusade) 

1989: Family Business 

1990: Jagd auf Roter Oktober (The Hunt for Red October) 

1990: Das Russland-Haus (The Russia House) 

1991: Highlander II – Die Rückkehr (Highlander II: The Quickening) 

1991: Robin Hood – König der Diebe (Robin Hood: Prince of Thieves) 

1992: Medicine Man – Die letzten Tage von Eden (Medicine Man) 

1993: Die Wiege der Sonne (Rising Sun) 

1994: A Good Man in Africa 

1995: Der 1. Ritter (First Knight) 

1995: Im Sumpf des Verbrechens (Just Cause) 

1996: Dragonheart (Stimme) 

1996: The Rock – Fels der Entscheidung (The Rock) 

1998: Mit Schirm, Charme und Melone (The Avengers) 

1998: Leben und lieben in L.A. (Playing by Heart) 

1999: Verlockende Falle (Entrapment) 

2000: Forrester – Gefunden! (Finding Forrester) 

2003: Freedom: A History of Us (Fernsehserie) 

2003: Die Liga der außergewöhnlichen Gentlemen (The League of Extraordinary Gentlemen) 

2005: Liebesgrüße aus Moskau (Videospiel, Stimme) 

2007: Modern Greeks: C.P. Cavafy (Fernsehdokumentation, Erzähler) 

2012: Sir Billi (Stimme) 

Playlist: 

1. Michael Kamen & Queen - Heather's Demise [Who Wants to Live Forever?] (Highlander) - 05:16 

2. John Barry - 007 (From Russia With Love) - 02:47 

3. John Barry - Bond Back in Action Again (Goldfinger) - 02:32 

4. John Barry - Search For Vulcan (Thunderball) - 02:25 

5. Michel Legrand - Jealousy (Never Say Never Again) - 03:18 

6. Jerry Goldsmith - Main Theme (Ransom) - 02:42 

7. Jerry Goldsmith - Camelot (First Knight) - 02:40 

8. Jerry Goldsmith - Clues (The Great Train Robbery) - 03:56 

9. Jerry Goldsmith - Katya (The Russia House) - 04:01 

10. Jerry Goldsmith - The Fire (Medicine Man) - 02:13 

11. Bruce Broughton - Impatient to Say Goodbye / End Credits (The Presidio) - 05:03 

12. James Newton Howard - The Execution (Just Cause) - 03:44 

13. James Horner - Epilogue (Der Name der Rose) - 06:09 

14. Henry Mancini - Sandwiches and Tea (The Molly Maguires) - 02:13 

15. Basil Poledouris - End Title (The Hunt for Red October) - 04:41 

16. Joel McNeely - Main Title (The Avengers) - 02:56 

17. Christopher Young - Thank God (Entrapment) - 04:05 

18. Bernard Herrmann - Marnie (Marnie) - 03:54 

19. Jerry Goldsmith - I Remember (The Wind and the Lion) - 02:41 

20. Jerry Goldsmith - End Credits (Outland) - 02:47 

21. Randy Edelman - Wonders of an Ancient Glory (Dragonheart) - 02:23 

22. Michael Kamen - Marian at the Waterfall / Camp (Robin Hood: Prince of Thieves) - 05:34 

23. Michael Kamen - The Beach Scene (The Next Man) - 03:14 

24. Maurice Jarre  - Roxanne (The Man Who Would Be King) - 03:15 

25. Toru Takemitsu - Medley (Rising Sun) - 03:05 

26. Ennio Morricone - Death Theme (The Untouchables) - 02:43 

27. John Barry - Remembering Chet (Playing by Heart) - 04:07 

28. John Williams - The Keeper of the Grail (Indiana Jones and the Last Crusade) - 03:25 

29. Trevor Jones - Voyage Continued, Mongolia (The League of Extraordinary Gentlemen) - 02:07 

30. Nick Glennie-Smith, Hans Zimmer & Harry Gregson-Williams - Father-Daughter Chat (The Rock) - 02:03 

31. Richard Rodney Bennett - The Orient Express (Murder on the Orient Express) - 11:20