Peter Weir wurde am 21. August 1944 in Sydney geboren und
besuchte das Scots College und die Vaucluse Boys High School,
bevor er an der Universität Sydney Kunst und Jura studierte. Sein Interesse am
Film wurde durch die Begegnung mit Kommilitonen geweckt, darunter Phillip
Noyce und die späteren Mitglieder des Sydneyer Filmkollektivs Ubu Films.
Nach seinem Universitätsabschluss Mitte der 1960er Jahre
begann er beim Sydneyer Fernsehsender ATN-7 als Produktionsassistent für die
bahnbrechende satirische Comedy-Sendung „The Mavis Bramston Show“.
Während dieser Zeit drehte Weir mit den Einrichtungen des Senders seine
ersten beiden experimentellen Kurzfilme „Count Vim's Last Exercise“ und „The
Life and Flight of Reverend Buck Shotte“.
Bei der Commonwealth Film Unit drehte Weir mehrere
Dokumentarfilme sowie einen Spielfilm.
Mit dem Kurzfilm „Three Directions in Australian Pop
Music“ (1972) fasste Weir Konzertaufnahmen von drei der
bedeutendsten Rockbands aus Melbourne jener Zeit zusammen: Spectrum, The
Captain Matchbox Whoopee Band und Wendy Saddington. Weirs
letzte größere Arbeit für die CFU befasste sich mit einem benachteiligten
Vorort von Sydney, „Whatever Happened to Green Valley“ (1973). Dabei
wurden die Bewohner eingeladen, eigene Filmsequenzen zu drehen.
Weirs erster großer Independentfilm war der Kurzfilm „Homesdale“
(1971), eine schräge schwarze Komödie. Für seinen nächsten, ersten
abendfüllenden Spielfilm ließ sich Weir von einem Pressebericht
inspirieren, den Weir über zwei junge Engländerinnen gelesen hatte, die
während einer Autoreise in Frankreich verschwunden waren. „Die Autos, die
Paris auffraßen“ (1974) war eine Low-Budget-Komödie um eine Stadt, die ihre
Existenz der fragwürdigen, doch allgemein anerkannten Praxis verdankt,
verunglückte Autos und ihre Insassen auszuschlachten, und überzeugte weniger
durch komplex gezeichnete Figuren und einen dramatischen Plot, sondern durch
ihre außergewöhnliche Ausgangsidee einer zutiefst amoralischen Gesellschaft,
die ungeniert Gewinn aus dem Schaden anderer Leute zieht, und Peter Weirs
ausdrucksstarke Bildsprache.
Der Film war in den Kinos nur mäßig erfolgreich, erfreute
sich aber großer Beliebtheit in den damals florierenden Autokinos.
Mit diesem Film, zusammen mit dem früheren „Homesdale“,
etablierte Weir das thematische Grundmuster, das sein gesamtes Schaffen
prägte: Fast alle seine Spielfilme handeln von Menschen, die in eine Krise
geraten, nachdem sie auf die eine oder andere Weise von der Gesellschaft
isoliert wurden – sei es physisch („Der einzige Zeuge“, „Mosquito Coast“,
„Die Truman Show“, „Master and Commander“), sozial/kulturell („Picknick
am Hanging Rock“, „Die letzte Flut“, „Der Club der toten Dichter“, „Green
Card“) oder psychisch („Fearless“).
Weirs großer Durchbruch in Australien und
international gelang ihm mit dem opulenten, atmosphärischen Historienfilm „Picknick
am Valentinstag“ (1975), der mit erheblicher Unterstützung der staatlich
geförderten South Australian Film Corporation entstand und in Südaustralien und
im ländlichen Victoria gedreht wurde. Basierend auf dem Roman von Joan
Lindsay und angesiedelt um die Jahrhundertwende, erzählt der Film die
angeblich wahre Geschichte einer Gruppe Schülerinnen eines exklusiven
Mädcheninternats, die am Valentinstag 1900 auf mysteriöse Weise während eines
Schulausflugs verschwinden. Der Film gilt weithin als Schlüsselwerk der
australischen Filmrenaissance Mitte der 1970er-Jahre und war der erste
australische Film seiner Zeit, der sowohl von der Kritik gefeiert als auch
international in den Kinos gezeigt wurde.
Bereits im Prolog vermittelt Peter Weir seinem
Publikum die Botschaft, dass bei einem Picknick am Valentinstag einige Mädchen
spurlos verschwunden sind. Und trotzdem entfaltet die Geschichte eine
Sogwirkung, die einfach grandios inszeniert ist. Die hypnotisch-flirrenden
Bilder von Kameramann Russell Boyd
(„Forever Young“,
„Master &
Commander“) gehen mit den mystischen Panflötenklängen von
Gheorghe
Zamfir und dem verträumten Piano-Score von Bruce Smeaton
eine stimmige Symbiose ein, die das Verschwinden der Mädchen wirklich zu einem
übernatürlichen Ereignis werden lässt. Interessant kreiert Weir aber
auch die Gegensätze zwischen der wilden, unberechenbaren Natur und den strengen
Regeln in einem viktorianischen Mädcheninternat. Während die Frage nach dem
Verbleib der Mädchen unbeantwortet bleibt, sind die darauffolgenden Ereignisse
im Internat nur allzu vorhersehbar. Peter Weir gelingt es, die
Geschehnisse hier und dort eindringlich miteinander zu verbinden.
Weirs nächster Film „Die letzte Flut“ (1977) war
ein übernatürlicher Thriller über einen Mann, der von furchterregenden Visionen
einer drohenden Naturkatastrophe heimgesucht wird. Der Film mit dem
amerikanischen Schauspieler Richard Chamberlain in der Hauptrolle, der
dem australischen und internationalen Publikum als Titelheld der beliebten
Fernsehserie „Dr. Kildare“ bestens bekannt war, erzählt die Geschichte
von Dr. Kildare. „Die letzte Flut“ war ein nachdenkliches, ambivalentes
Werk, das die Themen von „Picknick am Valentinstag“ aufgriff und die
Interaktionen zwischen der Kultur der Aborigines und der europäischen Kultur
erforschte.
In erster Linie als Justizdrama ausgelegt, verlagert sich
der Film zunehmend auf die Frage, inwieweit der weiße Anwalt auch die Gabe der
Prophezeiung besitzt. Peter Weir hat die Problematik des Zusammenlebens
zwischen den beiden Gesellschaftsformen ebenso subtil thematisiert wie die
bedrohlichen Naturphänomene in Form von sintflutartigen Regenfällen,
Hagelschauern und anderen typisch apokalyptischen Zeichen, wobei Richard
Chamberlain überzeugend den skeptischen Beobachter darstellt.
Zwischen „Die letzte Flut“ und seinem nächsten
Spielfilm schrieb und inszenierte Weir den ungewöhnlichen
Low-Budget-Fernsehfilm „Wenn der Klempner kommt“ (1979). In den
Hauptrollen waren die australischen Schauspieler Judy Morris und Ivar
Kants zu sehen; die Dreharbeiten dauerten nur drei Wochen. Inspiriert von
einer Erzählung von Freunden, ist es eine schwarze Komödie über eine Frau,
deren Leben durch einen subtil bedrohlichen Klempner aus den Fugen gerät.
Mit seinem nächsten Film, dem historischen Abenteuerdrama „Gallipoli“
(1981), landete Weir einen großen australischen Erfolg und erntete
weiteres internationales Lob. Das Drehbuch stammte vom australischen Dramatiker
David Williamson; der Film gilt als Klassiker des australischen Kinos
und trug maßgeblich dazu bei, Mel Gibson („Mad Max“) zum
Superstar zu machen.
Peter Weir inszeniert den Großteil seines Dramas als
ausgelassenen Abenteuerfilm, indem sich die Freunde, die sich freiwillig für
den Einsatz australischer und neuseeländischer Truppen im Kampf gegen die mit
den Nazis verbündeten Türken gemeldet haben, selbst bei ihren ersten Übungen in
Ägypten noch lachend in die Arme fallen. Doch je näher die Geschosse der Türken
an ihrem Gefechtsstand einschlagen, desto mehr wird ihnen der tödliche Ernst
der Lage bewusst. Weir schürt ihr bewusst Ressentiments gegen die
britischen Offiziere, die die australischen Truppen rücksichtslos gegen die gut
in den Stellungen liegenden Türken verheizen. Auch wenn Weir damit über
das Ziel hinausschießen mag, ist ihm mit „Gallipoli“ ein eindringliches
Drama über eine Männerfreundschaft und die Sinnlosigkeit des Krieges gelungen,
das zudem mit Jean-Michel Jarres Musik aus „Oxygene“ und das Tomaso
Albinoni zugeschriebene „Adagio in g-Moll“ interessant vertont worden ist.
Der Höhepunkt von Weirs früher Karriere war die 6
Millionen Dollar teure multinationale Produktion „Ein Jahr in der Hölle“
(1982), in der erneut Gibson die Hauptrolle spielte, diesmal an der
Seite von Hollywood-Star Sigourney Weaver. Der Film erzählt eine
Geschichte über journalistische Loyalität, Idealismus, Liebe und Ehrgeiz im
turbulenten Indonesien Sukarnos im Jahr 1965. Es handelte sich um eine Adaption
des Romans von Christopher Koch, der teilweise auf den Erlebnissen von
Kochs Bruder Philip, dem Journalisten Philip, beruhte. Philip war
Jakarta-Korrespondent der ABC und einer der wenigen westlichen Journalisten in
der Stadt während des Putschversuchs von 1965. Der Film brachte Linda Hunt
(die im Film einen Mann spielte) einen Oscar als Beste Nebendarstellerin ein.
Der Film konzentriert sich nicht nur auf die romantische
Beziehung, die sich zwischen dem Reporter und der Botschaftsangestellten
anbahnt, sondern vor allem auf die Rolle, in der sich Hamilton selbst in dem
ausbrechenden Bürgerkrieg sieht, ob er bereit ist, größere Opfer zu bringen,
als es beispielsweise seine Kollegen tun, die sich allein auf die
Berichterstattung aus sicherer Entfernung und diverse Ablenkungen beschränken.
Allzu tief dringt das Drama dabei freilich nicht in die politischen Dimensionen
des Bürgerkriegs ein. Vielmehr thematisiert
Weir den immerwährenden
universalen Konflikt zwischen (gesellschafts-)politischen Ereignissen und der
Berichterstattung darüber.
Weirs erster amerikanischer Film war der erfolgreiche
Thriller „Der einzige Zeuge“ (1985), der erste von zwei Filmen, die er
mit Harrison Ford drehte. Er handelt von einem Jungen, der Zeuge des
Mordes an einem verdeckten Polizisten durch korrupte Kollegen wird und sich
daraufhin in seiner Amischen Gemeinde verstecken muss, um ihn zu schützen. Weir
führte Regie bei Fords einziger Performance, die ihm eine
Oscar-Nominierung einbrachte, während auch Kinderstar Lukas Haas für
sein Filmdebüt viel Lob erhielt. „Der einzige Zeuge“ brachte Weir
zudem seine erste Oscar-Nominierung als Bester Regisseur ein und war der erste
von mehreren Filmen, die für den Oscar als Bester Film nominiert wurden –
später gewann er zwei Oscars für den Besten Schnitt und das Beste
Originaldrehbuch.
Es folgte der düsterere, weniger kommerzielle Film „Mosquito
Coast“ (1986) nach einem Drehbuch von Paul Schrader („Taxi
Driver“, „Katzenmenschen“), basierend auf Paul Theroux’ Roman.
„Mosquito Coast“ zeigt zunächst eine US-amerikanische
Welt auf, die typisch für die westliche Zivilisation ist, eine Welt, in der
Waren möglichst billig aus dem fernen Osten importiert werden und das Wohl des
Einzelnen über dem der Gemeinschaft steht. Dass Allie Fox, dessen Erfindungen
nur müde belächelt werden, weil sie keinen schnellen ökonomischen Nutzen
bieten, dieser kapitalistischen Welt entfliehen möchte, lässt sich durchaus
nachvollziehen. Interessant ist, dass er dieses Vorhaben so radikal und ohne
Rücksicht auf die Bedürfnisse seiner Familie umsetzt und im tiefsten Dschungel
den Eingeborenen das Leben noch luxuriöser bereiten möchte. Das verläuft
natürlich nicht nach Plan, denn zum einen bekommt es Allie mit dem
missionarischen Eifer eines Weißen zu tun, zum anderen mit rücksichtslosen
Guerilla-Kämpfern, die Allies Errungenschaften drohen zunichtezumachen.
Spätestens durch die Konfrontation mit dem Unwägbaren kippt die Stimmung, und
Allie wird zum schwer erträglichen Tyrannen, unter dem vor allem seine Familie
zu leiden hat. Weirs Fähigkeit und Faible, Eskapismus, Esoterik und
Naturverbundenheit mit psychologischem Schrecken zu verbinden, wie er es in
seinen in den 1970er Jahre entstandenen Filmen zum Ausdruck brachte, kommt auch
in „Mosquito Coast“ zum Tragen.
Harrison Ford überzeugt dabei als leidenschaftlicher
Kämpfer für die gute Sache, der allerdings über das Ziel hinausschießt, und die
Konzentration auf die Dialoge, mit denen die Konflikte ausgetragen werden,
machen „Mosquito Coast“ nicht gerade zugänglich. Doch als Drama, das den
Kontrast zwischen Naturvölkern und vermeintlich fortschrittlichen Zivilisten
zuspitzt, funktioniert der Film wunderbar.
Weirs nächster Film „Der Club der toten Dichter“ (1989)
war ein internationaler Erfolg und präsentierte Robin Williams in der
ungewohnten Rolle eines inspirierenden Lehrers in einer dramatischen Geschichte
über Konformität und Rebellion an einem exklusiven Internat in Neuengland in
den 1950er-Jahren. Der Film wurde für vier Oscars nominiert, darunter für den besten
Film und die beste Regie. Er gewann den Oscar für das Beste Originaldrehbuch
und verhalf den jungen Schauspielern Ethan Hawke und Robert Sean Leonard
zum Durchbruch.
„Ich ging in die Wälder, denn ich wollte wohl überlegt
leben. Intensiv leben wollte ich, das Mark des Lebens in mich aufsaugen, um
alles auszurotten, was nicht lebend war. Damit ich nicht in der Todesstunde
inne würde, dass ich gar nicht gelebt hatte.“ Diese Zeilen aus Henry David
Thoreaus (1817–1862) Buch „Walden oder Leben in den Wäldern“ steht
als Leitspruch für Peter Weirs „Der Club der toten Dichter“, der
wunderbar aufzeigt, wie schwierig es ist, sich mit einer eigenen Persönlichkeit
von der Masse abzuheben und ein Leben ganz nach seiner eigenen Bestimmung zu
führen. Dabei bietet das Drama alles auf, was zur intellektuellen wie
seelischen Ertüchtigung notwendig ist. Das fängt mit dem restriktiven,
rückwärtsgewandten Internat an, das alles versucht, um die jungen Männer nach
konservativen Werten und Tugenden zu formen, und Abweichungen von der Norm hart
bestraft. Es genügt ein aufmerksamer, engagierter Freigeist im Lehrkörper, um
die starren Bahnen des Lehrstoffs aufzubrechen und das individuelle Potenzial
seiner Schüler freizulegen und zu fördern. Das gelingt bei den selbstbewussten
Neil und Knox nahezu augenblicklich, bei dem schüchternen Todd braucht es schon
stete Ermunterung, bis auch er aus dem Schatten seines Bruders, der zu den
besten Absolventen von Welton gehört, heraustreten und für sich selbst sprechen
kann. Das Oscar-prämierte Drehbuch von Tom Schulman wartet mit einer
Menge stimulierender Gedichte der großen Romantiker auf, lässt den „Club der
toten Dichter“ zu einer eingeschworenen Gemeinschaft werden und darf als
Plädoyer für eine Ausbildung jenseits konventioneller Lehranstalten verstanden
werden, um die Persönlichkeit zu formen. Auch wenn hier etwas oberflächlich in
Schweißweiß-Kategorien gedacht wird, fasziniert Weirs Drama als Hommage
an die großen romantischen Dichter und die Kraft der Poesie. Das ist wunderbar
fotografiert und adäquat mit dem fesselnden Score von Maurice Jarre („Fearless
– Jenseits der Angst“, „Lawrence von Arabien“) untermalt.
Weirs „Green Card“ (1990) brachte ihm für sein
Original-Drehbuch eine Oscar-Nominierung ein und präsentiert eine an sich
klassische RomCom vor einem ungewöhnlichen Hintergrund und spielt mit seinem
Humor ganz auf die kulturellen, aber auch persönlichen Unterschiede zwischen
seinen beiden Protagonisten ab. Während Gérard Depardieu („Camille
Claudel“, „Cyrano De Bergerac“) in seiner ersten Hollywood-Arbeit sich
sichtlich wohl in der Rolle des temperamentvollen Franzosen fühlt, verleiht Andie
MacDowell („… und täglich grüßt das Murmeltier“, „Vier Hochzeiten und
ein Todesfall“) ihrer spröden Figur die nötige Portion sinnlichen Charme,
um sie für Georges attraktiv zu machen und auch das Publikum für sich
einzunehmen. Das gelingt Brontë nämlich weniger durch ihr soziales Engagement
für benachteiligte Kinder in den Slums, für die sie mit Phil, seinen Freunden
und den Kindern Gärten in Hinterhöfen anlegt, sondern eher durch ihre
zurückhaltende Art, mit denen sie ihre Vorurteile gegen den forschen Franzosen
mit Leidenschaft fürs Kochen allmählich ablegt – ebenso wie Georges mit der
Zeit feststellen muss, dass er durch Brontë ein Gefühl für Heimat entwickelt.
Zwar bedient sich Peter Weir („Die Truman Show“, „Master and
Commander“) der üblichen Klischees bei der Völkerverständigung, doch findet
er stets amüsante und wenig aufgesetzte Varianten, damit zu spielen und sie so
wirklich komisch wirken zu lassen. Auch wenn die Story und Inszenierung ganz
auf die beiden charismatischen Hauptdarsteller ausgelegt ist, überzeugen auch
der übrige Cast in oft nur wenig ausdifferenzierten Nebenrollen, vor allem aber
der reduziert arrangierte, sehr melodische Score von Hollywood-Star Hans
Zimmer („Gladiator“, „Hannibal“).
„Fearless – Jenseits der Angst“ (1993) kehrte zu
düstereren Themen zurück und zeigte Jeff Bridges in der Rolle eines
Mannes, der nach einem schweren Flugzeugabsturz glaubt, unbesiegbar zu sein.
Nach einem Drehbuch von
Rafael Yglesias („From
Hell“, „Dark Water – Dunkle Wasser“), der auch für die Romanvorlage
verantwortlich gewesen ist, inszenierte
Peter Weir ein Drama rund um
dramatische Nahtoderfahrungen. Dabei beleuchtet er nicht nur die Auswirkungen
eines traumatischen Flugzeugabsturzes auf die betroffenen Passagiere, sondern
auch ihr Umfeld, das sich auf Anwälte auf der Jagd nach Schadensersatzansprüchen
ebenso erstreckt wie auf Therapeuten und vor allem Familienangehörige. Die
Randfiguren wie der von
John Turturro („Barton Fink“, „Quiz Show“)
gespielte Therapeut und der von
Tom Hulce („Amadeus“, „Eine
Wahnsinnsfamilie“) verkörperte Rechtsanwalt reißen die Aspekte der
psychologischen Betreuung und der juristischen Konsequenzen aus einem solchen
Unglück aber nur an, zudem können weder
Turturro noch
Hulce ihren
Rollen überzeugend Profil verleihen. Da auch
Isabella Rossellini („Blue
Velvet“, „Seitensprünge“) als Max‘ Frau unterfordert bleibt, liegt es
allein an
Jeff Bridges („The Big Lebowski“, „König der Fischer“)
und
Rosie Perez („Night on Earth“, „Real Love“), dem Drama
emotionales Gewicht zu verleihen.
Peter Weir bleibt in seiner
Inszenierung dicht an den Figuren, hebt die Betroffenheit, Hilflosigkeit und
Sorge der Angehörigen ebenso hervor wie die öffentliche Aufmerksamkeit und das
Gefühl der Überlebenden, eine Grenze überschritten zu haben. Beim etwas
überdramatisierten Finale mögen sich zwar die Geister scheiden, doch insgesamt
ist
Weir vor allem dank seiner hervorragenden Hauptdarsteller und der
eigenen feinsinnigen Inszenierungskunst ein starkes Drama gelungen, das einmal
mehr von
Maurice Jarre angenehm unaufdringlich vertont worden ist.
Nach fünf Jahren kehrte Weir mit seinem bis dato
größten Erfolg zurück: „Die Truman Show“ (1998), eine Fantasy-Satire
über die Kontrolle des Lebens durch die Medien mit Jim Carrey in der
Hauptrolle. „Die Truman Show“ war sowohl an den Kinokassen als auch bei
den Kritikern ein Erfolg und erhielt positive Kritiken sowie zahlreiche
Auszeichnungen, darunter drei Oscar-Nominierungen: für Andrew Niccol (Bestes
Originaldrehbuch), Ed Harris (Bester Nebendarsteller) und Weir
selbst (Beste Regie).
Der von Jim Carrey verkörperte
Versicherungsangestellte Truman weiß nicht, dass er seit seiner Geburt vor
dreißig Jahren der Star der höchst erfolgreichen Serie „The Truman Show“ ist,
in der er – unwissentlich – der Star ist und die von Christof (Ed Harris)
produziert wird. Seine Frau, die immer wieder ausgewählte Produkte in die
Kamera hält und anpreist (und mit dem Product Placement die Finanzierung der
Show sicherstellt) ist ebenso eingeweiht wie Trumans bester Kumpel Marlon (Noah
Emmerich). Während Truman vergeblich versucht, die Stadtgrenzen zu
überqueren, wird er immer öfter Zeuge von mysteriösen Zufällen wie Regengüsse,
die nur ihn treffen, oder Fahrstühle, hinter denen sich Menschen verbergen.
Christof versucht natürlich, mit allen Mitteln Trumans Nachforschungen zu
unterbinden, damit die Show wie gewohnt weiterlaufen kann…
Mit seinem Drehbuch für
„Die Truman Show“ geht
Andrew
Niccol („Gattaca“, „S1m0ne“) dem vor allem philosophisch
interessanten Gedankengang nach, inwiefern wir wirklich sind, wer wir zu sein
glauben, und wie real ist die Welt, in der wir leben. Was ist Konstrukt, was
Wirklichkeit?
„Die Truman Show“ ist allerdings alles andere als schwer
verdauliche Gehirnkost. Zwar wird früh offenbart, dass Trumans Leben sich in
aller Öffentlichkeit abspielt, wenn es 24 Stunden lang, siebe Tage die Woche
von 5000 Kameras eingefangen und live in die Wohnstuben der Fernsehzuschauer
übertragen wird, doch die Story ist ganz auf Truman abgestimmt und seine
Wahrnehmung seiner Umgebung, seine Erinnerungen an den tragischen Tod seines
Vaters, aber auch an die geheimnisvolle Schöne, die er auf den Fidschi-Inseln
aufspüren will.
Peter Weir verwebt Trumans Eindrücke aber immer wieder
mit Szenen aus dem Kontrollraum des Studios, wo Christof und sein Team
jederzeit gegensteuern können, wenn eine Sache aus dem Ruder zu laufen droht,
Truman also mitbekommt, dass sein Leben nur das Konstrukt eines
Fernsehproduzenten ist. Allzu tief steigt der Film aber nicht in die
philosophische Betrachtung ein, sondern lässt
Jim Carrey immer wieder
die Möglichkeit, sein komisches Talent auszuspielen, ohne sich zum Affen zu
machen. Interessant ist, wie echt seine Umgebung wirkt, so dass man als
Zuschauer nicht umhinkommt, darüber nachzudenken, wie es wäre, wenn man selbst
in einer konstruierten Welt aufwächst, und wie stark die eigene Identität
überhaupt ausgeprägt sein kann, wenn die äußere Umgebung so manipulativ um
einen herum errichtet worden ist.
Peter Weir findet die richtige Balance
zwischen Drama und Komödie, zwischen leichtem und nachdenklichem Ton, wobei
Jim
Carrey durch einen hervorragenden Cast ergänzt wird.
2003 kehrte Weir mit „Master and Commander – Bis
ans Ende der Welt“ mit Russell Crowe in der Hauptrolle zum
Historiendrama zurück. Die Verfilmung verschiedener Episoden aus Patrick
O’Brians erfolgreicher Abenteuerserie, die während der Napoleonischen
Kriege spielt, wurde von der Kritik gut aufgenommen, erzielte beim breiten
Publikum jedoch nur mäßigen Erfolg. Der Film wurde für den Oscar als Bester
Film nominiert und gewann zwei Oscars – für die Kameraarbeit seines
langjährigen Mitarbeiters Russell Boyd und für den Tonschnitt.
Weir präsentiert dagegen einen klassischen
Abenteuerfilm vor dem historischen Hintergrund von Napoleons Bemühungen, die
Welt zu erobern. Nur mit den nötigsten Informationen über die H.M.S.
Surprise und ihre Mission in einer Texteinblendung versehen, startet der
Film direkt auf dem Schiff und einer möglichen Sichtung eines feindlichen
Schiffes im Nebel. Fortan fangen Weir und sein Hauskameramann Russell
Boyd das hektische Treiben auf engstem Raum auf und unter Deck ein, wobei
sich Aubrey als gewiefter Taktiker erweist, der geschickt Möglichkeiten
entwickelt, es mit einem größeren, mannstärkeren und schnelleren Schiff
aufzunehmen. Die Jagd nach der Acheron bildet den dramaturgischen Faden
der Geschichte, aber Weir bleibt ausnahmslos bei der Crew der Surprise,
womit das Publikum vertrauter mit den tragenden Figuren der Handlung wird.
Besonders ergreifend ist das Schicksal des jungen Fähnrichs Blakeney (Max
Pirkis), dem im Laudanum-Rausch ein Arm amputiert wird, der aber aufgeweckt
genug ist, um Maturin bei seinen Forschungen zu assistieren. Einmal mehr
befasst sich Weir mit einem Mann, der entscheiden muss, inwieweit er
über das Schicksal seiner ihm anvertrauten Männer bestimmen kann - die
eigentlich nur nach Hause wollen -, denn sein Ehrgeiz, die Mission zu erfüllen,
treibt ihn dazu an, auch Versprechen seinem Freund gegenüber zu brechen. Das
aufwändig inszenierte See-Abenteuer fesselt mit dramatischer Action und für das
Genre ungewohnt starken Dialogen. Mit Russell Crowe („Gladiator“, „A
Beautiful Mind“) und Paul Bettany („Creation“, „Legion“) stehen
zudem zwei gut aufeinander abgestimmte Darsteller im Zentrum, die die Story
mühelos tragen.
In den 2000er-Jahren entwickelte Weir mehrere weitere
Projekte, die jedoch nie realisiert wurden, darunter eine Adaption von
„The
War Magician“ mit
Tom Cruise, eine Adaption von
Robert Kursons
Roman
„Shadow Divers“, frühe Entwicklungsphasen eines geplanten
„Shantaram“-Films
mit
Johnny Depp in der Hauptrolle sowie eine Adaption von
William
Gibsons Science-Fiction-Roman
„Pattern Recognition“.
Peter Weir hat 2010 mit „The Way Back“ die 1952
erschienenen Memoiren des polnischen Gulag-Insassen Slavomir Rawicz
verfilmt und beschreibt mit seinem packenden Epos die abenteuerliche, wenn auch
historisch nicht unumstrittene Flucht einer ungleichen Schicksalsgemeinschaft
über 6.500 Kilometer von Sibirien nach Indien. Ähnlich wie schon mit seinen
Filmen „Die Truman Show“, „Ein Jahr in der Hölle“ oder „Der Club der
toten Dichter“ lässt Weir seine Protagonisten ihre vertraute Welt
verlassen, damit sie unter größten Entbehrungen ihre Freiheit finden und sich
dabei von gesellschaftlichen Fesseln befreien. „The Way Back“ fängt
zunächst Stalins skrupelloses Bestreben ein, den Kommunismus in die Welt zu
tragen, präsentiert die unmenschlichen Zustände im sibirischen
Strafgefangenenlager und nimmt sich dann sehr viel Zeit, die zigtausend Meilen
andauernde Wanderung der Schicksalsgemeinschaft aus verschiedenen Ländern
Richtung Süden in die Freiheit zu schildern. Weirs versierter Stammkameramann
Russell Boyd fängt dabei die klaustrophobische, von Gewalt geprägte
Atmosphäre im Straflager ebenso gekonnt ein wie die unterschiedlichen
Landstriche. Mit wundervollen Landschaftsaufnahmen sengend heißer Wüsten und
schneebedeckter Berge wartet „The Way Back“ mit interessanten Kontrasten
auf, die sich in den unterschiedlichen Persönlichkeiten in der Truppe
widerspiegeln. Weir verzichtet dabei auf übertriebenes Pathos,
melodramatische Musik und große Gesten. Er bleibt dicht bei seinen Figuren,
stellt ihre Ängste, aber vor allem ihren Überlebenswillen in den Mittelpunkt
seines angenehm konventionell inszenierten Dramas, in dem gestandene Mimen wie Ed
Harris, Mark Strong und Colin Farrell ebenso überzeugen wie die
junge Saoirse Ronan und die Schar unbekannter osteuropäischer
Darsteller.
2012 wurde berichtet, dass Weir im folgenden Jahr
sein eigenes Drehbuch zu Jennifer Egans Gothic-Thriller „The Keep“
verfilmen und in Europa drehen würde. Weir beschrieb das Projekt als „im
Grunde … einen Studiofilm“. Im Laufe der Jahre wurde er jedoch, ohne dass dies
offiziell bekannt gegeben wurde, zunehmend als „im Ruhestand“ bezeichnet.
Nachdem ihm 2022 der Ehrenoscar für sein Lebenswerk
zuerkannt wurde, bestätigte er in einem seiner seltenen Interviews seinen
Ruhestand.
„Für Filmregisseure gibt es, wie für Vulkane, drei
Hauptstadien: aktiv, ruhend und erloschen. Ich glaube, ich habe das letztere
erreicht! Eine neue Generation ruft schon ‚Action‘ und ‚Cut‘ – viel Glück!“ Er
berichtete, dass er seinen Ruhestand mit Besuchen antiker Ruinen und
Schlachtfelder sowie mit Tauchgängen zu den Schiffswracks aus dem Zweiten
Weltkrieg in der Truk-Lagune verbracht habe.
Im Jahr 2024 erhielt er auch auf den Filmfestspielen von
Venedig einen Ehrenpreis für sein Lebenswerk.
Filmografie:
Im Laufe des folgenden Jahrzehnts avancierte Zsigmond
zu einem der gefragtesten Kameramänner Hollywoods. Zu den wichtigsten Filmen,
die er in den 1970er-Jahren drehte, zählen John Boormans „Beim
Sterben ist jeder der Erste“, Altmans „Der Tod kennt keine Wiederkehr“
und Brian De Palmas „Schwarzer Engel“ sowie Steven Spielbergs
„Sugarland Express“ und „Unheimliche Begegnung der dritten Art“.
Für letzteren Film erhielt er bei der 50. Oscarverleihung den Oscar für die
Beste Kamera.
1981: Blow Out – Der Tod löscht alle Spuren (Blow Out) 
