Playlist #445 vom 22.03.2026 - PETER WEIR Special

Mit sechs Oscar-Nominierungen für seine Arbeiten an Filmen wie „Der Club der toten Dichter“, „Die Truman Show“ und „Der einzige Zeuge“ zählt Peter Weir zu den prominentesten australischen Filmemachern und wurde 2022 verdientermaßen mit einem Ehrenoscar für sein Lebenswerk ausgezeichnet. Da lag sein letzter Film „The Way Back“ (2010) bereits zwölf Jahre zurück. Grund genug, Peter Weir mit einer Retrospektive zu ehren. Schließlich hat er auch bei der Auswahl der Musik für seine Filme stets ein gutes Händchen bewiesen. In dieser Sendung gibt es neben der original für seine Werke komponierten Musik von Bruce Smeaton, Maurice Jarre, Iva Davis, Christopher Gordon, Hans Zimmer und Burkhard Dallwitz auch verwendete Tracks von Vangelis, Jean Michel Jarre, Philip Glass, Tomaso Albinoni, Beethoven und Mozart zu hören. 

Peter Weir wurde am 21. August 1944 in Sydney geboren und besuchte das Scots College und die Vaucluse Boys High School, bevor er an der Universität Sydney Kunst und Jura studierte. Sein Interesse am Film wurde durch die Begegnung mit Kommilitonen geweckt, darunter Phillip Noyce und die späteren Mitglieder des Sydneyer Filmkollektivs Ubu Films.

Nach seinem Universitätsabschluss Mitte der 1960er Jahre begann er beim Sydneyer Fernsehsender ATN-7 als Produktionsassistent für die bahnbrechende satirische Comedy-Sendung „The Mavis Bramston Show“. Während dieser Zeit drehte Weir mit den Einrichtungen des Senders seine ersten beiden experimentellen Kurzfilme „Count Vim's Last Exercise“ und „The Life and Flight of Reverend Buck Shotte“.

Bei der Commonwealth Film Unit drehte Weir mehrere Dokumentarfilme sowie einen Spielfilm.

Mit dem Kurzfilm „Three Directions in Australian Pop Music“ (1972) fasste Weir Konzertaufnahmen von drei der bedeutendsten Rockbands aus Melbourne jener Zeit zusammen: Spectrum, The Captain Matchbox Whoopee Band und Wendy Saddington. Weirs letzte größere Arbeit für die CFU befasste sich mit einem benachteiligten Vorort von Sydney, „Whatever Happened to Green Valley“ (1973). Dabei wurden die Bewohner eingeladen, eigene Filmsequenzen zu drehen.

Weirs erster großer Independentfilm war der Kurzfilm „Homesdale“ (1971), eine schräge schwarze Komödie. Für seinen nächsten, ersten abendfüllenden Spielfilm ließ sich Weir von einem Pressebericht inspirieren, den Weir über zwei junge Engländerinnen gelesen hatte, die während einer Autoreise in Frankreich verschwunden waren. „Die Autos, die Paris auffraßen“ (1974) war eine Low-Budget-Komödie um eine Stadt, die ihre Existenz der fragwürdigen, doch allgemein anerkannten Praxis verdankt, verunglückte Autos und ihre Insassen auszuschlachten, und überzeugte weniger durch komplex gezeichnete Figuren und einen dramatischen Plot, sondern durch ihre außergewöhnliche Ausgangsidee einer zutiefst amoralischen Gesellschaft, die ungeniert Gewinn aus dem Schaden anderer Leute zieht, und Peter Weirs ausdrucksstarke Bildsprache.

Der Film war in den Kinos nur mäßig erfolgreich, erfreute sich aber großer Beliebtheit in den damals florierenden Autokinos.

Mit diesem Film, zusammen mit dem früheren „Homesdale“, etablierte Weir das thematische Grundmuster, das sein gesamtes Schaffen prägte: Fast alle seine Spielfilme handeln von Menschen, die in eine Krise geraten, nachdem sie auf die eine oder andere Weise von der Gesellschaft isoliert wurden – sei es physisch („Der einzige Zeuge“, „Mosquito Coast“, „Die Truman Show“, „Master and Commander“), sozial/kulturell („Picknick am Hanging Rock“, „Die letzte Flut“, „Der Club der toten Dichter“, „Green Card“) oder psychisch („Fearless“).

Weirs großer Durchbruch in Australien und international gelang ihm mit dem opulenten, atmosphärischen Historienfilm „Picknick am Valentinstag“ (1975), der mit erheblicher Unterstützung der staatlich geförderten South Australian Film Corporation entstand und in Südaustralien und im ländlichen Victoria gedreht wurde. Basierend auf dem Roman von Joan Lindsay und angesiedelt um die Jahrhundertwende, erzählt der Film die angeblich wahre Geschichte einer Gruppe Schülerinnen eines exklusiven Mädcheninternats, die am Valentinstag 1900 auf mysteriöse Weise während eines Schulausflugs verschwinden. Der Film gilt weithin als Schlüsselwerk der australischen Filmrenaissance Mitte der 1970er-Jahre und war der erste australische Film seiner Zeit, der sowohl von der Kritik gefeiert als auch international in den Kinos gezeigt wurde.

Bereits im Prolog vermittelt Peter Weir seinem Publikum die Botschaft, dass bei einem Picknick am Valentinstag einige Mädchen spurlos verschwunden sind. Und trotzdem entfaltet die Geschichte eine Sogwirkung, die einfach grandios inszeniert ist. Die hypnotisch-flirrenden Bilder von Kameramann Russell Boyd („Forever Young“, „Master & Commander“) gehen mit den mystischen Panflötenklängen von Gheorghe Zamfir und dem verträumten Piano-Score von Bruce Smeaton eine stimmige Symbiose ein, die das Verschwinden der Mädchen wirklich zu einem übernatürlichen Ereignis werden lässt. Interessant kreiert Weir aber auch die Gegensätze zwischen der wilden, unberechenbaren Natur und den strengen Regeln in einem viktorianischen Mädcheninternat. Während die Frage nach dem Verbleib der Mädchen unbeantwortet bleibt, sind die darauffolgenden Ereignisse im Internat nur allzu vorhersehbar. Peter Weir gelingt es, die Geschehnisse hier und dort eindringlich miteinander zu verbinden.

Weirs nächster Film „Die letzte Flut“ (1977) war ein übernatürlicher Thriller über einen Mann, der von furchterregenden Visionen einer drohenden Naturkatastrophe heimgesucht wird. Der Film mit dem amerikanischen Schauspieler Richard Chamberlain in der Hauptrolle, der dem australischen und internationalen Publikum als Titelheld der beliebten Fernsehserie „Dr. Kildare“ bestens bekannt war, erzählt die Geschichte von Dr. Kildare. „Die letzte Flut“ war ein nachdenkliches, ambivalentes Werk, das die Themen von „Picknick am Valentinstag“ aufgriff und die Interaktionen zwischen der Kultur der Aborigines und der europäischen Kultur erforschte.

In erster Linie als Justizdrama ausgelegt, verlagert sich der Film zunehmend auf die Frage, inwieweit der weiße Anwalt auch die Gabe der Prophezeiung besitzt. Peter Weir hat die Problematik des Zusammenlebens zwischen den beiden Gesellschaftsformen ebenso subtil thematisiert wie die bedrohlichen Naturphänomene in Form von sintflutartigen Regenfällen, Hagelschauern und anderen typisch apokalyptischen Zeichen, wobei Richard Chamberlain überzeugend den skeptischen Beobachter darstellt.

Zwischen „Die letzte Flut“ und seinem nächsten Spielfilm schrieb und inszenierte Weir den ungewöhnlichen Low-Budget-Fernsehfilm „Wenn der Klempner kommt“ (1979). In den Hauptrollen waren die australischen Schauspieler Judy Morris und Ivar Kants zu sehen; die Dreharbeiten dauerten nur drei Wochen. Inspiriert von einer Erzählung von Freunden, ist es eine schwarze Komödie über eine Frau, deren Leben durch einen subtil bedrohlichen Klempner aus den Fugen gerät.

Mit seinem nächsten Film, dem historischen Abenteuerdrama „Gallipoli“ (1981), landete Weir einen großen australischen Erfolg und erntete weiteres internationales Lob. Das Drehbuch stammte vom australischen Dramatiker David Williamson; der Film gilt als Klassiker des australischen Kinos und trug maßgeblich dazu bei, Mel Gibson („Mad Max“) zum Superstar zu machen.

Peter Weir inszeniert den Großteil seines Dramas als ausgelassenen Abenteuerfilm, indem sich die Freunde, die sich freiwillig für den Einsatz australischer und neuseeländischer Truppen im Kampf gegen die mit den Nazis verbündeten Türken gemeldet haben, selbst bei ihren ersten Übungen in Ägypten noch lachend in die Arme fallen. Doch je näher die Geschosse der Türken an ihrem Gefechtsstand einschlagen, desto mehr wird ihnen der tödliche Ernst der Lage bewusst. Weir schürt ihr bewusst Ressentiments gegen die britischen Offiziere, die die australischen Truppen rücksichtslos gegen die gut in den Stellungen liegenden Türken verheizen. Auch wenn Weir damit über das Ziel hinausschießen mag, ist ihm mit „Gallipoli“ ein eindringliches Drama über eine Männerfreundschaft und die Sinnlosigkeit des Krieges gelungen, das zudem mit Jean-Michel Jarres Musik aus „Oxygene“ und das Tomaso Albinoni zugeschriebene „Adagio in g-Moll“ interessant vertont worden ist.

Der Höhepunkt von Weirs früher Karriere war die 6 Millionen Dollar teure multinationale Produktion „Ein Jahr in der Hölle“ (1982), in der erneut Gibson die Hauptrolle spielte, diesmal an der Seite von Hollywood-Star Sigourney Weaver. Der Film erzählt eine Geschichte über journalistische Loyalität, Idealismus, Liebe und Ehrgeiz im turbulenten Indonesien Sukarnos im Jahr 1965. Es handelte sich um eine Adaption des Romans von Christopher Koch, der teilweise auf den Erlebnissen von Kochs Bruder Philip, dem Journalisten Philip, beruhte. Philip war Jakarta-Korrespondent der ABC und einer der wenigen westlichen Journalisten in der Stadt während des Putschversuchs von 1965. Der Film brachte Linda Hunt (die im Film einen Mann spielte) einen Oscar als Beste Nebendarstellerin ein.

Der Film konzentriert sich nicht nur auf die romantische Beziehung, die sich zwischen dem Reporter und der Botschaftsangestellten anbahnt, sondern vor allem auf die Rolle, in der sich Hamilton selbst in dem ausbrechenden Bürgerkrieg sieht, ob er bereit ist, größere Opfer zu bringen, als es beispielsweise seine Kollegen tun, die sich allein auf die Berichterstattung aus sicherer Entfernung und diverse Ablenkungen beschränken. Allzu tief dringt das Drama dabei freilich nicht in die politischen Dimensionen des Bürgerkriegs ein. Vielmehr thematisiert Weir den immerwährenden universalen Konflikt zwischen (gesellschafts-)politischen Ereignissen und der Berichterstattung darüber.

Weirs erster amerikanischer Film war der erfolgreiche Thriller „Der einzige Zeuge“ (1985), der erste von zwei Filmen, die er mit Harrison Ford drehte. Er handelt von einem Jungen, der Zeuge des Mordes an einem verdeckten Polizisten durch korrupte Kollegen wird und sich daraufhin in seiner Amischen Gemeinde verstecken muss, um ihn zu schützen. Weir führte Regie bei Fords einziger Performance, die ihm eine Oscar-Nominierung einbrachte, während auch Kinderstar Lukas Haas für sein Filmdebüt viel Lob erhielt. „Der einzige Zeuge“ brachte Weir zudem seine erste Oscar-Nominierung als Bester Regisseur ein und war der erste von mehreren Filmen, die für den Oscar als Bester Film nominiert wurden – später gewann er zwei Oscars für den Besten Schnitt und das Beste Originaldrehbuch.

Es folgte der düsterere, weniger kommerzielle Film „Mosquito Coast“ (1986) nach einem Drehbuch von Paul Schrader („Taxi Driver“, „Katzenmenschen“), basierend auf Paul Theroux’ Roman.

„Mosquito Coast“ zeigt zunächst eine US-amerikanische Welt auf, die typisch für die westliche Zivilisation ist, eine Welt, in der Waren möglichst billig aus dem fernen Osten importiert werden und das Wohl des Einzelnen über dem der Gemeinschaft steht. Dass Allie Fox, dessen Erfindungen nur müde belächelt werden, weil sie keinen schnellen ökonomischen Nutzen bieten, dieser kapitalistischen Welt entfliehen möchte, lässt sich durchaus nachvollziehen. Interessant ist, dass er dieses Vorhaben so radikal und ohne Rücksicht auf die Bedürfnisse seiner Familie umsetzt und im tiefsten Dschungel den Eingeborenen das Leben noch luxuriöser bereiten möchte. Das verläuft natürlich nicht nach Plan, denn zum einen bekommt es Allie mit dem missionarischen Eifer eines Weißen zu tun, zum anderen mit rücksichtslosen Guerilla-Kämpfern, die Allies Errungenschaften drohen zunichtezumachen. Spätestens durch die Konfrontation mit dem Unwägbaren kippt die Stimmung, und Allie wird zum schwer erträglichen Tyrannen, unter dem vor allem seine Familie zu leiden hat. Weirs Fähigkeit und Faible, Eskapismus, Esoterik und Naturverbundenheit mit psychologischem Schrecken zu verbinden, wie er es in seinen in den 1970er Jahre entstandenen Filmen zum Ausdruck brachte, kommt auch in „Mosquito Coast“ zum Tragen.

Harrison Ford überzeugt dabei als leidenschaftlicher Kämpfer für die gute Sache, der allerdings über das Ziel hinausschießt, und die Konzentration auf die Dialoge, mit denen die Konflikte ausgetragen werden, machen „Mosquito Coast“ nicht gerade zugänglich. Doch als Drama, das den Kontrast zwischen Naturvölkern und vermeintlich fortschrittlichen Zivilisten zuspitzt, funktioniert der Film wunderbar.

Weirs nächster Film „Der Club der toten Dichter“ (1989) war ein internationaler Erfolg und präsentierte Robin Williams in der ungewohnten Rolle eines inspirierenden Lehrers in einer dramatischen Geschichte über Konformität und Rebellion an einem exklusiven Internat in Neuengland in den 1950er-Jahren. Der Film wurde für vier Oscars nominiert, darunter für den besten Film und die beste Regie. Er gewann den Oscar für das Beste Originaldrehbuch und verhalf den jungen Schauspielern Ethan Hawke und Robert Sean Leonard zum Durchbruch.

„Ich ging in die Wälder, denn ich wollte wohl überlegt leben. Intensiv leben wollte ich, das Mark des Lebens in mich aufsaugen, um alles auszurotten, was nicht lebend war. Damit ich nicht in der Todesstunde inne würde, dass ich gar nicht gelebt hatte.“ Diese Zeilen aus Henry David Thoreaus (1817–1862) Buch „Walden oder Leben in den Wäldern“ steht als Leitspruch für Peter Weirs „Der Club der toten Dichter“, der wunderbar aufzeigt, wie schwierig es ist, sich mit einer eigenen Persönlichkeit von der Masse abzuheben und ein Leben ganz nach seiner eigenen Bestimmung zu führen. Dabei bietet das Drama alles auf, was zur intellektuellen wie seelischen Ertüchtigung notwendig ist. Das fängt mit dem restriktiven, rückwärtsgewandten Internat an, das alles versucht, um die jungen Männer nach konservativen Werten und Tugenden zu formen, und Abweichungen von der Norm hart bestraft. Es genügt ein aufmerksamer, engagierter Freigeist im Lehrkörper, um die starren Bahnen des Lehrstoffs aufzubrechen und das individuelle Potenzial seiner Schüler freizulegen und zu fördern. Das gelingt bei den selbstbewussten Neil und Knox nahezu augenblicklich, bei dem schüchternen Todd braucht es schon stete Ermunterung, bis auch er aus dem Schatten seines Bruders, der zu den besten Absolventen von Welton gehört, heraustreten und für sich selbst sprechen kann. Das Oscar-prämierte Drehbuch von Tom Schulman wartet mit einer Menge stimulierender Gedichte der großen Romantiker auf, lässt den „Club der toten Dichter“ zu einer eingeschworenen Gemeinschaft werden und darf als Plädoyer für eine Ausbildung jenseits konventioneller Lehranstalten verstanden werden, um die Persönlichkeit zu formen. Auch wenn hier etwas oberflächlich in Schweißweiß-Kategorien gedacht wird, fasziniert Weirs Drama als Hommage an die großen romantischen Dichter und die Kraft der Poesie. Das ist wunderbar fotografiert und adäquat mit dem fesselnden Score von Maurice Jarre („Fearless – Jenseits der Angst“, „Lawrence von Arabien“) untermalt.

Weirs „Green Card“ (1990) brachte ihm für sein Original-Drehbuch eine Oscar-Nominierung ein und präsentiert eine an sich klassische RomCom vor einem ungewöhnlichen Hintergrund und spielt mit seinem Humor ganz auf die kulturellen, aber auch persönlichen Unterschiede zwischen seinen beiden Protagonisten ab. Während Gérard Depardieu („Camille Claudel“, „Cyrano De Bergerac“) in seiner ersten Hollywood-Arbeit sich sichtlich wohl in der Rolle des temperamentvollen Franzosen fühlt, verleiht Andie MacDowell („… und täglich grüßt das Murmeltier“, „Vier Hochzeiten und ein Todesfall“) ihrer spröden Figur die nötige Portion sinnlichen Charme, um sie für Georges attraktiv zu machen und auch das Publikum für sich einzunehmen. Das gelingt Brontë nämlich weniger durch ihr soziales Engagement für benachteiligte Kinder in den Slums, für die sie mit Phil, seinen Freunden und den Kindern Gärten in Hinterhöfen anlegt, sondern eher durch ihre zurückhaltende Art, mit denen sie ihre Vorurteile gegen den forschen Franzosen mit Leidenschaft fürs Kochen allmählich ablegt – ebenso wie Georges mit der Zeit feststellen muss, dass er durch Brontë ein Gefühl für Heimat entwickelt. Zwar bedient sich Peter Weir („Die Truman Show“, „Master and Commander“) der üblichen Klischees bei der Völkerverständigung, doch findet er stets amüsante und wenig aufgesetzte Varianten, damit zu spielen und sie so wirklich komisch wirken zu lassen. Auch wenn die Story und Inszenierung ganz auf die beiden charismatischen Hauptdarsteller ausgelegt ist, überzeugen auch der übrige Cast in oft nur wenig ausdifferenzierten Nebenrollen, vor allem aber der reduziert arrangierte, sehr melodische Score von Hollywood-Star Hans Zimmer („Gladiator“, „Hannibal“).

„Fearless – Jenseits der Angst“ (1993) kehrte zu düstereren Themen zurück und zeigte Jeff Bridges in der Rolle eines Mannes, der nach einem schweren Flugzeugabsturz glaubt, unbesiegbar zu sein.

Nach einem Drehbuch von Rafael Yglesias („From Hell“, „Dark Water – Dunkle Wasser“), der auch für die Romanvorlage verantwortlich gewesen ist, inszenierte Peter Weir ein Drama rund um dramatische Nahtoderfahrungen. Dabei beleuchtet er nicht nur die Auswirkungen eines traumatischen Flugzeugabsturzes auf die betroffenen Passagiere, sondern auch ihr Umfeld, das sich auf Anwälte auf der Jagd nach Schadensersatzansprüchen ebenso erstreckt wie auf Therapeuten und vor allem Familienangehörige. Die Randfiguren wie der von John Turturro („Barton Fink“, „Quiz Show“) gespielte Therapeut und der von Tom Hulce („Amadeus“, „Eine Wahnsinnsfamilie“) verkörperte Rechtsanwalt reißen die Aspekte der psychologischen Betreuung und der juristischen Konsequenzen aus einem solchen Unglück aber nur an, zudem können weder Turturro noch Hulce ihren Rollen überzeugend Profil verleihen. Da auch Isabella Rossellini („Blue Velvet“, „Seitensprünge“) als Max‘ Frau unterfordert bleibt, liegt es allein an Jeff Bridges („The Big Lebowski“, „König der Fischer“) und Rosie Perez („Night on Earth“, „Real Love“), dem Drama emotionales Gewicht zu verleihen. Peter Weir bleibt in seiner Inszenierung dicht an den Figuren, hebt die Betroffenheit, Hilflosigkeit und Sorge der Angehörigen ebenso hervor wie die öffentliche Aufmerksamkeit und das Gefühl der Überlebenden, eine Grenze überschritten zu haben. Beim etwas überdramatisierten Finale mögen sich zwar die Geister scheiden, doch insgesamt ist Weir vor allem dank seiner hervorragenden Hauptdarsteller und der eigenen feinsinnigen Inszenierungskunst ein starkes Drama gelungen, das einmal mehr von Maurice Jarre angenehm unaufdringlich vertont worden ist.

Nach fünf Jahren kehrte Weir mit seinem bis dato größten Erfolg zurück: „Die Truman Show“ (1998), eine Fantasy-Satire über die Kontrolle des Lebens durch die Medien mit Jim Carrey in der Hauptrolle. „Die Truman Show“ war sowohl an den Kinokassen als auch bei den Kritikern ein Erfolg und erhielt positive Kritiken sowie zahlreiche Auszeichnungen, darunter drei Oscar-Nominierungen: für Andrew Niccol (Bestes Originaldrehbuch), Ed Harris (Bester Nebendarsteller) und Weir selbst (Beste Regie).

Der von Jim Carrey verkörperte Versicherungsangestellte Truman weiß nicht, dass er seit seiner Geburt vor dreißig Jahren der Star der höchst erfolgreichen Serie „The Truman Show“ ist, in der er – unwissentlich – der Star ist und die von Christof (Ed Harris) produziert wird. Seine Frau, die immer wieder ausgewählte Produkte in die Kamera hält und anpreist (und mit dem Product Placement die Finanzierung der Show sicherstellt) ist ebenso eingeweiht wie Trumans bester Kumpel Marlon (Noah Emmerich). Während Truman vergeblich versucht, die Stadtgrenzen zu überqueren, wird er immer öfter Zeuge von mysteriösen Zufällen wie Regengüsse, die nur ihn treffen, oder Fahrstühle, hinter denen sich Menschen verbergen. Christof versucht natürlich, mit allen Mitteln Trumans Nachforschungen zu unterbinden, damit die Show wie gewohnt weiterlaufen kann…

Mit seinem Drehbuch für „Die Truman Show“ geht Andrew Niccol („Gattaca“, „S1m0ne“) dem vor allem philosophisch interessanten Gedankengang nach, inwiefern wir wirklich sind, wer wir zu sein glauben, und wie real ist die Welt, in der wir leben. Was ist Konstrukt, was Wirklichkeit? „Die Truman Show“ ist allerdings alles andere als schwer verdauliche Gehirnkost. Zwar wird früh offenbart, dass Trumans Leben sich in aller Öffentlichkeit abspielt, wenn es 24 Stunden lang, siebe Tage die Woche von 5000 Kameras eingefangen und live in die Wohnstuben der Fernsehzuschauer übertragen wird, doch die Story ist ganz auf Truman abgestimmt und seine Wahrnehmung seiner Umgebung, seine Erinnerungen an den tragischen Tod seines Vaters, aber auch an die geheimnisvolle Schöne, die er auf den Fidschi-Inseln aufspüren will. Peter Weir verwebt Trumans Eindrücke aber immer wieder mit Szenen aus dem Kontrollraum des Studios, wo Christof und sein Team jederzeit gegensteuern können, wenn eine Sache aus dem Ruder zu laufen droht, Truman also mitbekommt, dass sein Leben nur das Konstrukt eines Fernsehproduzenten ist. Allzu tief steigt der Film aber nicht in die philosophische Betrachtung ein, sondern lässt Jim Carrey immer wieder die Möglichkeit, sein komisches Talent auszuspielen, ohne sich zum Affen zu machen. Interessant ist, wie echt seine Umgebung wirkt, so dass man als Zuschauer nicht umhinkommt, darüber nachzudenken, wie es wäre, wenn man selbst in einer konstruierten Welt aufwächst, und wie stark die eigene Identität überhaupt ausgeprägt sein kann, wenn die äußere Umgebung so manipulativ um einen herum errichtet worden ist. Peter Weir findet die richtige Balance zwischen Drama und Komödie, zwischen leichtem und nachdenklichem Ton, wobei Jim Carrey durch einen hervorragenden Cast ergänzt wird.

2003 kehrte Weir mit „Master and Commander – Bis ans Ende der Welt“ mit Russell Crowe in der Hauptrolle zum Historiendrama zurück. Die Verfilmung verschiedener Episoden aus Patrick O’Brians erfolgreicher Abenteuerserie, die während der Napoleonischen Kriege spielt, wurde von der Kritik gut aufgenommen, erzielte beim breiten Publikum jedoch nur mäßigen Erfolg. Der Film wurde für den Oscar als Bester Film nominiert und gewann zwei Oscars – für die Kameraarbeit seines langjährigen Mitarbeiters Russell Boyd und für den Tonschnitt.

Weir präsentiert dagegen einen klassischen Abenteuerfilm vor dem historischen Hintergrund von Napoleons Bemühungen, die Welt zu erobern. Nur mit den nötigsten Informationen über die H.M.S. Surprise und ihre Mission in einer Texteinblendung versehen, startet der Film direkt auf dem Schiff und einer möglichen Sichtung eines feindlichen Schiffes im Nebel. Fortan fangen Weir und sein Hauskameramann Russell Boyd das hektische Treiben auf engstem Raum auf und unter Deck ein, wobei sich Aubrey als gewiefter Taktiker erweist, der geschickt Möglichkeiten entwickelt, es mit einem größeren, mannstärkeren und schnelleren Schiff aufzunehmen. Die Jagd nach der Acheron bildet den dramaturgischen Faden der Geschichte, aber Weir bleibt ausnahmslos bei der Crew der Surprise, womit das Publikum vertrauter mit den tragenden Figuren der Handlung wird. Besonders ergreifend ist das Schicksal des jungen Fähnrichs Blakeney (Max Pirkis), dem im Laudanum-Rausch ein Arm amputiert wird, der aber aufgeweckt genug ist, um Maturin bei seinen Forschungen zu assistieren. Einmal mehr befasst sich Weir mit einem Mann, der entscheiden muss, inwieweit er über das Schicksal seiner ihm anvertrauten Männer bestimmen kann - die eigentlich nur nach Hause wollen -, denn sein Ehrgeiz, die Mission zu erfüllen, treibt ihn dazu an, auch Versprechen seinem Freund gegenüber zu brechen. Das aufwändig inszenierte See-Abenteuer fesselt mit dramatischer Action und für das Genre ungewohnt starken Dialogen. Mit Russell Crowe („Gladiator“, „A Beautiful Mind“) und Paul Bettany („Creation“, „Legion“) stehen zudem zwei gut aufeinander abgestimmte Darsteller im Zentrum, die die Story mühelos tragen.

In den 2000er-Jahren entwickelte Weir mehrere weitere Projekte, die jedoch nie realisiert wurden, darunter eine Adaption von „The War Magician“ mit Tom Cruise, eine Adaption von Robert Kursons Roman „Shadow Divers“, frühe Entwicklungsphasen eines geplanten „Shantaram“-Films mit Johnny Depp in der Hauptrolle sowie eine Adaption von William Gibsons Science-Fiction-Roman „Pattern Recognition“.

Peter Weir hat 2010 mit „The Way Back“ die 1952 erschienenen Memoiren des polnischen Gulag-Insassen Slavomir Rawicz verfilmt und beschreibt mit seinem packenden Epos die abenteuerliche, wenn auch historisch nicht unumstrittene Flucht einer ungleichen Schicksalsgemeinschaft über 6.500 Kilometer von Sibirien nach Indien. Ähnlich wie schon mit seinen Filmen „Die Truman Show“, „Ein Jahr in der Hölle“ oder „Der Club der toten Dichter“ lässt Weir seine Protagonisten ihre vertraute Welt verlassen, damit sie unter größten Entbehrungen ihre Freiheit finden und sich dabei von gesellschaftlichen Fesseln befreien. „The Way Back“ fängt zunächst Stalins skrupelloses Bestreben ein, den Kommunismus in die Welt zu tragen, präsentiert die unmenschlichen Zustände im sibirischen Strafgefangenenlager und nimmt sich dann sehr viel Zeit, die zigtausend Meilen andauernde Wanderung der Schicksalsgemeinschaft aus verschiedenen Ländern Richtung Süden in die Freiheit zu schildern. Weirs versierter Stammkameramann Russell Boyd fängt dabei die klaustrophobische, von Gewalt geprägte Atmosphäre im Straflager ebenso gekonnt ein wie die unterschiedlichen Landstriche. Mit wundervollen Landschaftsaufnahmen sengend heißer Wüsten und schneebedeckter Berge wartet „The Way Back“ mit interessanten Kontrasten auf, die sich in den unterschiedlichen Persönlichkeiten in der Truppe widerspiegeln. Weir verzichtet dabei auf übertriebenes Pathos, melodramatische Musik und große Gesten. Er bleibt dicht bei seinen Figuren, stellt ihre Ängste, aber vor allem ihren Überlebenswillen in den Mittelpunkt seines angenehm konventionell inszenierten Dramas, in dem gestandene Mimen wie Ed Harris, Mark Strong und Colin Farrell ebenso überzeugen wie die junge Saoirse Ronan und die Schar unbekannter osteuropäischer Darsteller.

2012 wurde berichtet, dass Weir im folgenden Jahr sein eigenes Drehbuch zu Jennifer Egans Gothic-Thriller „The Keep“ verfilmen und in Europa drehen würde. Weir beschrieb das Projekt als „im Grunde … einen Studiofilm“. Im Laufe der Jahre wurde er jedoch, ohne dass dies offiziell bekannt gegeben wurde, zunehmend als „im Ruhestand“ bezeichnet.

Nachdem ihm 2022 der Ehrenoscar für sein Lebenswerk zuerkannt wurde, bestätigte er in einem seiner seltenen Interviews seinen Ruhestand.

„Für Filmregisseure gibt es, wie für Vulkane, drei Hauptstadien: aktiv, ruhend und erloschen. Ich glaube, ich habe das letztere erreicht! Eine neue Generation ruft schon ‚Action‘ und ‚Cut‘ – viel Glück!“ Er berichtete, dass er seinen Ruhestand mit Besuchen antiker Ruinen und Schlachtfelder sowie mit Tauchgängen zu den Schiffswracks aus dem Zweiten Weltkrieg in der Truk-Lagune verbracht habe.

Im Jahr 2024 erhielt er auch auf den Filmfestspielen von Venedig einen Ehrenpreis für sein Lebenswerk.

Filmografie:

1971: Three to Go

1971: Homesdale

1973: Whatever Happened to Green Valley? (Dokumentarfilm)

1974: Die Autos, die Paris auffraßen (The Cars That Ate Paris)

1975: Picknick am Valentinstag (Picnic at Hanging Rock)

1977: Die letzte Flut (The Last Wave)

1979: Wenn der Klempner kommt (The Plumber)

1981: Gallipoli

1982: Ein Jahr in der Hölle (The Year of Living Dangerously)

1985: Der einzige Zeuge (Witness)

1986: Mosquito Coast

1989: Der Club der toten Dichter (Dead Poets Society)

1990: Green Card – Schein-Ehe mit Hindernissen (Green Card)

1993: Fearless – Jenseits der Angst (Fearless)

1998: Die Truman Show (The Truman Show)

2003: Master and Commander – Bis ans Ende der Welt (Master and Commander: The Far Side of the World)

2010: The Way Back – Der lange Weg (The Way Back)

 

Playlist: 

01. Gheorge Zamfir - Doina Sus Pe Culmea Dealului (Picnic at Hanging Rock) - 04:08 

02. Jean Michel Jarre - Oxygene - Part II (Gallipoli) - 08:08 

03. Vangelis - L'Enfant (The Year Living Dangerously) - 05:02 

04. Maurice Jarre - Keating's Triumph (Dead Poets Society) - 05:59 

05. Bruce Smeaton - Ascent Theme (Picnic at Hanging Rock) - 04:22 

06. Edvard Grieg - Peer Gynt Suite No. 1, Op. 46: II. The Death of Ase (The Plumber) - 04:32 

07. Maurice Jarre - Kwan (The Year Living Dangerously) - 07:06 

08. Maurice Jarre - Futility Of An Inside Job / Delerious John (Witness) - 03:08 

09. Jean Michel Jarre - Oxygene - Part IV (Gallipoli) - 04:14 

10. Maurice Jarre - Allie's Theme (Mosquito Coast) - 08:11 

11. Kronos Quartet & Dumisani Maraire - Mai Nozipo (Fearless) - 06:58 

12. Gheorge Zamfir - Doina Lui Petru Unc (Picnic at Hanging Rock) - 04:03 

13. Brian Bennett - Darkside (The Plumber) - 02:54 

14. Tomaso Albinoni - Adagio Per Archi E Organo In Sol Minore (Gallipoli) - 05:50 

15. Wolfgang Amadeus Mozart - Clarinet Concerto In A Major: Adagio (Green Card) - 08:37 

16. Philip Glass - Anthen - Part 2 (The Truman Show) - 03:49 

17. Burkhard Dallwitz - Underground / Storm (The Truman Show) - 03:37 

18. Iva Davies, Christopher Gordon & Richard Tognetti - The Far Side of the World (Master and Commander: The Far Side of the World) - 09:19 

19. Hans Zimmer - Instinct (Green Card) - 03:33 

20. Burkhard Dallwitz - Tibet (The Way Back) - 05:26 

21. Ludwig van Beethoven - Piano Concerto No. 5 (Op. 73) - Adagio Un Poco Mosso (Picnic at Hanging Rock) - 08:53

Playlist #444 vom 08.03.2026 - Neuheiten 2026 (1)

Herzlich willkommen zu meiner ersten Präsentation neuer Soundtracks im noch jungen Jahr 2026! Heute stehen einmal mehr Scores im Mittelpunkt, die zu Produktionen von Streaming-Diensten und -Studios wie Netflix, HBO, Amazon Prime und Hulu entstanden sind. Hier bekommen sowohl Filmemacher als auch Komponisten immer wieder interessante Möglichkeiten geboten, abseits ausgetretener Pfade des modernen Hollywood-Kinos etwas andere Geschichten zu erzählen und diese entsprechend zu vertonen. Mit dabei sind diesmal neben renommierten Veteranen wie Danny Elfman, Thomas Newman, John Debney und Bruce Broughton viele junge Talente wie Anne Nikitin, Nainita Desai, Anthony Willis, Emilie Levienaise-Farrouch und Federico Jusid. 

Der isländische Komponist Atli Örvarsson hat zusammen mit seinen Kollegen Kjartan Holm & Sin Fang die Musik zur sechsteiligen schwedischen Serie „VAKA“ beigesteuert, die von der Ausbreitung einer tödlichen Schlaflosigkeits-Epidemie in der schwedischen Hauptstadt Stockholm handelt.

Zu den Protagonisten zählt ein in Ungnade gefallener Pfarrer, der die Krise bewältigen und sich um seinen Sohn kümmern muss, während eine Krankenschwester alles daransetzt, ihren Liebhaber zu retten.

Basierend auf Julia Quinns gleichnamiger Romanreihe hat sich die US-amerikanische Netflix-Serie „Bridgerton“ zu einem Dauerrenner entwickelt. Mittlerweile ist die überwiegend im Londoner Stadtteil Mayfair im frühen 19. Jahrhundert spielende Serie in der vierten Staffel und im Jahr 1816 angekommen. Nach wie vor sind hier junge Damen und Herren der High Society auf den Bällen auf der Suche nach einer geeigneten Heiratspartie, wobei der Rang der Debütantinnen vom Urteil der britischen Königin und dem Klatsch der geheimnisvollen Lady Whistledown abhängt. Auf einem Maskenball seiner Mutter ist Benedict Bridgerton sofort verzaubert von einer Dame in Silber, die ihm vor Mitternacht entflieht. Während er anschließend lange nach ihr sucht, entbrennt zugleich Leidenschaft für die Magd Sophie Baek, ohne dass er ahnt, dass sie dieselbe Frau ist. Die einfühlsame Musik komponierte wie in den Staffeln zuvor Kris Bowers.

Die National-Geographic-Dokumentation „Von Pol zu Pol mit Will Smith“ folgt dem Rapper, Schauspieler und Filmproduzenten auf einer außergewöhnlichen Expedition über rund 40.000 Kilometer - vom Südpol bis zum Nordpol. In sieben Etappen erkundet er Regionen, die zu den ursprünglichsten und zugleich anspruchsvollsten Lebensräumen unseres Planeten zählen, von den glitzernden Eislandschaften der Antarktis, wo extreme Kälte und weite Stille den Rhythmus vorgeben, über den Amazonas, den Himalaya, abgelegene Pazifikinseln, die Kalahari-Wüste bis zur Arktis. Jede Station hält für Will Smith Erfahrungen bereit, die Anpassung erfordern, aber auch Mut und Offenheit für das Unbekannte. Unterlegt wird die Doku-Serie mit der wuchtigen, aber auch ruhigen Musik von Benjamin Wallfisch und Chris Egan.

Es folgen Cues aus fiktionalen Fernsehserien wie „Stranger Things“, „The Night Manager“, „The Lincoln Lawyer“, „A Thousand Blows“ und „Hijack“.

Nach „Promising Young Woman“ und „Saltburn“ arbeiten Autorenfilmer Emerald Fennell und Komponist Anthony Willis bei „Wuthering Heights“, einer losen Adaption von Emily Brontës vielfach verfilmten Klassiker „Sturmhöhe“ ein drittes Mal zusammen. Margot Robbie und Jacob Elordi spielen die Hauptrollen in diesem erotisch aufgeladenen Drama, das mehr durch seine sinnlichen Reize als seinen Inhalt besticht. Robie verkörpert das von ihrem lebenslustigen, gutmütigen Vater verhätschelte Mädchen Catherine. Sie wächst mit ihrem Steifbruder Heathcliff auf, den Catherines Vater während einer Geschäftsreise in Liverpool von den Straßen auflas und adoptierte, und entwickelt zu ihm eine Seelenverwandtschaft, die auf eine harte Probe gestellt wird, als die Stiefgeschwister erwachsen sind und die Familie finanziell am Ende ist. Als Catherine den wohlhabenden Nachbarn Edgar Linton heiratet, bricht sie Heathcliff das Herz…

Thomas Newman steuerte die feinsinnige Musik zu dem Science-Fiction-Drama „In the Blink of an Eye“ bei. Andrew Stantons Film folgt Menschen in drei miteinander verwobenen Handlungssträngen.

Während in der Frühzeit der Menschheit eine aus ihrer Heimat vertriebene Neandertalerfamilie ums Überleben kämpft, untersucht in der Gegenwart die Anthropologin Claire urzeitliche Überreste und beginnt eine Beziehung mit ihrem Kollegen Greg. Zwei Jahrhunderte später bekämpft Coakley auf einem Raumschiff auf dem Weg zu einem anderen Planeten eine Pflanzenkrankheit.

„Murder in Monaco“ ein Netflix-Dokumentarfilm von Hodges Ursry und untersucht die rätselhaften Umstände des Mordes an dem wohlhabenden Finanzier Edmond Safra im Jahr 1999.

„Die Filmmusik zu ,Mord in Monaco‘ wurde als moderne, kammermusikalische Antwort auf eine komplexe True-Crime-Geschichte konzipiert“, erzählt die Komponistin Nainita Desai über ihre Arbeit an dem Film. „Sie ist in Ted Mahers psychologischer und emotionaler Reise verankert und zeichnet seinen Weg von der plötzlichen Verhaftung über die Haft und Flucht bis hin zur Verurteilung nach. Von Anfang an war die Musik darauf ausgelegt, Ernsthaftigkeit mit Witz und Dynamik in Einklang zu bringen und so nicht nur die Schwere der Ereignisse, sondern auch die Intrige und die dunkle Ironie des Films widerzuspiegeln. Die Musik, die auf einem kantigen, zeitgenössischen Streichquartett basiert, das in den Abbey Road Studios in London aufgenommen wurde, entführt das Publikum in eine Welt des Reichtums, des Glamours und der Widersprüche – einen Raum, in dem Macht, Inszenierung und Privilegien die Grenze zwischen Wahrheit und Theater verwischen. Das Quartett fungiert als Erzähler und Gewissen zugleich und wurde aufgrund seiner Präzision, Intimität und seines Gespürs für psychologische Nuancen ausgewählt. Anstatt als traditionelle dramatische Kulisse zu dienen, wird es zu einem prägnanten Erzählmotor, der agil genug ist, um zwischen Verdacht, Ironie und Spannung zu wechseln. Kurze rhythmische Figuren, Pizzicato-Gesten und unruhige Ostinati treiben die Ermittlungen voran und erzeugen ein Gefühl ständiger Bewegung – ein Katz-und-Maus-Spiel, in dem Gewissheit stets unerreichbar bleibt. Die begrenzte Besetzung des Quartetts spiegelt die beengten Schauplätze und die enge zwischenmenschliche Dynamik des Films wider, während die rhythmische Flexibilität der Musik einen fließenden Übergang zwischen Ermittlung, Anklage und Konsequenz ermöglicht. Die Spannung wird durch subtile harmonische Verschiebungen und sich entwickelnde Klangfarben aufrechterhalten, die durch Anhäufung und Zurückhaltung statt durch offene Zurschaustellung entstehen.“

Playlist:

01. Atli Örvarsson, Kjartan Holm & Sin Fang - It's the Only Way (VAKA) - 03:12 

02. Kris Bowers - A Simple Dance Lesson (Bridgerton - Season Four) - 04:26 

03. Benjamin Wallfisch & Chris Egan - Self Doubt (Pole to Pole With Will Smith) - 03:11 

04. Dan Romer - One Final Spell (Stranger Things - The Orchestral Cues) - 04:58 

05. Federico Jusid - Sophie's Methods (A Thousand Blows - Season 2) - 02:58 

06. Federico Jusid - Zero Balance (The Night Manager - Season 2) - 03:40 

07. Kevon Cronin - The Only Way to End It (Hostile Takeover) - 03:05 

08. Nathan Barr - Ciara Meets Jane (56 Days) - 03:25 

09. David Buckley - The Last Ascent (Greenland 2) - 07:07 

10. David Buckley - Exhibit A (Unknown) (The Lincoln Lawyer) - 03:01 

11. Ramin Djawadi - Clean Your Name (Mercy) - 03:58 

12. Danny Elfman - Linda at Home (Send Help) - 02:00 

13. Anthony Willis - Wuthering Heights Suite (Wuthering Heights) - 04:28 

14. Emilie Levienaise-Farrouch - Mabel Suite (H Is For Hawk) - 05:03 

15. Thomas Newman - Golden Acorn (In the Blink of an Eye) - 07:25 

16. Eric Neveux - Le temps immobile (L'Affaire Laura Stern) - 03:22 

17. Garrett Crosby - Confrontation (A Room Called Home) - 06:09 

18. Oscar Fogelström - Slut pa Grannfejden (Grannfejden) - 05:42 

19. Anne Nikitin - Nature Boy (Pangolin - Kulu's Journey) - 03:27 

20. Anne Nikitin - Overestimated Me (Agatha Christie's Seven Seals) - 02:29 

21. Anne Nikitin - Sam Nelson's Theme (Hijack - Seasons 1 & 2) - 03:06 

22. Nainita Desai - On the Balance of Probability (Murder in Monaco) - 02:44 

23. Bear McCreary - The Grand Cistern (God of War - Sons of Sparta) - 03:50 

24. Geoff Zanelli - Who's Ready to Save the Future (Good Luck, Have Fun, Don't Die) - 03:21 

25. Mac Quayle - Clues On the Phone (His & Hers) - 04:27 

26. Philippe Rombi - L'attaque du train (Les Enfants de la Résistance) - 04:05 

27. John Debney & Bruce Broughton - Death of Eliza (The Gray House) - 03:34 

28. Hildur Guðnadóttir - The Bone Temple (28 Years Later - The Bone Temple) - 06:23

29. Sean Murray - End Titles (Thieves Highway) - 07:04

Playlist #443 vom 22.02.2026 - MICHELLE YEOH Special

Das chinesische Publikum hatte Michelle Yeoh bereits Mitte der 1990er Jahre mit Hauptrollen in Filmen wie „In the Line of Duty – Ultra Force 2“, „Police Story 3“ und „Wing Chun“ erobert. Seit ihrem bemerkenswerten Auftritt als chinesische Agentin in „James Bond 007 – Der Morgen stirbt nie“ (1997) ist sie auch den internationalen Kinogängern ein Begriff und begeisterte weltweit ihr Publikum mit Auftritten in „Tiger and Dragon“ (2000), „Die Geisha“ (2005), „Die Mumie: Das Grabmal des Drachenkaisers“ (2008) und „The Lady“ (2011). Nachdem sie 2022 als erste Schauspielerin asiatischer Abstammung mit dem Oscar für die beste Hauptrolle in „Everything Everywhere All at Once“ ausgezeichnet wurde, erhielt sie kürzlich bei der 76. Berlinale den Goldenen Ehrenbären für ihr Lebenswerk. Grund genug, ihre Arbeit in der folgenden Sendung mit Musik von Komponisten wie John Williams, David Arnold, Tan Dun, Eric Serra, Jeff Russo, Shigeru Umebayashi, Mark Isham u.v.a. zu würdigen.

Michelle Yeoh wurde am 6. August 1962 im malaysischen Ipoh als Tochter von Nachkommen chinesischer Einwanderer geboren. Bereits in frühen Jahren betrieb sie etliche Sportarten wie Schwimmen, Tauchen und Squash, erhielt ab ihrem vierten Lebensjahr Ballettunterricht, später auch in Klavier und Kalligrafie. Nachdem sie im Alter von 15 Jahren ein Internat in England besuchte hatte, studierte sie an der London Royal Academy of Dance im Hauptfach Ballett, doch musste sie eine angestrebte Ballettkarriere nach einem schweren Sturz mit einer Verletzung an der Wirbelsäule aufgeben. Stattdessen erwarb sie 1982 einen Bachelor in „Creative Arts“ mit dem Nebenfach Schauspiel. Während Yeoh eigentlich ihre Ausbildung in England fortsetzen wollte, meldete ihre Mutter sie ohne ihr Wissen bei einem Schönheitswettbewerb an, worauf sie zur Miss Malaysia 1983 gewählt wurde. In dieser Funktion diente sie als auch als Goodwill-Botschafterin für ihr Land und lernte dabei in Hongkong den Geschäftsmann Dickson Poon kennen, der sie für zwei Werbespots engagierte, wo sie zusammen mit Chow Yun-fat und Jackie Chan auftrat.

Poon engagierte sie im Jahr 1984 für eine Rolle in Sammo Hungs Actionkomödie „The Owl vs. Dumbo“, der von D&B Films, dem kürzlich gegründeten Filmstudio von Poon, produziert wurde. Hier hatte sie noch eine typische Frauenrolle ohne Action. Allerdings wünschte sie sich bereits zu dieser Zeit Rollen mit Action-Szenen zu spielen, wie Sammo Hung in diesem Film, womit sich D&B Films einverstanden erklärte. Als Vorbereitung auf den nächsten Film trainierte Yeoh intensiv Kung Fu. Im Jahr 1985 trat sie in einer Cameo-Rolle in Jackie Chans und Sammo Hungs Actionkomödie „Tokyo Powerman“ auf, in der sie ihren ersten Kampf vor der Kamera hatte.

In „Ultra Force 2“ (1985) hatte Yeoh zusammen mit Cynthia Rothrock ihren ersten großen Auftritt. Sie spielte eine furchtlose Polizistin und drehte zahlreiche Stunts. Der Film beeinflusste nicht nur das Geschlechterverhältnis in Hongkong, sondern machte Yeoh auf einen Schlag bekannt und begründete sowohl das „Girls With Guns“-Genre als auch die Filmreihe „In the Line of Duty“, sodass in Hongkong nach einem ähnlichen Handlungsmuster mehr als 100 weitere Polizeifilme mit Frauen in den Hauptrollen entstanden.

In „Magnificent Warriors“ (1987) spielte Yeoh eine Pilotin, die zur Zeit der japanischen Besetzung Chinas Waffen über die Frontlinien schmuggelt und die Widerstandsbewegung gegen die Japaner unterstützt. Aufgrund von Verletzungen verzichtete sie im folgenden Film „Easy Money“ (1987) in ihrer Rolle auf Actionelemente. Im Jahr 1988 heiratete Yeoh den Produzenten und Multimillionär Poon und gab auf sein Drängen hin ihre Filmkarriere auf, die sie nach der Scheidung im Jahr 1992 aber wieder mit einem gelungenen Comeback in „Police Story 3“ fortsetzte.

In den folgenden Jahren trat sie in einer Vielzahl von Wuxia-Filmen auf, darunter „The Heroic Trio“ (1993), „Executioners“ (1994), „Butterfly & Sword“, „Wing Chun“ und zusammen mit Jet Li in „Tai Chi Master“. Des Weiteren spielte sie in den Action-Filmen „Holy Weapon“, „Wonder Seven“, „Ah Kam“ und „Project S“ mit, außerdem in dem Drama „The Soong Sisters“.

Im Jahr 1997 spielte Yeoh den chinesischen Oberst Wai Lin im Film „James Bond 007 – Der Morgen stirbt nie“ neben Pierce Brosnan. Yeoh gilt damit als das kampfstärkste und aktivste Bondgirl, das jemals in der Serie um den britischen Geheimagenten auftrat. Sie trug damit erheblich zur Modernisierung von James Bond bei, der in den 1980er Jahren unter anderem wegen seines Sexismus kritisiert wurde. Der internationale Durchbruch blieb jedoch zunächst aus, Yeoh bekam wider Erwarten trotz des Auftritts als Bondgirl keine Filmangebote aus Hollywood.

Erst im Jahr 2000 gelang ihr mit ihrer Darstellung der Schwertkämpferin Yu Shu Lien in Ang Lees Wuxia-Film „Tiger and Dragon“ ein erneuter internationaler Erfolg.

Im Jahr 2005 war Yeoh in der von Steven Spielberg produzierten Romanverfilmung „Die Geisha“ in der Rolle der prominenten Geisha Mameha zu sehen. Der Film löste sowohl im chinesischen als auch im japanischen Raum Kontroversen fast bis zum Skandal aus, da sämtliche japanischen Hauptcharaktere von chinesischen Schauspielerinnen (Michelle Yeoh, Gong Li, Zhang Ziyi) dargestellt wurden.

In Luc Bessons Filmbiographie „The Lady“ (2011) verkörperte Yeoh die Friedensnobelpreisträgerin Aung San Suu Kyi. Der Film feierte am 12. September 2011 auf dem Toronto International Film Festival seine Premiere. Im Zusammenhang mit diesem Film konnte sie die von ihr porträtierte Aung San Suu Kyi einmal besuchen, aber ein zweiter Besuch in Myanmar wurde ihr verweigert. Die Schauspielerin wurde im Flughafen von Rangun an der Einreise gehindert und umgehend ausgewiesen.

Sie trat weiterhin in Hongkong und dem chinesischen Kino auf und spielte in „True Legend“ und „Reign of Assassins“ (beide 2010), „Crouching Tiger, Hidden Dragon: Sword of Destiny (2016) und „Master Z: Ip Man Legacy“ (2018).

Yeoh spielte Nebenrollen in den romantischen Komödien „Crazy Rich Asians“ (2018) und „Last Christmas“ (2019) sowie in dem Marvel Cinematic Universe-Film „Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings“ (2021) und der Fernsehserie „Star Trek: Discovery“ (2017–2020). Ihre stimmschauspielerische Arbeit umfasste „Kung Fu Panda 2“ (2011), „Minions: The Rise of Gru“ und „Paws of Fury: The Legend of Hank“ (beide 2022), „Transformers: Rise of the Beasts“ (2023) und „The Tiger's Apprentice“ (2024)

Im Jahr 2023 gewann sie für ihre Hauptrolle der Evelyn Wang in dem Fantasy-Abenteuerfilm „Everything Everywhere All at Once“ einen Golden Globe Award sowie einen Oscar.

Yeoh war 2023 in der Disney+-Serie „American Born Chinese“ zu sehen, die auf dem gleichnamigen Buch von Gene Luen Yang basiert. Sie spielte als psychisches Medium neben Kenneth Branagh in dessen „A Haunting in Venice“ (2023). Im selben Jahr wurde Yeoh Mitglied des Internationalen Olympischen Komitees und hielt eine Rede an die Klasse 2023 der Harvard Law School.

Im Januar 2024 war Yeoh in der achtteiligen Netflix-Action-Comedy-Serie „The Brothers Sun“ zu sehen. Sie spielt seitdem als Madame Morrible in der zweiteiligen Verfilmung des Musicals „Wicked“ unter der Regie von Jon M. Chu. Im Jahr 2025 schloss sich Yeoh der englischsprachigen Besetzung des animierten chinesischen Blockbusters „Ne Zha 2“ an und sprach eine Hauptfigur in der Version von A24 und CMC Pictures.

Im Mai 2024 wurde Yeoh in einer Hauptrolle als Replikant neben Hunter Schafer in der Amazon Science-Fiction-Fernsehserie „Blade Runner 2099“ besetzt. Sie wird auch als Humanwissenschaftlerin Dr. Karina Mogue in „Avatar 4“ und „Avatar 5“ zu sehen sein. Im November 2025 gaben die Internationalen Filmfestspiele Berlin bekannt, dass sie Yeoh 2026 den Goldenen Ehrenbären in Anerkennung ihrer herausragenden Leistungen in Film und Kino verleihen werden.

Filmografie:

1984: The Owl vs. Dumbo (Mao tou ying yu xiao fei xiang)

1985: Tokyo Powerman

1985: Powerman 2 (Xia ri fu xing)

1985: In the Line of Duty – Ultra Force 2 (Yes, Madam, Police Assassins 2)

1986: In the Line of Duty – Ultra Force (Royal Warriors, Police Assassins)

1987: Easy Money (Tong tian da dao)

1987: Dynamite Fighters (Zungwaa Zinsi, international auch Magnificent Warriors)

1992: Police Story 3 (Gingchaat goosi III: Chiukup gingchaat)

1993: The Heroic Trio (Dung fong sam hap)

1993: Butterfly & Sword

1993: Project S

1993: Wuxia qi gongzhu (Holy Weapon)

1993: Executioners

1993: Tai Chi

1994: Wing Chun – Gefährlich wie eine Pantherkatze (Wing Chun)

1994: Phantom Seven (Wonder Seven)

1996: Ah Kam

1997: The Soong Sisters (Song jia huang chao)

1997: James Bond 007 – Der Morgen stirbt nie (Tomorrow Never Dies)

1999: Sing yuet tung wa

2000: Tiger and Dragon (Wohu canglong)

2002: The Touch

2004: Silver Hawk

2005: Die Geisha (Memoirs of a Geisha)

2006: Fearless

2007: Sunshine

2007: Far North

2008: Die Mumie: Das Grabmal des Drachenkaisers (The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor)

2008: Babylon A.D.

2008: Die Kinder der Seidenstraße (The Children of Huang Shi)

2010: True Legend (Su Qi’er)

2010: Dark Stone – Reign of Assassins (Jianyu)

2010: Rose wie Paris (Rose, c'est Paris, Fernsehfilm)

2010: The Karate Kid (Cameo)

2011: The Lady

2011: Kung Fu Panda 2 (Stimme)

2013: Final Recipe

2015: Strike Back (Fernsehserie, 9 Folgen)

2015: Marco Polo: One Hundred Years (Fernsehfilm)

2016: Mechanic: Resurrection

2016: Das Morgan Projekt (Morgan)

2016: Marco Polo (Fernsehserie, 7 Folgen)

2016: Crouching Tiger, Hidden Dragon: Sword of Destiny

2017: Guardians of the Galaxy Vol. 2

2017–2020: Star Trek: Discovery (Fernsehserie, 25 Folgen)

2018: Crazy Rich (Crazy Rich Asians)

2018: Star Trek: Short Treks (Fernsehserie, 1 Folge)

2018: Master Z: The Ip Man Legacy

2019: Last Christmas

2020: Boss Level

2021: Gunpowder Milkshake

2021: Shang-Chi and the Legend of the Ten Rings

2022: Everything Everywhere All at Once

2022: Minions – Auf der Suche nach dem Mini-Boss (Minions: The Rise of Gru, Stimme)

2022: Paws of Fury: The Legend of Hank (Stimme)

2022: The School for Good and Evil

2022: The Witcher: Blood Origin (Miniserie)

2023: American Born Chinese (Fernsehserie, 8 Folgen)

2023: Transformers: Aufstieg der Bestien (Transformers: Rise of the Beasts, Stimme)

2023: A Haunting in Venice

2024: The Brothers Sun (Fernsehserie, 8 Folgen)

2024: Wicked

2024: The Tiger's Apprentice

2025: Star Trek: Sektion 31

2024-2025: Ark: The Animated Series (Fernsehserie, 13 Folgen)

2025: Wicked: Teil 2 (Wicked: For Good)

 

Playlist:

 

01. David Arnold - Company Car (James Bond 007 - Tomorrow Never Dies) - 03:36 

02. Tan Dun - Through the Bamboo Forest (Crouching Tiger, Hidden Dragon) - 04:23 

03. Basil Poledouris - Memories of Days Gone (The Touch) - 03:12 

04. Kitaro & Randy Miller - Echoing Wall (The Soong Sisters) - 04:41  

05. Shigeru Umebayashi - A Long Road Home (Fearless) - 04:20 

06. John Murphy - Sunshine [Adagio in D Minor] (Sunshine) - 04:28 

07. David Hirschfelder - Brave & Beautiful / Arrival Lanchow (The Children of Huang Shi) - 04:02 

08. Randy Edelman - Reading of the Scrolls (The Mummy - Tomb of the Dragon Emperor) - 03:56 

09. Shigeru Umebayashi - Hit Battle (True Legend) - 03:21 

10. Atli Örvarsson - Aurora's Theme (Babylon A.D.) - 04:02 

11. Clinton Shorter - Wait For Me (Boss Level) - 03:03 

12. Eric Serra - Nobel Peace Price 1991 (The Lady) - 03:10 

13. Peter Nashel - Yusuf's Farewell (Marco Polo) - 03:19 

14. John Williams - Becoming a Geisha (Memoirs of a Geisha) - 04:52 

15. Max Richter - Sketch #1 - Morgan (Morgan) - 03:24 

16. Brian Tyler - Parallel Decisions (Crazy Rich Asians) - 04:36 

17. Shigeru Umebayashi - This Is Our Story / Your Mother Is My Teacher (Crouching Tiger, Hidden Dragon - Sword of Destiny) - 03:47 

18. Mark Isham - Tattoos, Trackers and Shark Repellent (Mechanic: Resurrection) - 03:57 

19. Basil Poledouris - Healing of Hearts (The Touch) - 03:20 

20. Jeff Russo - The Day Is Saved (Star Trek: Discovery) - 03:10 

21. Son Lux - Very Busy (Everything Everywhere All at Once) - 05:09 

22. Nathan Matthew David & Nick Lee - The Kiss (The Brothers Sun) - 03:05 

23. Hildur Guðnadóttir - Money in the Mattress (A Haunting In Venice) - 04:19 

24. Tan Dun - The Eternal Vow (Crouching Tiger, Hidden Dragon) - 03:01 

25. John Williams - Sayuri's Theme and End Credits (Memoirs of a Geisha) - 05:06 

26. Jeff Russo - Philippa Returns (Star Trek: Section 31) - 03:16 

27. Scott Shields - Killing the Love (Strike Back) - 03:29 

28. Shigeru Umebayashi - Fearless Men / Theme of Yuanjia and Moon (Fearless) - 04:26 

29. David Hirschfelder - End Credits (The Children of Huang Shi) - 09:51

Playlist #442 vom 08.02.2026 - DAVID SHIRE Special

David Shire zählte in den 1970er Jahren mit seinen Arbeiten zu Francis Ford Coppolas „Der Dialog“ (1974) und Filmen wie „Stoppt die Todesfahrt der U-Bahn 123“ (1974), „Die Hindenburg“ (1975), „Fahr zur Hölle, Liebling“ (1975) und „Die Unbestechlichen“ (1976) zu den profiliertesten Komponisten in Hollywood, aber auch bei Musik-Filmen und Musicals wie „Saturday Night Fever“, „Baby“ und „Big“ bewies Shire seine Könnerschaft. In der heutigen Sendung gibt es vor allem seine Filmmusik nicht nur zu den eingangs erwähnten Werken, sondern auch zu dem fürs Fernsehen gedrehte Remake des Hitchcock-Klassikers „Das Fenster zum Hof“ (1998), Peter Hyams‘ „2010: Das Jahr, in dem wir Kontakt aufnehmen“ (1984) und David Finchers „Zodiac – Die Spur des Killers“ (2007) zu hören.

David Shire wurde am 3. Juli 1937 in Buffalo, New York, als Sohn von Esther Miriam (geb. Sheinberg) und Irving Daniel Shire, einem Bandleader und Klavierlehrer der Buffaloer Gesellschaftskapelle, geboren. An der Yale University lernte er seinen langjährigen Theaterpartner, den Liedtexter und Regisseur Richard Maltby Jr., kennen. Gemeinsam schrieben sie die Musicals „Cyrano“ und „Grand Tour“, die von der Yale Dramatic Association aufgeführt wurden. Shire war außerdem Co-Leiter des Jazzensembles Shire-Fogg Quintet in Yale und studierte als Phi-Beta-Kappa-Student Anglistik und Musik im Doppelstudium. 1959 schloss er sein Studium 1959 mit Auszeichnung ab.

Nach einem Semester Aufbaustudium an der Brandeis University und sechs Monaten Dienst in der Infanterie der Nationalgarde der US-Armee ließ sich Shire in New York City nieder. Dort arbeitete er als Pianist in Tanzkursen, bei Theaterproben und im Orchestergraben sowie als Musiker in einer Gesellschaftskapelle, während er gleichzeitig unentwegt mit Maltby an Musicals arbeitete. Ihre erste Off-Broadway-Show, „The Sap of Life“, wurde 1961 im One Sheridan Square Theater in Greenwich Village aufgeführt. 1963 schrieb er zusammen mit Bob Goldstein den Song „Washington Square“ für die Village Stompers.

Als Proben- und Orchesterpianist begann Shire mit Barbra Streisand in „Funny Girl“ (1964–67) zusammenzuarbeiten und wurde schließlich ihr fester Begleiter und gelegentlicher Arrangeur. Sie nahm fünf seiner Lieder auf und hob das von Maltby und Shire komponierte Stück „Starting Here, Starting Now“ in ihrem Fernsehspecial und der dazugehörigen Aufnahme „Color Me Barbra“ (1966) hervor. Parallel dazu schrieb Shire Bühnenmusik (unter anderem für Peter Ustinovs „Der unbekannte Soldat und seine Frau“ im Lincoln Center, 1967), was er auch in den folgenden Jahren fortsetzte: Off-Broadway-Produktionen mit seiner Musik waren beispielsweise „Wie es euch gefällt“ beim New Yorker Shakespeare Festival (1973), Smulniks „Walzer“ (1991), Donald Margulis’ „Das Loman-Familienpicknick“ (1993) und „Visiting Mr. Green“ (1997).

In den 1960er-Jahren begann Shire, Filmmusik für das Fernsehen zu komponieren, und wechselte Anfang der 1970er-Jahre zu Kinofilmen. Er heiratete die Schauspielerin Talia Shire, für deren Bruder Francis Ford Coppola er 1974 die Filmmusik zu „Der Dialog“ komponierte – sein wohl bekanntester Soundtrack. An einigen Stellen verzerrte Shire die Klavieraufnahmen auf verschiedene Weise, um alternative Klangtexturen zu schaffen und den Soundtrack abzurunden. Die Musik sollte die Isolation und Paranoia des Protagonisten Harry Caul (Gene Hackman) einfangen.

Shire komponierte später ursprünglich auch den Score zu Coppolas Meisterwerk „Apocalypse Now“ (1979), doch wurde dieser verworfen und erst später als „David Shire’s Apocalypse Now – The Unused Score“ von La-La Land Records veröffentlicht.

Zu seinen weiteren Filmen zählen „Zwei Menschen unterwegs“, „Stoppt die Todesfahrt der U-Bahn 123“, „Die Hindenburg“, „Fahr zur Hölle, mein Liebling“, „Die Unbestechlichen“, „Die haarsträubende Reise in einem verrückten Bus“, „2010: Das Jahr, in dem wir Kontakt aufnehmen“, „Oz – Eine fantastische Welt“, „Nummer 5 lebt!“, „Max Dugans Moneten“ und „Zodiac“. Er komponierte die Originalmusik für „Saturday Night Fever“ (für die er zwei Grammy-Nominierungen erhielt) und arbeitete außerdem an mehreren Disco-Adaptionen mit, darunter „Night on Disco Mountain“. 1979 gewann er den Oscar für den besten Song für den Titelsong „It Goes Like It Goes“, den er zusammen mit Norman Gimbel für den Film „Norma Rae“ geschrieben hatte. Im selben Jahr wurde er in derselben Kategorie auch für „I'll Never Say Goodbye“ aus dem Film „The Promise“ nominiert; der Text stammt von Marilyn Monroe und Alan Bergman. 1979 erreichte sein Song „With You I‘m Born Again“, aufgenommen von Billy Preston und Syreeta, die Top 5 der internationalen Charts und hielt sich 26 Wochen in den Charts.

Für den Titelsong von „Stoppt die Todesfahrt der U-Bahn 123“ komponierte Shire einen Jazz-Funk-Groove in B-Moll und gestaltete die Melodien und Akkorde aus atonalen Zwölftonreihen in kurzen, unterschiedlich geformten Motivsequenzen. Der Abspann enthält ein ausführlicheres Arrangement des Themas.

Shires Filmmusiken wurden fünfmal für den Emmy nominiert. Zu seinen Hunderten von Kompositionen für das Fernsehen zählen: „Killer Bees“, „Raid on Entebbe“, „The Kennedys of Massachusetts“, „Serving In Silence: The Margarethe Cammermeyer Story“, „Das Fenster zum Hof“ mit Christopher Reeve, „Die Frauen von Brewster Place“ mit Oprah Winfrey und „The Heidi Chronicles“. Er komponierte außerdem die Titelmelodien für die Fernsehserien „Alice and McCloud“ und die Sitcom „The Practice“ mit Danny Thomas (1976–1977).

Shires Stil als Film- und Fernsehkomponist wird oft mit dem seines verstorbenen Kollegen und Zeitgenossen Jerry Fielding verglichen.

Ab Mitte der 1980er Jahre waren Shires Arbeiten nur noch selten im Kino zu hören, und er konzentrierte sich verstärkt auf die Arbeit fürs Fernsehen. 2007 feierte er ein Kino-Comeback mit der sparsamen Originalmusik für David Finchers Thriller „Zodiac – Die Spur des Killers“. Es folgten noch Scores für Peter Hyams‘ Thriller „Gegen jeden Zweifel“ (2009), Noah Pritzkers Komödie „Quitters“ (2015), Jenna Rickers Verschwörungsthriller „The American Side“ (2016), Russell Harbaughs Romanze „Love After Love“ (2017) und zuletzt David Gutniks Drama „Brighton Beach“ (2020).

Filmografie: 

1967-1970: CBS Playhouse (TV-Serie, 7 Folgen) 

1969-1970: Die Leute von der Shiloh Ranch (The Virginian, TV-Serie, 5 Folgen) 

1970: Ein Sheriff in New York (McCloud, TV-Serie, 7 Folgen) 

1971: Heißes Gold aus Calador (One More Train to Rob) 

1971: Beginn einer Ehe (Marriage: Year One) (Fernsehfilm) 

1971: Das ungeduldige Herz (The Impatient Heart) (Fernsehfilm))

1971: Zwei Galgenvögel (Skin Game) 

1971: Der Chef (Episode: The Priest Killer) (Fernsehfilm) 

1971: Is There a Doctor in the House (Fernsehfilm) 

1971: Drive, He Said 

1971-1972: Sarge (TV-Serie, 10 Folgen) 

1971: See the Man Run (Fernsehfilm) 

1971: Summertree 

1971-1972: Getting Together (TV-Serie) 

1971: Harpy (Fernsehfilm) 

1972: To Find a Man 

1973: Isn’t It Shocking? (Fernsehfilm) 

1973: Die Geier warten schon (Showdown) 

1973: College-Liebe (Class of ’44) 

1973: Zwei Menschen unterwegs (Two People) 

1973: Ganoven auf Abwegen (Steelyard Blues) 

1974: Spuren im Sand (The Godchild, Fernsehfilm) 

1974: The Virginia Hill Story (Fernsehfilm) 

1974: Stoppt die Todesfahrt der U-Bahn 123 (The Taking of Pelham One Two Three) 

1974: Der Dialog (The Conversation) 

1974: Sie können’s nicht lassen (Sidekicks, Fernsehfilm) 

1974: Tell Me Where It Hurts (Fernsehfilm) 

1974: The Tribe (Fernsehfilm) 

1974: Doctor Dan (Fernsehfilm) 

1974: The Healers (Fernsehfilm) 

1974: Killer Bees (Fernsehfilm) 

1974-1975: Lucas Tanner (TV-Serie, 11 Folgen) 

1975: Die Hindenburg (The Hindenburg) 

1975: Fahr zur Hölle, Liebling (Farewell, My Lovely) 

1975: Mitgiftjäger (The Fortune) 

1975: Winner Take All (Fernsehfilm) 

1975: Joe and Sons (TV-Serie) 

1976: Amelia Earhart (Fernsehfilm) 

1976: Und morgen wird ein Ding gedreht (Harry and Walter Go to New York) 

1976: Die haarsträubende Reise in einem verrückten Bus (The Big Bus) 

1976: Die Unbestechlichen (All the President’s Men) 

1976-1977: Sirota’s Court (TV-Serie, 13 Folgen) 

1977: Something for Joey (Fernsehfilm) 

1977: The Greatest Thing That Almost Happened (Fernsehfilm) 

1977: The Storyteller (Fernsehfilm) 

1977: Nur Samstag Nacht (Saturday Night Fever) 

1977: …die keine Gnade kennen (Raid on Entebbe) 

1978: Stunde der Bewährung (Straight Time) 

1978: The Defection of Simas Kudirka (Fernsehfilm) 

1978: Daddy, I Don’t Like It Like This (Fernsehfilm) 

1978: Straight Time: He Wrote It for Criminals (Fernsehfilm) 

1979: Die Chance seines Lebens (Fast Break) 

1979: The Promise 

1979: Norma Rae – Eine Frau steht ihren Mann (Norma Rae) 

1979: Diane 

1981: Amanda lässt die Puppen tanzen (The Night the Lights Went Out in Georgia) 

1981: Homerún (Fernsehfilm) 

1981: Mrs. Hines & Tochter (Only When I Laugh) 

1981: Ich brauche einen Erben (Paternity)

1981: Norma Rae (Fernsehfilm) 

1982: Garp und wie er die Welt sah (The World According to Garp) 

1983: Max Dugans Moneten (Max Dugan Returns) 

1984: Oh Gott! Du Teufel (Oh God! You Devil) 

1984: 2010: Das Jahr, in dem wir Kontakt aufnehmen (2010: The Year We Make Contact) 

1985: Blue Yonder – Flug in die Vergangenheit (The Blue Yonder, Fernsehfilm) 

1985: Oz – Eine fantastische Welt (Return to Oz) 

1985: Vergesst die Liebe nicht (Do You Remember Love, Fernsehfilm) 

1986: Nacht, Mutter (Night, Mother) 

1986: Nummer 5 lebt! (Short Circuit) 

1986: Trage deines Bruders Bürde (Promise, Fernsehfilm) 

1987: Final Night – Die letzte Nacht (Backfire) 

1987: Sturz ins Dunkel – Die Geschichte einer Mutter (Convicted: A Mother’s Story, Fernsehfilm) 

1987: Mayflower Madam (Fernsehfilm) 

1988: Ich bin Du Vice Versa) 

1988: Der Schrei nach Liebe (God Bless the Child, Fernsehfilm) 

1988: Der Affe im Menschen (Monkey Shines) 

1988: Jesse – Engel im Tal des Todes (Jesse, Fernsehfilm) 

1989: Steven – Die Entführung (I Know My First Name Is Steven) (Fernsehfilm) 

1989: Brewster Place (The Women of Brewster Place, Mini-Serie) 

1990: The Kennedys of Massachusetts (Mini-Serie) 

1990: Keine Zeit für Tränen (A Promise to Keep, Fernsehfilm) 

1990: Babynapping – Roberts Entführung (Always Remember I Love You, Fernsehfilm) 

1990: Das große Erdbeben in L.A. (The Big One: The Great Los Angeles Earthquake) (Fernsehfilm) 1991: Ein Meer für Sarah (Sarah, Plain and Tall, Fernsehfilm) 

1991: Wahre Freunde (The Boys, Fernsehfilm) 

1991: Tollwütig (Paris Trout, Fernsehfilm) 

1992: Der letzte Wunsch (Last Wish, Fernsehfilm) 

1992: Agenten leben einsam (Bed & Breakfast) 

1992: Bed of Lies (Fernsehfilm) 

1992: Broadway Familie (Broadway Bound) (Fernsehfilm) 

1992: Verhängnisvolle Liebe (Something to Live For: The Alison Gertz Story, Fernsehfilm) 

1992: Room for Two (TV-Serie, 5 Folgen) 

1992: Haus der Drachen (The Habitation of Dragons, Fernsehfilm) 

1992: Alptraum ohne Erwachen (Nightmare in the Daylight, Fernsehfilm) 

1992: Gut gezielt ist halb getroffen (Four Eyes and Six-Guns, Fernsehfilm) 

1993: Sarah zwischen Land und Meer (Skylark, Fernsehfilm) 

1993: Danielle Steel – Herzschlag für Herzschlag (Heartbeat, Fernsehfilm) 

1993: Die Ninja-Morde von Bel Air (Bloodlines: Murder in the Family, Fernsehfilm) 

1993: Was bleibt, ist die Erinnerung (Remember, Fernsehfilm) 

1994: Das Haus des Anderen (Jane’s House, Fernsehfilm) 

1994: Danielle Steel – Nur einmal im Leben (Once in a Lifetime, Fernsehfilm) 

1994: Der Mann, der niemals starb (The Man Who Wouldn’t Die) 

1994: Future Love (Fernsehfilm) 

1994: Lily in Winter (Fernsehfilm) 

1994: Der Ruf des Todes (Reunion, Fernsehfilm) 

1995: In der Hitze des Südens (A Father for Charlie, Fernsehfilm) 

1995: Serving in Silence: The Margarethe Cammermeyer Story (Fernsehfilm) 

1995: Die letzte Hoffnung (My Brother’s Keeper, Fernsehfilm) 

1995: My Antonia (Fernsehfilm) 

1995: Eine heiße Affäre (One Night Stand) 

1995: Tecumseh (Fernsehfilm) 

1995: Verlorene Träume (The Heidi Chronicles, Fernsehfilm) 

1995: Mörderische Gefühle (Murderous Intent, Fernsehfilm) 

1995: Der letzte Ritt (Streets of Laredo, Mini-Serie) 

1996: Jakes Frauen (Jake’s Women, Fernsehfilm) 

1995: Der Kampf ums Glück (Almost Golden: The Jessica Savitch Story, Fernsehfilm) 

1997: Letztes Gefecht am Saber River (Last Stand at Saber River, Fernsehfilm) 

1997: Tanzen mit Olivia (To Dance with Olivia, Fernsehfilm) 

1997: Alone (Fernsehfilm) 

1998: Alien Nightmare (Fernsehfilm) 

1997: Ms. Scrooge – Ein wundervoller Engel (Ms. Scrooge) 

1998: Das Fenster zum Hof (Rear Window, Fernsehfilm) 

1999: Double Platinum – Doppel Platin! (Double Platinum) 

1999: Privatdetektiv Spenser: Verdächtiges Schweigen (Spenser: Small Vices, Fernsehfilm) 

1999: Winter’s End – Wiederkehr der Liebe (Sarah, Plain and Tall: Winter’s End, Fernsehfilm) 

2000: Thin Air (Fernsehfilm) 

2002: Two Against Time (Fernsehfilm) 

2002: Ash Wednesday 

2004: The Tollbooth 

2007: Zodiac – Die Spur des Killers (Zodiac) 

2009: Gegen jeden Zweifel (Beyond a Reasonable Doubt) 

2015: Quitters 

2015: Walk On By 

2016: The American Side 

2017: Love After Love 

2020: Brighton Beach

Playlist: 

01. David Shire - Finale and End Credits (The Conversation) - 03:54 

02. David Shire - Preparations (Killer Bees) - 03:25 

03. David Shire - The Taking (The Taking of Pelham One Two Three) - 03:12 

04. David Shire - Three Mile Limited (Farewell, My Lovely) - 03:50 

05. David Shire - Suspect Montage (The Hindenburg) - 03:20 

06. David Shire - Finale and End Title (All the President's Men) - 02:48 

07. David Shire - God's Country (Three For The Road) - 03:32 

08. David Shire - Basketball (The Greatest Thing That Almost Happened) - 03:18 

09. David Shire - The Imprisonment (Raid On Entebbe) - 03:36 

10. David Shire - The Rescue (The Big Bus) - 05:18 

11. David Shire - Night On Disco Mountain (Saturday Night Fever) - 05:11 

12. David Shire - Welcome To Cadwallader (Fast Break) - 03:51 

13. David Shire - Remembrance Montage (Paternity) - 04:15 

14. David Shire - Enter Melanie - Enter Ella (Monkey Shines) - 03:56 

15. David Shire - Luddington Walk (Old Boyfriends) - 04:14 

16. David Shire - Main Title (Max Dugan Returns) - 04:09 

17. David Shire - Picnic Scene (Norma Rae) - 03:24 

18. David Shire - Central Park Flashback (Daddy, I Don't Like It Like This) - 03:14 

19. David Shire - Sarahendipity (Sarah, Plain & Tall) - 04:48 

20. David Shire - This Terrible Love… (Skylark) - 02:34 

21. David Shire - Night Scene/Joke Triumph (Short Circuit) - 04:17 

22. David Shire - Mattie Says Goodbye (The Women of Brewster Place) - 03:25 

23. David Shire - Main Title (The Journey Inside) - 03:11 

24. David Shire - Reunion (Last Stand at Saber River) - 05:03 

25. David Shire - Windows IV (Rear Window) - 03:56 

26. David Shire - New Worlds (2010) - 04:01 

27. David Shire - Strictures at an Exhibition (Small Vices) - 02:54 

28. David Shire - One Night Stand (One Night Stand) - 02:12 

29. David Shire - Night Montage (Jake's Women) - 02:24 

30. David Shire - Confrontation (Zodiac) - 03:34 

31. David Shire - One Guess Left/But Not For Much Lobger (Return To Oz) - 11:03