Playlist # 53 vom 27.02.11 - JOEL + ETHAN COEN Special

Neben dem eigenbrötlerischen Kino von Gus Van Sant („Gerry“, „The Elephant“), den introvertierten Filmen von Jim Jarmusch („Ghost Dog“, „Broken Flowers“), den abgründigen Trips von David Lynch („Mulholland Drive“, „Inland Empire“) und den skurrilen Ausstattungsfilmen von Wes Anderson („Die Royal Tenenbaums“, „Darjeeling Limited“) gehören die in Minneapolis, Minnesota, geborenen Brüder Joel (* 29.11.1954) und Ethan Coen (*21.09.1957) fraglos zu den eigenwilligsten Filmemacher in Hollywood, die mit ihren schrägen Geschichten immer wieder große Preise gewonnen haben und am 10. Februar mit ihrem neuen Werk, dem Remake des John-Wayne-Klassikers „True Grit“, die diesjährige Berlinale eröffnen durften.

Als Söhne des Wirtschaftsprofessors Edward und Rena Coen, einer Professorin für Kunstgeschichte, wuchsen die Brüder in einer jüdischen Umgebung auf. Joel Coen verdiente sich das Geld für seine Super-8-Kamera durch Rasenmähen und drehte mit seinem Bruder und einem Nachbarsjungen Filme aus dem Fernsehen nach, doch gingen sie in der Ausbildung getrennte Wege. Während Joel am öffentlichen Filmprogramm der New York University teilnahm und zum Abschluss den dreißigminütigen Film „Soundings“ präsentierte, studierte Ethan an der Princeton-Universität Philosophie. Erst danach widmeten sie sich gemeinsam ernsthaft dem Filmgeschäft und freundeten sich mit Sam Raimi an, der einen Assistenten für seinen Film „Tanz der Teufel“ (1982) suchte. Zwei Jahre später präsentierten die Coen-Brüder mit „Blood Simple – Eine mörderische Nacht“ ihren ersten Film, der nach eigenem Drehbuch entstand. Die bitterböse Homage an den film noir der 40er Jahre erzählt die Geschichte eines neurotischen Privatdetektivs (M. Emmet Walsh), der von eienm gehörnten Barbesitzer (Dan Hedaya) den Auftrag erhält, seine Ehefaru (Frances McDormand) und deren Liebhaber (John Getz) zu töten, stattdessen aber ein mörderisches Katz-und-Maus-Spiel inszeniert.

“Die Brüder Coen spielen dabei bereits mit ironischen Elementen, Genrezitaten und durchaus ernsten Suspense-Momenten. 'Blood Simple' ist gleichzeitig ihr erster Film, der doppelt kodiert funktioniert: Dem Genrekenner bietet er ein amüsantes und spannendes Verwirrspiel, das übrige Publikum unterhält er als Genrethriller“, befindet Marcus Stiglegger in „Filmregisseure“ (Reclam 2008, S. 144).
Auf eine ähnliche Weise funktioniert auch der nächste Coen-Film. In „Arizona Junior“ (1987) entführt ein kinderloses Paar (Nicolas Cage und Holly Hunter) eines der Fünflinge des Millionärs Nathan Arizona, der kurzerhand einen Killer auf die Kidnapper ansetzt. Auch hier geben sich Genrezitate, Slapstickeinlagen und eine aberwitzige Handlung mit allerlei skurrilen Nebenfiguren ein munteres Stelldichein.
„Der Film bietet vieles, was geradezu prototypisch coenesk daher¬kommt: schlichte Landei-Gemüter mit breitem Südstaatenakzent, penibel ausgefeilte Einstellungen und Dialoge, dazu diesen speziellen Humor, mal spröde, mal heiter, mal schier bizarr. Vergleicht man ‚Raising Arizona‘ mit ihren späteren Filmen, die doch einen deutlich kultivierteren, gemesseneren Eindruck machen, erscheint er wie eine Spielwiese, auf der Joel und Ethan versuchen, ihren Comedy-Stil zu finden. So grotesk, turbulent und over-the-top wie hier wird kein anderer Coen-Film mehr sein“, meint San Andreas in Der Umblätterer.
Eine weitere Genre-Fingerübung legten die Coen-Brüder mit ihrem Gangsterfilm „Miller’s Crossing“ (1990) vor, der vor dem Hintergrund der Prohibition einen blutigen Bandenkrieg inszeniert. Zwar glaubt der irische Gangsterboss Leo (Albert Finney), alles – vor allem den Bürgermeister und die Polizei - im Griff zu haben, doch ahnt er nicht, dass ausgerechnet sein persönlicher Berater Tom (Gabriel Byrne) mit seiner Freundin Verna (Marcia Gay Harden) ein Verhältnis hat. Dann verlangt der rivalisierende italienische Mafiaboss Johnny Casper den Kopf von Vernas Bruder, was Leo natürlich nicht zulassen kann …

Inspiriert von den Mafia-Epen der 80er Jahre („Es war einmal in Amerika“, „The Untouchables“) einerseits und den Werken Dashiell Hammetts („The Glass Key“) andererseits, die für die trockenhumorigen Dialoge verantwortlich zeichnen, stellt „Miller’s Crossing“ eine Art Quintessenz des Gangsterfilms dar und überzeugt vor allem durch seinen edlen Look.
In ihrem nächsten Film „Barton Fink“ (1991) spielt John Turturro einen aufstrebenden, aber unsicheren New Yorker Theaterautor, der sich in ein Hotel zurückzieht, um an einem Drehbuch für Hollywood zu arbeiten. Doch er hat nicht nur mit einer Schreibblockade zu kämpfen, sondern wird auch eines Mordes verdächtigt, für den sein Zimmernachbar Charlie Meadows (John Goodman) verantwortlich ist … Detailverliebt wie eh und je, mit viel schwarzem Humor und sagenhaften Kamerafahrten rechnen die Coen-Brüder gnadenlos mit den Mechanismen Hollywoods ab.

„‘Barton Fink‘ ist die Geschichte einer Selbstfindung, die in einer Sackgasse endet. Einer, der auszog, um künstlerischen Erfolg mit finanzieller Stärkung zu sichern, lernt das Fürchten, als er den Test seines Talents nicht besteht und an seinem Selbstverständnis zugrundegeht. Aber nicht nur die Individualität der Hauptfigur ist hier bedroht, auch Autor Bill Mayhew, Sekretärin Audrey und Nachbar bzw. Massenmörder Charlie ringen um ihre Persönlichkeit und verlieren. Die einzige Erkenntnis der Figuren besteht darin, dass sie nichts wissen. Daraus machen die Coen-Brüder aber kein schwerfälliges Kammerspiel, sondern eine herrlich makabre Komödie, mit satirischem Biss und aufrichtiger Tragik“, resümiert Stefan Rogall in „Das filmische Universum von Joel und Ethan Coen“ (Schüren 1998, S. 88).

Nicht ganz so gelungen fiel dagegen „Hudsucker – Der große Sprung“ aus. Auf den Spuren von Frank Capra erzählt der Film die Geschichte des einfachen Angestellten Norville Barnes (Tim Robbins), der nach dem Selbstmord von Waring Hudsucker (Charles Durning) der neue Präsident von Hudsucker Industries sein soll. Vorstandschef Sidney J. Mussburger (Paul Newman) hofft mit diesem Manöver, die Aktien seines Vorgängers günstig aufkaufen zu können, rechnet aber nicht damit, dass Barnes mit der Erfindung des Hula-Hoop-Reifens das Unternehmen rettet und bei der anschließenden Intrige gegen ihn unerwartete Hilfe von Hudsucker als Schutzengel erhält.

„Hinter all der Fingerfertigkeit aber verschwindet der lieb gewonnene, verwegene Coen-Charme fast vollständig. Was gar nicht so schlimm wäre, wenn an seiner Stelle der Charme eines Frank Capra oder eines Howard Hawks den Film erfüllen würde. Als Hommage funktioniert der Film nur auf dem Papier; die Screwball-Anleihen und die Slapstick-Schablonen sind sehr wohl vorhanden und stilecht umgesetzt, auch der Wilder’sche Stakkato-Wortwitz weiß zu überzeugen – doch vermag der Film die Ahnung, dass er am Reißbrett konstruiert wurde, nie ganz abzuschütteln.
Um als Komödie durchzugehen, fehlt es dem Film einfach an echter Fröhlichkeit; und tatsächlich funktioniert er viel besser als Fabel über den amerikanischen Kapitalismus. Die Tretmühlen der schuftenden Arbeiter, die Batterien von Buchhaltern, die bräsigen Chefetagen, die nach Sensationen geifernden Medien – hier entwickelt ‚Hudsucker‘durchaus satirische Schlagkraft.
So rückt der Film eher in die Nähe der Werke Fritz Langs oder Terry Gilliams; sein großes Kapital ist nicht die Figur des Simpels und seiner Tellerwäscher-zum-Millionär-Geschichte, sondern die Darstellung seiner seelenlosen Umgebung. Die kapitalistische Maschinerie, ihre Hierarchien, ihre Bürokratie, ihre autistische Betriebsamkeit, ihr Profitwahnsinn und ihre nackte Gier: Hudsucker ist eine gut geölte Industrie, die nur um ihrer selbst Willen existiert“, urteilt San Andreas auf Der Umblätterer.
Dafür lieferten Joel und Ethan Coen mit „Fargo“ 1996 ein weiteres Meisterwerk ab. Darin plant der glücklose und abgewrackte Autoverkäufer Jerry Lundsgaard (William H.Macy) das perfekte Verbrechen. Zwei stümperhafte Ganoven (Steve Buscemi und Peter Stormare) sollen seine Ehefrau entführen und das Lösegeld vom reichen Schwiegervater erpressen. Doch der Plan geht fürchterlich schief und hinterlässt drei Leichen auf dem Highway. Die schwangere Polizistin Marge Gunderson (Frances McDormand) nimmt die Ermittlungen in der verschneiten Einöde Minnesotas auf. Die Coen-typische Mischung aus schwarzer Komödie, film noir und Gesellschaftssatire erhielt sowohl einen Oscar für die Hauptdarstellerin Frances McDormand, mit der Joel Coen seit 1984 verheiratet ist, als auch für das Drehbuch, das die Coen-Brüder wie gewohnt gemeinsam geschrieben haben, und kann durchaus als feministischer Western betrachtet werden.

„In vielen klassischen Filmen des Genres traten Frauen als, meist von der Ostküste stammende, Lehrerinnen auf, die versuchten, Gesetz und Bildung – kurzum Zivilisation – in den Westen zu bringen. In ‚Fargo‘ synthetisiert Marge gewissermaßen den zivilisatorischen Auftrag der Frau im Westen mit der herausragenden Tugend des männlichen Westerners: professionell seinen Job tun und ansonsten nicht viele Worte machen. Die Männer hingegen stolpern wie regressive, gewalttätige Trottel durch den Film. Ihnen fehlt es an jener fundamentalen Einsicht, ohne die das Leben – in Coen-Filmen – zum Scheitern verurteilt ist: Tue nie, was du nicht kannst“, findet Stefan Reinecke in dem von Peter Körte und Georg Seeßlen herausgegebenen „Joel & Ethan Coen“ (Bertz 1998, S. 187).
Das nächste Meisterwerk der Autorenfilmer ließ nur ein Jahr auf sich warten und machte Jeff Bridges als Alt-Hippie Jeff Lebowski, der nur „the Dude“ genannt werden möchte, zur Kultfigur. Als Opfer einer Verwechslung, nach der er die Schulden seiner Frau bei einem Porno-Produzenten begleichen soll, pinkelt einer der Schuldeneintreiber auf Lebowskis Teppich. Von seinen Bowling-Freunden Walter (John Goodman) und Donny (Steve Buscemi) wird Lebowski dazu gedrängt, sich den verunreinigten Teppich vom eigentlichen Adressaten der anrüchigen Botschaft ersetzen zu lassen. Das Anliegen wird vom richtigen, dem „Großen Lebowski“ (David Huddleston) zwar nicht erhört, doch soll der Dude den Entführern seiner Frau eine Million Lösegeld überbringen. Natürlich gerät das Unternehmen vollkommen außer Kontrolle und endet im tödlichen Chaos.

„Bei aller Demontage und Boshaftigkeit offenbaren die Coens jedoch auch wieder jene Qualität, die sie gegenüber dem blanken Zynismus manch ihrer Kollegen auszeichnet: ihre Menschlichkeit. Zwar trägt ‚The Big Lebowski‘ diese nicht so deutlich zur Schau wie ‚Fargo‘ (und ist auch nicht ein so sympathischer Film wie dieser), aber auch hier werden selbst die absurdesten Charaktere nie denunziert; schwingt in ihrer tiefen Lächerlichkeit stets ein Moment der Größe; findet sich anstelle von Verurteilung eine staunende Bewunderung und Neugier angesichts der Palette menschlicher Möglichkeiten.
Dazu gesellt sich, wie ebenfalls üblich, überbordender, spielerischer Einfallsreichtum; ein enorm genaues Ohr für den Jargon (weshalb von der Synchronfassung noch mehr als üblich abzuraten ist); Gespür für bizarre Details und diebische Freude über das Ausstreuen falscher Fährten für alle akademischen Interpreten.
Und vor allem ist 'The Big Lebowski', wie jeder Film der Gebrüder Coen, ein nicht nur vielschichtiges und intelligentes, sondern auch höchst unterhaltsames Vergnügen“, kommentiert Thomas Willmann auf Artechock.

Ein höchst amüsantes Filmvergnügen bescherten Joel und Ethan Coen ihrem Publikum auch mit ihrer eigenwilligen Adaption von Homers „Odyssee“, die sie als „O Brother, Where Art Thou?“ (2000) in die Südstaaten verlegten, wo in den 30er Jahren der Ganove Ulysses Everett McGill (George Clooney) mit seinen Kumpels (John Turturro und Tim Blake Nelson) aus dem Gefängnis ausbricht, um sich auf die Suche nach einem vergrabenen Schatz zu begeben, wobei sie allerlei Prüfungen zu absolvieren haben und natürlich von einer irrwitzigen Situation in die nächste Katastrophe stolpern. Mit den leuchtenden Bildern von Stammkameramann Roger Deakins und dem sämtliche Folkstile jener Zeit abdeckenden Soundtrack von T-Bone Burnett ist den Coen-Brüdern ein weiterer Beitrag zur Demontage amerikanischer Mythen gelungen.

„Durchmischt und endgültig ins Irreale entrückt wird ‚O Brother, Where Art Thou?‘ dann durch den immer wieder aufflackernden Bezug zu Homers ‚Odyssee‘ (der Seher, die Sirenen, die Namensgebung) und den Einsatz klassischer Märchenmotive wie dem Pakt mit dem Teufel oder der Verwandlung eines Menschen in einen Frosch – auch das ein Einblick in die Art und Weise, mit der die Coens sich bestimmte Motive und Mythen einverleiben. Dass hier auch ein Verweis auf die Bibel nicht ausbleibt, ist nur konsequent.
Das Faszinierende an ‚O Brother, Where Art Thou?‘ ist schließlich die große inszenatorische Meisterschaft, mit der alle diese Zutaten zusammengehen. Der gewissermaßen tatsächlich epische Film ist nicht nur doppelt, sondern gleich mehrfach codiert: Erscheint ‚O Brother, Where Art Thou?‘ auf den ersten Blick wie ein einziges Geplänkel, wird er bei genauerem Hinsehen zu einem beinahe unerschöpflichen Film, der permanent mehrere Dinge auf einmal verhandelt“, stellt Christian Horn in seiner Rezension auf Filmstarts.de fest.

Mit ihrem nächsten Film bewegte sich das brüderliche Gespann wieder in vertrautes Film-noir-Fahrgewässer und drehten „The Man Who Wasn’t There“ (2001) sogar in stimmungsvollem Schwarz-Weiß. Kettenraucher und Herrenfriseur Ed Crane (Billy Bob Thornton) will der Monotonie seines Lebens ein Ende bereiten und beginnt, den Liebhaber (James Gandolfini) seiner gerissenen Frau (Frances McDormand) zu erpressen, damit er
in die "Werden-Sie-über-Nacht-zum-Millionär"-Idee eines Handelsreisenden (Jon Polito) investieren kann. Wer auch einige wenige Coen-Filme gesehen hat, weiß, dass der Traum sehr bald zu einem Albtraum wird.

„In malerischen Schwarz/Weiss-Bildern zeichnen die Coens das Bild eines sehnsüchtigen Mannes auf der Suche nach Freiheit. Elegant und clever in Szene gesetzt besticht ‚The Man Who Wasn´t There‘ formal vor allem durch die elegante Ausleuchtung und die für die Brüder typische Brillanz im Bezug auf Drehbuch und Charakterzeichnung. Joel und Ethan Coen ist ein Drama gelungen, das ohne falsche Wertvorstellungen auskommt und dabei unbeschönigend und nüchtern den Niedergang eines innerlich völlig leeren Mannes schildert“, resümiert handle me down.de.

Nach diesem düsteren Werk bewegten sich die Coen-Brüder mit „Ein (un)möglicher Härtefall“ (2003) und dem Remake des Gauner-Klassikers „Ladykillers“ (2004) so nah wie nie zuvor in Richtung Mainstream-Komödie. In „Ein (un)möglicher Härtefall“ spielt George Clooney den erfolgreichen Anwalt mit dem Fachgebiet Eherecht, der seinen Mandanten selbst aus ausweglosesten Situationen zu ihren Millionen verhilft. So muss sich Fernsehproduzent Donovan Donaly (Geoffrey Rush) von seinem gesamten Vermögen verabschieden, obwohl er seine untreue Frau in flagranti mit dem hübschen wie dümmlichen Pool-Reiniger erwischt hat. Und der millionenschwere Rex Rexroth (Edward Herrmann) muss trotz einschlägiger Videobeweise keinen Cent an seine betrogene Ehefrau (Catherine Zeta-Jones) abgeben, worauf diese auf Rache sinnt und dem aalglatten Winkeladvokaten allmählich den Boden unter den Füßen wegzieht …

„Aus einer durchschnittlichen Komödie der Irrungen ist so eine klassische, pechschwarze Screwball-Comedy geworden, die streckenweise mit Howard Hawks' ‚Leoparden küsst man nicht‘ verglichen werden kann - freilich ‚modernisiert‘ mit dem für die Coens typischen, schrägen Look und scharfen, hintersinnigen Wortwitz. Ganz in der Tradition von Gary Grant und Katharine Hepburn liegen sich die beiden Streithähne in den Haaren, während man als Zuschauer nur darauf wartet, bis sie einander endlich in die Arme fallen“, urteilt Blickpunkt: Film.
Danach haben sich die Coen-Brüder des Alexander-Mackendrick-Klassikers „The Ladykillers“ aus dem Jahre 1955 angenommen und ließen Tom Hanks als Prof. Dr. Goldthwait Higgins Dorr in die Rolle von Alec Guiness treten. Zusammen mit fünf weiteren Ganoven sucht er sich ein unscheinbares Quartier, von dem aus der Überfall auf ein am Mississippi liegendes schwimmendes Casino geplant werden soll. Nachdem Dorr ein Zimmer bei einer gottesfürchtigen Witwe gemietet hat, nutzen die Gauner den Vorratskeller vordergründig als Proberaum für ihre Musik, graben sich aber tatsächlich zum Casino durch. Doch so manche Missgeschicke drohen den Plan zu vereiteln …

„Das Original von Ladykillers mit Alec Guinness und Peter Sellers spielt im nebligen London des Jahres 1952 und ist eine der schönsten Gangsterkomödien der Kinogeschichte. Ein Remake hat dieses liebevoll-makabre Werk so wenig nötig wie Witwe Munson einen neuen Beschützer. Tatsächlich ähnelt der Coen-Film einem dieser knautschigen Kaminsessel unter dem überdimensionierten Ölbild des verstorbenen Munson-Gatten. Eine luxuriös gepolsterte Verschwendung. Pefekt ausgestattet, mit ausgegrabenen Gospels untermalt und penibel ausgeleuchtet in den braunen warmen Tönen einer Apfelstrudelwerbung. Schon erstaunlich, dass das Brüderpaar aus der Reanimation des Stoffes und seiner Verlegung in eine diffuse Südstaaten-Gegenwart nicht einen einzigen Funken zu schlagen weiß. Letztlich gibt das Remake nämlich Anlass zu ebenjenem Kulturpessimismus, mit dem sich die Coens zu Beginn so lässig aus dem Fenster hängen“, urteilt Birgit Glombitza in der Zeit.

Nach den beiden eher enttäuschenden Mainstream-Komödien kehrten Joel und Ethan Coen drei Jahre später mit ihrem Oscar-prämierten Meisterwerk "No Country For Old Men" wieder zu ihren Wurzeln zurück. Der nach dem Roman von Pulitzer-Preisträger Cormac McCarthy („All die schönen Pferde“, „The Road“) entstandene Film erzählt eine Geschichte, die dem trostlosen Grenzland zwischen Texas und Mexiko entspricht. Vietnam-Veteran Llewelyn Moss (James Brolin) trifft während der Jagd zufällig auf den blutigen Schauplatz eines fürchterlich misslungenen Drogendeals. Bei näherer Betrachtung entdeckt er neben all den Toten auch einen Schwerverletzten und zwei Millionen Dollar. Er schnappt sich das Geld, kehrt aber zum Tatort zurück, um dem Schwerverletzten Wasser zu bringen. Doch die geprellten Drogendealer hetzen den stoischen wie effektiven Profikiller Anton Chigurh (Javier Bardem) auf Llewelyn, den Dorfsheriff Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones) davor bewahren will, sich zu den unzähligen Leichen zu gesellen, den Chigurgh auf der Jagd nach dem Flüchtigen hinterlässt …

„Formal erinnert vieles an 'Blood Simple', den düsteren Erstlingsfilm der Coen-Brüder. Knappe Dialoge, der Verzicht auf einen unterstreichenden Soundtrack, die Verdichtung der Handlung auf das Wesentliche. Dazu die archaische Landschaft, die weit ab von Großstädten beinahe zwangsläufig existentielle Themen in den Mittelpunkt rückt. Die Romanvorlage hat großen Anteil daran. Neben Moss werden mit dem eiskalten Killer Chigurh (gespielt von einem umwerfenden Javier Bardem, der für seine Leistung auch mit dem Oscar ausgezeichnet wurde) und dem verwittert-desillusionierten Sheriff Bell (Tommy Lee Jones) zwei Figuren eingeführt, die den minimalistischen Plot über das Genre hinausheben (…) Am Ende verstört 'No Country for Old Men' durch seine dekonstruktivistische Kraft. Die immergleichen Bilder von staubigen Strassen, primitiven Tankstellen oder öden Motels im Nirgendwo erfahren eine Neubewertung. Sie haben nichts von der Vorhersehbarkeit der Geschichten mit denen man sie verbindet. Moralische Kategorien werden aufgehoben und im letzten großartigen Monolog von Sheriff Bell hat 'No Country for Old Men' endgültig die Fesseln des Genrekinos gesprengt“, schreibt Thomas Reuthebuch in seiner Rezension auf Amazon.de.
Nach diesem düsteren Meisterwerk feuerten die Coen-Brüder mit „Burn After Reading“ wieder ihr gewohnt schräges Humorfeuerwerk ab.
Der CIA-Balkanexperte Osborne Cox (John Malkovich) beschließt nach seiner Suspendierung, sich dem Schreiben seiner Memoiren zu widmen. Das passt seiner Frau
Katie (Tilda Swinton) gar nicht in den Kram, droht doch ihre Affäre mit dem langjährigen Hausfreund Harry Pfarrer (George Clooney) aufzufliegen. Als Versicherung im Falle einer Scheidung fertigt sie eine CD mit dem Inhalt des Computers ihres Mannes an, die ausgerechnet in ihrem Fitnessclub von den beiden Angestellten Chad Feldheimer (Brad Pitt) und Lina Litzke (Frances McDormand) gefunden wird. Ihr Versuch, die brisanten Daten an die Russen zu verkaufen, mündet in einem Chaos aus Betrug und Erpressung.

„Ganz wie zur Hochzeit des Genres in den siebziger Jahren sind die Brüder einer großen Verschwörung auf der Spur: Die der Idiotie, welche auch den amerikanischen Geheimdienst längst unterwandert hat.
Den kritischen Einspruch, in ziemlich schamloser Manier auf die Schadenfreude eines sich überlegen dünkenden Publikums zu spekulieren, federn die Coens in gewohnt eleganter Manier ab: Sie werfen ihren Zuschauern nicht nur selten trottelige Figuren zum Fraße vor, sondern auch deren Darsteller - und die sind allererste Wahl.
Wenn John Malkovich einen krankhaften Narziss spielt, Brad Pitt als dümmlicher Schönling über die Leinwand turnt und George Clooney sich als erbärmlicher Schürzenjäger freimütig der Lächerlichkeit preis gibt, wird damit auch Hollywoods moderner Götzenkult lustvoll bloßgestellt. Passend zur Anbetung des Oberflächlichen sucht man innere Wert bei fast allen Figuren des Films vergeblich“, urteilt Michael Kohler in der Frankfurter Rundschau.

Mit ihrem Film „A Serious Man“ haben sich Joel und Ethan Coen dann auf gewohnt ironische Weise mit ihrem jüdischen Background auseinandergesetzt. Im Gegensatz zum All-Star-Vehikel „Burning After Reading“ bewiesen die Brüder, dass ihre Filme auch große Namen wunderbar funktionieren. Der Anti-Held heißt diesmal Larry Gopniks (Michael Stuhlbarg) und muss innerhalb kürzester Zeit erleben, wie sein wohlgeordnetes Leben aus allen Fugen gerät. Zunächst eröffnet ihm seine Frau Judith (Sari Lennick), dass sie sich in den Witwer Sy Ableman (Fred Melamed) verliebt hat und daher eine rituelle Scheidung möchte. Dann wird das FBI auf die beim illegalen Glücksspiel eingesetzten Mathematikfähigkeiten seines hochbegabten Bruders Arthur (Richard Kind) aufmerksam. Während der pubertierende Sohn Danny (Aaron Wolff) sich mehr für Marihuana und Rockmusik als für die Schule interessiert, greift Töchterchen Sarah (Jessica McManus) ins väterliche Portemonnaie, um sich die Nase verschönern zu lassen. Schließlich gerät auch Larrys Uni-Karriere ins Strudeln, als ihm der südkoreanische Student Clive (David Kang) einen prallgefüllten Geldumschlag zusteckt, um eine bessere Note zu bekommen …

„Diese Aussage von der Unkontrollierbarkeit des Lebens wird von den Regisseuren und Drehbuchautoren Joel und Ethan Coen auf ihre unnachahmliche Weise in eine überwältigende Geschichte verpackt. In 'A Serious Man' mischen sie die düstere Verzweiflung aus ‚No Country for Old Men‘ mit dem absurden Humor aus ‚Burn After Reading‘. Aus dieser gewagten Kombination haben sie stilsicher ein geniales Meisterwerk entwickelt. Für die Figuren haben sie sich dieses Mal hauptsächlich ziemlich unbekannte Schauspieler ausgesucht, die überzeugend in ihre teilweise zurückhaltenden, teilweise aber auch leicht grotesken Rollen schlüpfen. In manchen Einstellungen von Kameramann Roger Deakins sorgt alleine schon die Mimik der Darsteller für Lacher. Was ist nun genau die Botschaft des Films? Die kann nicht einmal von den Rabbinern oder Jefferson Airplane ergündet werden, sondern muss vermutlich von jedem Betrachter selbst entschlüsselt werden. Vermittelt wird sie aber auf alle Fälle mit außerordentlich viel Humor. Wer allerdings die Aussage nicht versteht oder der Ansicht ist, dass sie der eigenen Lebenseinstellung wiederspricht, wird sich womöglich nicht besonders gut amüsieren. Aber das war bei den Filmen der Coens schon immer so“, findet Thomas Hunziker in seiner Rezension auf filmsprung.ch.

Ihr neuer Film „True Grit“ ist nach „Ladykillers“ das zweite Remake, das die Coen-Brüder inszeniert haben, gleichzeitig der zweite (Neo-)Western nach „No Country For Old Men“. Doch geht die Adaption von Henry Hathaways „Der Marshall“ aus dem Jahre 1969 einen gänzlich anderen Weg und stellt einen ganz klassischen Beitrag zum Genre dar, bei dem der versoffene Marshall Reuben Cogburn (Jeff Bridges) von der 14-jährigen Mattie Ross (Hailee Steinfeld) angeheuert wird, Tom Chaney (Josh Brolin), den Mörder ihres Vaters, seiner gerechten Strafe zuzuführen. Ebenso wie Cogburn ist auch Texasranger LaBoeuf (Matt Damon) vom hohen Kopfgeld angetrieben, Chaney zur Strecke zu bringen …

„Die Coens konzentrieren sich auf das Spannungsfeld zwischen den drei Charakteren, inszenieren ein beklemmendes Kammerspiel in der freien Natur. Der Kameramann Roger Deakins hat sein Auge für die Unerbittlichkeit der Landschaft bereits in Jim Jarmuschs Western 'Dead Man' bewiesen. In' True Grit' folgt er Mattie, Cogburn und LaBoeuf auf ihrer langwierigen, mühsamen Hatz durch die winterliche Einöde (…) Die Coen-Brüder haben die literarische Vorlage von 'True Grit' mit protestantischem Eifer von allen Schnörkeln befreit und deren Irrwitz noch zugespitzt. Ihr Western ist nun selbst zu einer Ikone geworden: Mit seinen religiösen Bezügen, den Anspielungen auf das Ende einer Ära und den skurrilen Charakteren ist er näher an der puritanischen Wild-West-Darstellung des erfolgreichen Computerspiels 'Red Dead Redemption' als an den Genre-Klassikern. Und damit moderner denn je“, meint Jessica Braun in der Zeit.

Auf jeden Fall zählen die Coens zu den wenigen Autorenfilmern in Hollywood, schreiben sie doch stets gemeinsam das Drehbuch, lassen ihre Filme auf wundervolle Weise von Roger Deakins fotografieren und zumeist von Carter Burwell musikalisch untermalen. Mittlerweile ist es für Schauspieler ebenso prestigeträchtig, in einem Film der Coen-Brüder mitzuwirken wie in einem von Woody Allen. Dabei sind Hochkaräter wie John Goodman, George Clooney, Frances McDormand, Steve Buscemi und Jeff Daniels immer mal wieder in einem dieser Coen-Filme zu sehen, deren einzigartige Charaktere und starke Dialoge ihr Markenzeichen sind. Die üblichen Konventionen des Genres, auch literarische Vorlagen werden gern aufgegriffen, aber stets auf Coen-typische Weise kunstvoll verfremdet, wobei sich Humor und Anspruch nicht in die Quere kommen müssen. Das beweisen Joen und Ethan Coen mit jedem Film aufs Neue.

Filmographie:
1984: Blood Simple
1987: Arizona Junior (Raising Arizona)
1990: Miller’s Crossing
1991: Barton Fink
1994: Hudsucker – Der große Sprung (The Hudsucker Proxy)

1996: Fargo
1998: The Big Lebowski
2000: O Brother, Where Art Thou?
2001: The Man Who Wasn’t There
2003: Ein (un)möglicher Härtefall (Intolerable Cruelty)
2004: Ladykillers
2006: Paris, je t’aime (Episode)
2007: No Country for Old Men
2008: Burn After Reading
2009: A Serious Man
2010: True Grit

Playlist:

1 Carter Burwell - A Turkey Shoot (True Grit) - 03:05
2 Carter Burwell - Chain Gang (Blood Simple) - 04:47
3 Carter Burwell - Delivery (Fargo) - 04:54
4 Carter Burwell - Raising Ukeleles (Raising Arizona) - 03:40
5 Carter Burwell - Fade Out – The End (Barton Fink) - 03:36
6 Carter Burwell - Norville Suite (The Hudsucker Proxy) -03:54
7 Carter Burwell - Blood Trail Edit (No Country For Old Men) - 03:55
8 Carter Burwell - Baroque Troubles (The Ladykillers) - 02:29
9 The Soggy Bottom Boys - I'm A Man Of Constant Sorrow (O' Brother Where Art Thou?) - 03:13
10 Kenny Rogers & The First Edition - Just Dropped In (The Big Lebowski) - 03:20
11 Elvis Presley - Suspicious Minds (Intolerable Cruelty) - 04:33
12 Carter Burwell - Breaking And Entering (Burn After Reading) - 03:41
13 Carter Burwell - The Trial Of Ed Crane (The Man Who Wasn't There) - 03:48
14 Carter Burwell - End Titles (Miller's Crossing) - 04:44

DIE 1. LANGE NACHT DER FILMMUSIK 18.02.11 - Stunde 1: Die besten Soundtracks des Jahres 2010

Am 15.02.2007 ging ich mit meiner Sendung „Soundtrack Adventures“ erstmals bei Radio ZuSa auf Sendung. Zum zweijährigen Jubiläum gibt es am Freitag, 18. Februar ab 23 Uhr eine achtstündige Jubiläums-Show, bei der ich mit meinem Studiogast Kacper Ogorzalek zunächst zwei Stunden lang die Filmmusik-Highlights des vergangenen Jahres – abgerundet durch ein paar All-time-Favourites – präsentiere.
Als Vorgeschmack auf die 83. Oscar-Verleihung am 27. Februar werden die fünf für einen Academy Award nominierten Filmscores ebenso zu hören sein wie die besten Soundtracks, die die Hörer der Sendung und Blog-Leser hier gewählt haben.

Als Oscar-Nominees sind einmal mehr einige Bekannte am Start: Hans Zimmer (der bereits den Oscar für „Der König der Löwen“ in Empfang nehmen durfte und weitere Nominierungen für „Rain Man“, „Gladiator“, „Besser geht’s nicht“, „Thin Red Line“ und „Sherlock Holmes“ erhalten hat) für seine Musik zu Christopher Nolans „Inception“, Alexandre Desplat (nach Nominierungen für David Finchers „Der seltsame Fall des Benjamin Button“, den Animationsfilm „Der fantastische Mr. Fox“ und „The Queen“) für den auch in anderen Disziplinen (u.a. für den besten Film, die beste Kamera, das beste Kostümdesign und das beste Produktionsdesign) vielfach nominierten Film „The King’s Speech“ und der 2009er Musikoscar-Gewinner A.R. Rahman („Slumdog Millionaire“) für „127 Hours“.
Erstmals nominiert sind John Powell für seine vitale Musik zum Animationsspaß „Drachenzähmen leicht gemacht“ und Nine-Inch-Nails-Mastermind Trent Reznor mit Atticus Ross für David Finchers „The Social Network“.

Darüber hinaus gibt es die Gewinner der Umfrage auf dieser Website zu hören – das sind gleich zwei Scores von James Newton Howard, zum Angelina-Jolie-Actioner „Salt“ und zu M. Night Shyamalans Realfilmadaption der Anime-Serie „Avatar“ („The Last Airbender“). Hans Zimmer ist nicht nur mit „Inception“, sondern auch mit Guy Ritchies „Sherlock Holmes“-Verfilmung vertreten, Harry Gregson-Williams mit dem Abenteuer-Score zu „Prince Of Persia: The Sands Of Time“, Atticus Ross mit „The Book Of Eli“ und Christopher Young mit Jon Amiels Charles-Darwin-Biopic „Creation“.

Playlist 

1 Howard Shore - Prologue (Lord of the Rings – FotR) - 05:57
2 John Williams - Sherzo for Motorcycle & Orchestra (Indiana Jones and the Last Crusade) - 03:55
3 Javier Navarrete - Open Water (Cracks) - 04:45
4 Ilan Eshkeri - Lanyia's Liar (Stardust) - 03:59
5 Alexandre Desplat - The King's Speech (The King's Speech) - 03:57
6 John Williams -  Journey to the Island (Jurassic Park) - 08:54
7 Clint Mansell - Nina's Dream (Black Swan) - 02:59
8 Alan Silvestri - Main Theme (Back to the Future) - 03:13
9 Shigeru Umebayashi - Goerge's Waltz (A Single Man) - 03:20
10 Christopher Young - Pleasure Perfect (Creation) - 04:45
11 A.R. Rahman - R.I.P. (127 Hours) - 05:09
12 Harry Gregson-Williams - Hassansin Attack (Prince Of Persia: The Sands Of Time) - 03:01

DIE 1. LANGE NACHT DER FILMMUSIK 18.02.11 - Stunde 2: Die besten Soundtracks des Jahres 2010 ... und ein paar Klassiker!

Im Mittelpunkt der zweiten Stunde stehen zum einen die weiteren Aspiranten auf den diesjährigen Music Score Academy Award - Hans Zimmer mit seinem düstern Score für Christopher Nolans verstörenden Sci-fi-Thriller "Inception", NIN-Mastermind Trent Reznor und Atticus Ross mit ihrem meist elektronisch groovenden Score zu David Finchers "The Social Network" und John Powell mit seinem ersten Oscar-nominierten Score zum Animationsspaß "Drachenzähmen leicht gemacht" -, außerdem sind mit James Newton Howards furiosem Score zu Philip Noyces Action-Kracher "Salt" und Hans Zimmers überraschend innovativen Score zu Guy Ritchies "Sherlock Holmes" zwei weitere Arbeiten zu hören, die von Euch zu den beliebtesten Scores des vergangenen Jahres gekürt wurden.
Darüber hinaus präsentiert Kacper noch ein paar Schätze aus seiner Sammlung: Dario Marianelli mit seiner einfühlsamen Musik zur jüngsten Jane-Austen-Verfilmung ihres Klassikers "Stolz und Vorurteil", James Horner mit seinem aufregenden Score zum Fantasy-Highlight "Willow", Danny Elfman mit seiner düster-verspielten Musik zu Tim Burtons "Batman Returns", Bruce Broughton mit einer Suite aus seinem meisterhaften "Young Sherlock Holmes"-Score sowie zwei Songs aus den Soundtracks zu Woody Allens Liebensreigen "Vicky Cristina Barcelona" und der Patricia-Highsmith-Verfilmung "Der talentierte Mr. Ripley".

Playlist:

1 James Newton Howard - Orlov's Story (Salt) - 04:45
2 Matt Damon, Jude Law, Fiorello and The Guy Barker International Quintet - Tu vuo fa l'americano (The Talented Mr. Ripley) - 03:03
3 Dario Marianelli - Darcy's Letter (Pride & Prejudice) - 03:56
4 Biel Balesta Trio - When I was a Boy (Vicky Cristina Barcelona) - 03:15
5 James Horner - Willow the Sorcerer (Willow) - 11:57
6 Hans Zimmer - 528491 (Inception) - 02:23
7 Hans Zimmer - Catatonic (Sherlock Holmes) - 06:44
8 Danny Elfman - Birth of the Penguin (Batman Returns) - 02:29
9 Trent Reznor & Atticus Ross - Hand Covers Bruise (The Social Network) - 04:18
10 Bruce Broughton - Young Sherlock Holmes Suite (Young Sherlock Holmes) - 10:36
11 John Powell - This is Berk (How to Train Your Dragon) - 04:12

DIE 1. LANGE NACHT DER FILMMUSIK 18.02.11 - Stunde 3: Queerbeet

Sowohl Thomas Newman als auch John Williams warten noch auf eigene Special-Sendungen bei Soundtrack Adventures, aber natürlich dürfen sie in der langen Nacht der Filmmusik auf Radio ZuSa nicht im Programm fehlen. Thomas Newman ist zu Beginn mit zwei seiner typisch eindringlichen Arbeiten für Regisseur Sam Mendes vertreten, mit dem abwechslungsreichen Score für das Gangster-Drama "Road To Perdition" und mit dem melancholischen "April" aus dem Liebesdrama "Revolutionary Road" ("Zeiten des Aufruhrs"). John Williams knüpfte mit seinen Kompositionen für die ersten drei "Harry Potter"-Filme an die Glanzzeiten an, als er mit seinen Soundtracks für die "Star Wars"- und "Indiana Jones"-Reihen Meilensteine der Filmmusik schuf. Das 12-minütige "Mischief Managed" aus dem dritten Potter-Abenteuer "Der Gefangene von Askaban" stellt mit seinem abwechslungsreichen Arrangement fraglos einen Höhepunkt in der gesamten "Harry Potter"-Filmmusikreihe dar.
Fernöstliche Klänge bieten Shigeru Umebayashis Score für den Jet-Li-Actioner "Fearless" und Tan Dun mit seinem vitalen Score für Ang Lees meisterhaftes Martial-Arts-Spektakel "Tiger & Dragon".
Abgerundet wird die dritte Stunde der achtstündigen Special-Sendung durch Aaron Zigmans ruhigen Score für den neuen Film "The Company Men", das fabulierende "Cave of Wonders" des früheren Disney-Stammkomponisten  Alan  Menken für "Aladdin", Patrick Doyles wehmütiges "I Saw No Shadow" aus der Dickens-Verfilmung "Große Erwartungen", Atticus Ross' ethnisch angehauchtes "The Journey" aus dem apokalyptischen "The Book Of Eli" und die rockigen Klänge von Muse aus dem "Twilight"-Soundtrack-Album.

Playlist:

1 Thomas Newman - Rain Hammers (Road To Perdition) - 02:41
2 Thomas Newman - April (Revolutionary Road) - 09:35
3 Aaron Zigman - You're A Shitty Carpenter (The Company Men) - 03:23
4 Muse - Supermassive Black Hole (Twilight) - 03:31
5 Tan Dun - Desert Capriccio (Tiger & Dragon) - 04:34
6 John Williams - Mischief Managed (Harry Potter and the Prisoner of Azkaban) - 12:09
7 Alan Menken - Cave of Wonders (Aladdin) - 04:59
8 Patrick Doyle - I Saw No Shadow (Great Expectations) - 02:40
9 Frederic Botton - Ensemble c'est tout (Zusammen ist man weniger allein) - 03:48
10 Atticus Ross - The Journey (The Book Of Eli) - 04:27
11 Shigeru Umebayshi - Mrs. Huo/Action (Fearless)- 04:14

DIE 1. LANGE NACHT DER FILMMUSIK 18.02.11 - Stunde 4 - M. NIGHT SHYAMALAN Special

Seit dem wirklich beängstigenden Mystery-Thriller “The Sixth Sense” zählt der am 6. August 1970 im indischen Mahé geborene Regisseur, Produzent, Drehbuchautor und Schauspieler M. Night Shyamalan (mit Mini-Auftritten in den meisten seiner Filme) zu den Filmemachern mit dem besonderen Gänsehaut-Faktor, auch wenn er bislang mit allen weiteren Filmen nicht mehr an den Erfolg des für sechs Oscars nominierten Thrillers, der weltweit ca. 670 Millionen US-Dollar einspielte, nicht mehr anknüpfen konnte.

M. Night (eigentlich Manoj Nelliyattu) wuchs als Sohn des Kardiologen Nelliate C. Shyamalan und der Gynäkologin Jayalakshmi Shyamalan in der Nähe des südwestindischen Kleinstadt Mahé auf, nachdem seine Eltern 1960 in die USA ausgewandert waren, seine Mutter zur Geburt ihres zweiten Kindes aber für kurze Zeit nach Indien zurückkehrte. In einem Umfeld von strenger Disziplin, römisch-katholischer Schulerziehung und einer hinduistisch geprägten Lebenskultur empfand sich Shyamalan als „Wanderer zwischen den Welten“, der früh ein Interesse für den Film entwickelte. Zunächst inspiriert von einem Buch von Spike Lee, war Shyamalan von Filmen der Meisterregisseure Steven Spielberg und Alfred Hitchcock fasziniert.

„Ich verehre Hitchcock für seinen Stil, seine Kompositionen. Heute werden Filme anders entwickelt: Wir können mithilfe der Technologie alles Mögliche zusammentragen und uns später überlegen, wie wir daraus einen Film machen. Man kann im Nachhinein einfacher etwas ändern kann, wenn das Publikum in Testvorführungen beispielsweise mehr Action sehen möchte. So muss man nicht mehr alles im Voraus planen und Szene für Szene entwickeln. Aber genau darum geht es mir: einen Film in meinem Kopf entstehen zu lassen, bis ins kleinste Detail. Hitchcock ist dahingehend mein großes Vorbild“, gab Shyamalan in einem Interview mit Focus Online zu Protokoll.

Er begann mit der Super 8-Kamera seines Vaters zu experimentieren und etliche Kurzfilme zu realisieren, die teilweise als Bonusmaterial auf den DVD-Veröffentlichungen seiner späteren Filme zu sehen sind.
Obwohl sein Vater es lieber gesehen hätte, wenn sein Sohn auch eine Medizin-Karriere eingeschlagen hätte, entschloss sich Manoj zu einem Studium an der New Yorker Universität Tisch School of the Arts lernte dort die indische Psychologiestudentin Bhavna Vashani kennen, die er 1993 heiratete und mit der er zwei Töchter hat. Als er seinen Bachelor machte, änderte Manoj seinen Namen in M. Night um, da ihn einige Kommilitonen ohnehin schon mit dem Spitznamen Night bedacht haben.
Noch an der Uni realisierte Shyamalan seinen ersten Spielfilm „Praying With Anger“, einen vom American Film Institute geförderten, von seinen Eltern mitfinanzierten autobiographischen Film über einen indischen, von Shyamalan selbst gespielten Jungen, der in den USA aufwächst und nach dem Studium sein Heimatland erforscht. Der Film, den Shyamalan in Indien drehte, startete 1992 beim internationalen Filmfestival von Toronto und wurde ein Jahr später vom American Film Institute als Debütfilm des Jahres ausgezeichnet.
Nachdem sein Drehbuch zu „Labor Of Love“ allseits auf Desinteresse stieß, konnte er Miramax davon überzeugen, sein Skript mit dem Titel „Wide Awake“ selbst zu verfilmen.

Der sechs Millionen Dollar teure Film spielte 1998 allerdings nur dreihunderttausend Dollar ein, woraufhin Shyamalan zunächst für Columbia das Drehbuch zum Fantasy-Kinderfilm „Stuart Little“ schrieb.
Mit seinem nächsten Film hatte Shyamalan mehr Glück. Er verkaufte sein Skript zu „The Sixth Sense“, das er mit Bruce Willis in der Hauptrolle konzipiert hatte, für drei Millionen Dollar an die Walt Disney Company und lernte beim Dreh den Produzenten Sam Mercer kennen, der bis heute alle Shyamalan-Filme produziert hat.
Bruce Willis spielt den Psychiater Dr. Malcolm Crowe, der vor einem Jahr von einem seiner Patienten angeschossen wurde, worauf dieser Selbstmord beging. Dann trifft er auf den neunjährigen Cole (Haley Joel Osment), der behauptet, tote Menschen sehen zu können …
Bruce Willis gibt hier als zweifelnder Psychiater eine seiner überzeugendsten Performances ab, doch die eigentliche Überraschung ist der junge Haley Joel Osment, der den verstörten Jungen grandios verkörpert.

"Auch wenn der Film teilweise die Mittel des Horror-Kinos bemüht, um eine bedrohliche Atmosphäre zu erzeugen, zeichnen ihn sein betont ruhiger Erzählduktus und die unaufdringliche Bildsprache als ernsthafte und außergewöhnlich sorgfältig inszenierte Annäherung an das Thema der menschlichen Sterblichkeit aus“, befand der film-dienst in der Ausgabe 26/1999.
„‘The Sixth Sense‘ ist ein sehr subtil vorgehender und extrem packender Horror-Thriller, der trotz wenig Aufwand und der starken Konzentration auf einen Kind-Charakter absolut überzeugt. Wenn man allerdings das Kino verlässt, dann haben die ersten 100 Minuten einen völlig neuen Wert angenommen, denn am Ende erwartet den Zuschauer der berühmte ‚Keyser Soze‘-Effekt: Durch einen einzigen, völlig überraschenden Plot-Twist wird alles bisher gesehene in seine Bestandteile zerlegt und muss vom Zuschauer neu zusammengesetzt werden, nachdem der Film schon längst vorbei ist. (…) Das Erstaunliche dieses finalen Twists ist, dass die Hinweise den ganzen Film über ganz offen da lagen, und so ergibt alles mit einem plötzlichen Aha-Erlebnis zwar einen ganz neuen, aber auch sofort logischen Sinn. Die Meisterleistung Shyamalans besteht darin, seinen Zuschauer über eineinhalb Stunden mit einer Geschichte zu fesseln, ihn ganz elegant an allen Hinweisen und Andeutungen vorbei zu führen, und ihm so am Ende richtig einen zu verpassen“, urteilt Filmszene.
Nach dem phänomenalen Erfolg von „The Sixth Sense“ war der Name M. Night Shyamalan auf einmal in aller Munde. Das Angebot, ein Remake des Sci-Fi-Klassikers „Planet der Affen“ zu drehen, lehnte er mit der Begründung ab, ihn nicht in Philadelphia realisieren zu können. Dafür schrieb er ein weiteres Skript mit Bruce Willis in der Hauptrolle. Disney zahlte jeweils fünf Millionen Dollar für Shyamalans Drehbuch und Regiearbeit für „Unbreakable“, womit Shyamalan zu einem der bestbezahlten Filmemacher in Hollywood avancierte.
Nicht ganz so unheimlich, aber doch geheimnisvoll genug fiel Bruce Willis‘ Rolle in „Unbreakable“ aus, in dem er den einfachen Sicherheitsangestellten David Dunn in einem Football-Stadion spielt, der als einziger ein schweres Zugunglück überlebt. Als er daraufhin von dem eigenartigen Comic-Experten Elijah Price (Samuel L. Jackson) aufgesucht wird, der David eröffnet, dass dieser unzerbrechlich sei und das Zeug zum Superhelden habe, reagiert er zunächst verstört, muss aber bald erkennen, dass an der Behauptung etwas Wahres dran ist …

Shyamalan erweist sich auch mit seinem zweiten großen Hollywood-Film als sorgfältiger Filmemacher, der seine Figuren liebevoll einführt und durch den Film bis zum – erwartungsgemäß überraschenden – Ende begleitet. Eduardo Serras („Das Mädchen mit dem Perlenohrring“) großartige Kameraarbeit und James Newton Howards feinsinniger, dann auch elektronisch groovender Score runden die dichte Atmosphäre der außergewöhnlichen Superhelden-Variation hervorragend ab. So bietet der Film eine "spannende Mischung aus Horror- und Psycho-Thriller-Elementen, die auf die üblichen Inszenierungsmittel der Hollywood-Genres verzichtet und in langen Einstellungen und düsteren Bildern vom inneren Kampf der Hauptfigur erzählt, der sowohl psychologische als auch spirituelle Dimensionen beinhaltet.“ (film-dienst 26/2000).
Der 75 Millionen Dollar teure Film überzeugte zwar Kritiker und Publikum, konnte aber nicht an den Erfolg von „The Sixth Sense“ heranreichen. Statt die Kinoadaption von „Harry Potter und der Stein der Weisen“ zu verwirklichen (Zeitmangel) und das Drehbuch für Steven Spielbergs vierten „Indiana Jones“-Film zu schreiben (künstlerische Differenzen mit Spielberg), schrieb Shyamalan mit „Signs“ sein nächstes eigenes Drehbuch, das wieder für fünf Millionen Dollar von Disney gekauft wurde, die noch einmal 7,5 Millionen Dollar dafür zahlten, dass Shyamalan auch die Regie führte. 2002 kam der Mystery-Thriller in die Kinos und legte den erfolgreichsten Start für die Disney-Tochter Touchstone Pictures hin.
Mel Gibson spielt den Ex-Priester Graham, der nach dem Tod seiner Frau den Glauben an Gott verloren hat und nun mit seinen beiden Kindern und seinem jüngeren Bruder Merrill (Joaquin Phoenix) abgeschieden auf einer Farm lebt. Das beschauliche Leben der Farmer-Jungs ändert sich schlagartig, als sie in ihren Feldern Kornkreise entdecken – ein Phänomen, das sich bald in allen Teilen der Welt wiederholt und eine unmittelbare Bedrohung durch Außerirdische anzukündigen scheint …

Wie bei seinen vorangegangenen Filmen baut Shyamalan die bedrohlich-unheimliche Stimmung durch eine Hitchcock-mäßige Spannung mit einer eindrucksvollen Soundkulisse und einer bedächtigen Kameraarbeit auf. Allerdings befindet der film-dienst zurecht:
"Die lange Zeit in der Schwebe gehaltene Geschichte lebt von der Begabung des Regisseurs für unheimliche Atmosphären und rückt die spirituelle Komponente deutlicher in den Vordergrund als die Anlass gebende Fantasy-Geschichte. Fesselnd und stilistisch interessant, bleibt der Film letztlich doch unbefriedigend, weil das Sujet inhaltlich zu wenig vertieft wird." (19/2002)
Joaquin Phoenix spielt – an der Seite von Adrien Brody, Sigourney Weaver, William Hurt und Bryce Dallas Howard - auch die Hauptrolle in Shyamalans nächsten Mystery-Thriller „The Village – Das Dorf“. Die junge Beziehung zwischen der blinden, aber selbstbewussten Kitty (Bryce Dallas Howard) und dem schüchternen Lucius (Joaquin Phoenix) in der abgeschieden in den Wäldern Pennsylvanias gelegenen Ortschaft Covington wird 1897 auf eine harte Probe gestellt, als der Dorffrieden von den mysteriösen Kreaturen im Wald bedroht wird.

Zwar spielte der Film immerhin gut 260 Millionen Dollar ein, war aber längst nicht mehr so erfolgreich wie die vorangegangenen Werke, erhielt aber überwiegend positive Kritiken: "Virtuos platziert Shyamalan visuelle Widerhaken in seinen pastoralen Tableaus ... im doppelbödigen Spiel mit dem christlich-amerikanischen Fundamentalismus brillieren vor allem die jungen Hoffnungsträger: Joaquin Phoenix verströmt die somnambule Sexyness eines Rebellen auf Ritalin, während die großartige Bryce Dallas Howard - Tochter von Regisseur Ron Howard - in ihrem Spielfilmdebüt vor lauter kontrollierter Kraft förmlich zu vibrieren scheint. Am Ende gibt es dann noch die obligatorische Pointe. Sie sitzt maßgeschneidert, ist jedoch überflüssig. Denn letztlich unterstreicht sie nur jene düstere Erkenntnis, die Shyamalan seinen formidablen Village People ins Stammbuch geschrieben hat: Dass der Weg zur Hölle mit guten Absichten gepflastert ist“, befindet
Spiegel Online.
"Bei manchen Regisseuren ist die Allegorie eine wilde Bestie, die die Erzählung mit sich fortreißt und verschlingt. In 'The Village - Das Dorf' streunt sie eher wie eine klug domestizierte Hauskatze durchs Bild. Man mag bei der Fabel des Films an die Varianten des amerikanischen Isolationismus denken, an die Eroberung des unberührten Westens oder Thoreaus romantischen Entwurf einer den Einklang mit der Natur suchenden Einsiedelei - und natürlich an die gegenwärtige homeland security und ihren Kampf gegen einen unsichtbaren Feind. Shyamalans Interesse reicht jedoch tiefer als jede politisch ausdeutbare Metaphorik: Sein Thema ist die Überwindung der Furcht in einer auf Furcht gegründeten Gesellschaft und die Erkenntnis, dass ein äußerer Feind nicht notwendig den inneren Frieden garantiert“, befand die Frankfurter Rundschau am 09. September 2004.
Sehr deutlich ist aber Shyamalans charakteristische Technik, mit möglichste wenigen Schnitten und dafür umso längeren Kameraeinstellungen zu arbeiten.

„Heute entstehen die meisten Filme durch aufwändige Montagen im Schneideraum, der eigentliche Dreh verkommt zur puren Materialbeschaffung. Ich wähle einen anderen Ansatz und versuche, die Magie des Augenblicks einzufangen. Wenn man während eines Gesprächs häufig schneidet, erzeugt man automatisch eine andere Realität als am Set. Oft kommt dann das böse Erwachen, weil man die Magie nicht mehr spüren kann. Deshalb wähle ich oft Theaterschauspieler und drehe so zusammenhängend wie möglich“, meinte Shyamalan in einem Interview mit Spielfilm.de.

Eine andere wichtige Komponente ist die Sound- und Musikebene in den Filmen des Regisseurs. Mit James Newton Howard hat er einen der profiliertesten Komponisten für all seine Filme seit „The Sixth Sense“ gewinnen können.

Einen derben Dämpfer erhielt Shyamalan mit seinem nächsten Film. Disney lehnte seine Gutenachtgeschichte „Lady In The Water“ als zu wirr ab. Enttäuscht kündigte der Filmemacher bei Disney und brachte seinen Film bei Warner unter. In dem über 70 Millionen Dollar teuren Film spielt Bryce Dallas Howard eine Nymphe, die den Hausmeister Cleveland Heep (Paul Giamatti) vor dem Ertrinken im Swimmingpool einer Wohnanlage rettet.
Allerdings möchte sie wieder gern in ihr Reich unter dem Pool zurückkehren, was finstere Kreaturen zu verhindern versuchen. Zusammen mit den Bewohnern des Apartment-Komplexes hat er nur wenig Zeit, sie mit Hilfe eines noch zu entschlüsselnden Codes zurückzubringen …
Zwar erweist sich Shyamalan erneut als überzeugender Geschichtenerzähler, doch ist der aus einer spontanen Gute-Nacht-Geschichte für seine Kinder entstandene Film nur leidlich spannend ausgefallen.

Das 2006 gestartete Märchen fiel dermaßen an den Kinokassen und beim Publikum durch, dass es für Shyamalan schwierig wurde, Gönner für seine nächsten Projekte zu finden. Tatsächlich ließ sich Twentieth Century Fox auch nur auf seinen nächsten Film „The Happening“ ein, wenn die Hälfte der Produktion von einem weiteren Studio finanziert wird, das schließlich in dem indischen Medienkonzern UTV gefunden werden konnte.

„Ich glaube, dass alle Menschen vor demselben Angst haben: allein zu sein. Wenn wir geboren werden, steckt es schon in unseren Genen, die uns befehlen: Sei niemals allein. Also schreien wir, und die Mama kommt. Später umgeben wir uns mit der Familie, mit Freunden, um dieses Gefühl der Sicherheit aufrechtzuerhalten. Die Definition von Kunst ist für mich, dass man dazu fähig ist, das Gefühl zu transportieren, dass man nicht allein ist. Wenn man also ein Kunstwerk betrachtet, dann ist man Teil einer imaginierten Gemeinschaft, weil man weiß, dass schon jemand anderes dieses Kunstwerk betrachtet hat und vielleicht dasselbe gefühlt hat wie man selbst. Im Kino wird dieses Erlebnis konkreter, weil wir mit vielen anderen Zuschauern gemeinsam im Saal sitzen. Und schon fühlen wir uns ein bisschen sicherer. Ich spiele mit der Angst, isoliert zu werden. Um zu überleben, müssen die Menschen in „The Happening“ sich immer mehr voneinander trennen, bis selbst die Kerngemeinschaft der Familie in ihrem Zusammenhalt bedroht ist. Wir fürchten uns eigentlich nicht vor dem Tod an sich, sondern vor der Tatsache, für immer allein zu sein“, erklärt Shyamalan in Focus Online.

Immerhin erzielte der mystische Öko-Thriller mit Mark Wahlberg ein weltweites Einspielergebnis von etwa 163 Millionen Dollar, doch so wirklich entspannt sich die Lage für Shyamalan damit immer noch nicht.

Insofern kam es für Shyamalan ganz gelegen, dass er mit der Realverfilmung der Zeichentrickserie „Avatar – Der Herr der Elemente“ einen kleinen Genre-Wechsel vollziehen konnte. Da die Rechte am Namen „Avatar“ nicht übernommen werden konnte, kam der erste Teil der geplanten Trilogie 2010 unter dem Titel „The Last Airbender“ und in Deutschland als „Die Legende von Aang“ in die Kinos und spielte weltweit 320 Millionen Dollar ein. Damit avanciert das trickreiche Fantasy-Action-Spektakel zum dritterfolgreichsten aller Shyamalan-Filme nach „The Sixth Sense“ und „Signs“.
Die Kritik meinte es allerdings weniger gut mit dem Fantasy-Spektakel:
„Eines der Hauptprobleme von 'Die Legende von Aang' – der im übrigen, auch wenn die Werbekampagne anderes verspricht, definitiv kein 3D-Film ist – besteht sicherlich darin, dass Shyamalan hier die äußerst stoffreiche erste Staffel der Animationsfilmserie in einen knapp 100minütigen Film zu stopfen hat, was ihm schlichtweg keine Zeit lässt: keine Zeit für Zwischentöne, keine Zeit für einen sinnhaften narrativen Rhythmus, keine Zeit für die erstaunliche Ernsthaftigkeit, die in der Vorlage immer wieder durch das Kindgerechte hindurchschimmert. Keine Zeit für einen richtigen Film letztlich, denn was bleibt, ist ein wackliges Gerippe aus Plot Points, die Shyamalan gehetzt abarbeitet, während er mitzuteilen vergisst, warum einen das Ganze überhaupt interessieren soll. Über weite Strecken fühlt sich Shyamalans Adaption einer durchaus komplexen Vorlage an wie die lustlose Verfilmung einer C-Klasse-Fantasyromanreihe. Nur in wenigen Sequenzen legt sich plötzlich und nur augenblickskurz eine Schwere, eine Düsternis auf Die Legende von Aang, die vom eigentlichen Potenzial des Stoffes kündet. Und einzig diese wenigen Momente lassen die Hoffnung noch am Leben, dass Shyamalan in den bereits geplanten zwei Fortsetzungsfilmen ein wenig von dem Unrecht wieder ausbügelt, das er seiner Vorlage hier getan hat“, urteilt
Schnitt.

Visuell und akustisch offenbart sich Shyamalan allerdings wieder als Meister seines Fachs. James Newton Howard hat zu den bisherigen Filmen Shyamalans seit „The Sixth Sense“ immer wieder die besten seiner Arbeiten präsentiert und enttäuscht auch bei „Die Legende von Aang“ nicht. Wuchtige Percussions, einige ethnische Elemente, satte Orchestrationen und wie gewohnt atmosphärisch stimmige elektronische Sounds machen den Soundtrack zu „Die Legende von Aang“ zu einem echten Hörvergnügen.

Filmographie:
1992: Praying with Anger (Drehbuch, Regie)
1998: Wide Awake (Drehbuch, Regie)
1999: Stuart Little (Drehbuch)
1999: The Sixth Sense (Drehbuch, Regie)

2000: Unbreakable – Unzerbrechlich (Drehbuch, Regie)
2002: Signs – Zeichen (Drehbuch, Regie)
2004: The Village – Das Dorf (Drehbuch, Regie)
2006: Das Mädchen aus dem Wasser (Lady In The Water) (Drehbuch, Regie)
2008: The Happening (Drehbuch, Regie)
2010: Die Legende von Aang (The Last Airbender) (Drehbuch, Regie)
2010: Devil (Drehbuch)

M. Night Shyamalans Website

Playlist:

1 James Newton Howard - I'm Back, Lucius … (The Village) - 07:41
2 James Newton Howard - Tape Of Vincent (The Sixth Sense) - 03:28
3 James Newton Howard - The Wreck (Unbreakable) - 03:45
4 James Newton Howard - Throwing A Stone (Signs) - 05:35
5 James Newton Howard - End Title Suite (The Happening) - 08:36
6 James Newton Howard - Charades (Lady In The Water) - 05:50
7 James Newton Howard - End Credits (The Last Airbender) - 09:25
8 James Newton Howard - Mr Glass/End Title (Unbreakable) - 07:39
9 James Newton Howard - The Gravel Road (The Village) - 04:31
10 James Newton Howard - First Crop Circles (Signs) - 03:17

DIE 1. LANGE NACHT DER FILMMUSIK 18.02.11 - Stunde 5 - NAOMI WATTS Special

Die Schauspielerin Naomi Watts, am 28. September 1968 im englischen Shoreham geboren, hat seit ihrem Durchbruch mit David Lynchs Mystery-Thriller „Mulholland Drive“ (2001) ihren Weg in Hollywood gemacht und wird demnächst in „Blonde“ sogar Marilyn Monroe verkörpern. Doch bis zu ihrem Durchbruch hat sie eine harte Zeit durchmachen müssen.

Als Tochter des Pink-Floyd-Toningenieurs Peter und der Theaterschauspielerin und Innenarchitektin Myfanwy musste sie im Alter von vier Jahren erst die Trennung ihrer Eltern, drei Jahre später den plötzlichen Tod ihres Vaters verdauen, ehe sie mit ihrer Mutter und ihrem jüngeren Bruder Ben nach Wales zu den Großeltern.
Mit 14 zog Naomi Watts mit ihrer Familie ins australische Sydney, wo sie Schauspielunterricht nahm und bei einem Casting für ein Bikini-Shooting die 15-jährige Nicole Kidman kennenlernte, mit der sie sich schnell anfreundete. Ihre Schauspielkarriere unterbrach Watts 1986, um als Model in Japan zu arbeiten, kehrte aber erfolglos wieder nach Australien zurück, um in einem Kaufhaus und dann bei dem Modemagazin „Follow Me“ als Editor zu arbeiten. Als ein Arbeitskollege sie einlud, in einem kleinen Theaterstück mitzuspielen, war ihre Leidenschaft für die Schauspielerei wieder entfacht, so dass sie ihren Job beim Magazin kündigte.
1986 ergab sich eine Rolle in dem australischen Film „Für die Liebe allein“, dann Auftritte in den Fernsehserien „Hey Dad!“, „Brides Of Christ“ und „Home And Away“. Als sie zur Premiere von „Dead Calm“ eingeladen wurde, traf sie Regisseur John Duigan, der ihr - an der Seite ihrer Freundin Nicole Kidman - eine Rolle in seiner Teenie-Komödie „Flirting“ (1991) anbot und sie auch in seinem nächsten Film „Wide Sargasso Sea“ (1993) unterbrachte.

Um ihren Traum von einer Karriere in Hollywood zu verwirklichen, zog sie nach Los Angeles, wo sie nun auch Rollen angeboten bekam, wie in Rachel Talalays trashiger Comic-Adaption „Tank Girl“ (1995), Joe Dantes Horror-Komödie „Matinee“ (1993) und dem Horror-Sequel „Kinder des Zorns 4 – Möderischer Kult“ (1996). Zwar war sie weiterhin extrem fleißig und ergatterte Hauptrollen in dem TV-Sci-Fi-Mehrteiler „Project Sleepwalker“ (1997/98), in dem Fernseh-Mystery-Thriller „The Wyvern Mystery“ (2000) und in dem Fahrstuhlthriller „Down“ (2001), doch erst in der Komödie „Ellie Parker“ (2001) konnte Naomi Watts ihr ganzes Talent ausspielen, ehe sie Kritiker und Publikum mit ihrer erotisch angehauchten Doppelrolle in David Lynchs meisterhaften Thriller „Mulholland Drive“ auf sich aufmerksam machen konnte.

Eigentlich sollte 1999 ein Pilotfilm bei ABC entstehen. Der Sender machte zwar einen Rückzieher, aber StudioCanal erbot sich, eine Kinoversion zu finanzieren, die 2001 die Filmfestpiele in Cannes eröffnete und die Naomi Watts als blondes Pendant zu einer älteren Frau präsentierte, die unter Gedächtnisverlust leidet und mit ihrer Partnerin eine Affäre beginnt. Lynch schwärmte gegenüber der Los Angeles Times: „Ich jemanden, bei dem ich unglaubliches Talent spürte, und ich sah jemanden, der eine wundervolle Seele, Intelligenz und die Möglichkeit für viele verschiedene Rollen besaß, also war es ein schönes Paket.“
Nun konnte sie sich bessere Rollen aussuchen, z.B. in dem Remake des japanischen Grusel-Erfolgs „The Ring“ (2002), in dem sie eine Journalistin spielt, die den Ursprung eines tödlichen Videobandes aufspürt. Mit ihrem australischen Kollegen Heath Ledger startete sie in „Ned Kelly“ (2003) und verliebte sich in den zehn Jahre jüngeren Schauspieler.
„Ich denke, es geht um Lebenserfahrung, nicht um das Alter“, erklärte sich Naomi Watts in In Style. „Ich habe mich in eine Seele und eine Person verliebt, und seine Lebenserfahrung war reich genug, um mich zu stimulieren.“

Naomi Watts‘ Karriere entwickelte sich weiterhin prächtig. In James Ivorys Romantik-Komödie „Eine Affäre in Paris“ (2003) machte die attraktive Darstellerin eine ebenso gute Figur wie an der Seite von Sean Penn und Benicio del Toro in Alejandro González Iñárritus Drama „21 Gramm“ (2003), das ihr 2004 ihre erste Oscar-Nominierung einbrachte.
Es folgten das Horror-Sequel „The Ring 2“ (2005), der Thriller „Stay“ und die Hauptrolle in Peter Jacksons „King Kong“-Remake (allesamt 2005).
„King Kong“-Regisseur Peter Jackson schwärmte in Vanity Fair:
„Naomi besitzt die Fähigkeit, das Publikum in das Innenleben der Figuren hineinzuziehen, die sie darstellt, und sie versteht es, mehr zu verbergen als zu offenbaren, so dass man immer mehr möchte.“
Seit 2006 ist Naomi Watts mit dem Schauspieler Liev Schreiber liiert, an dessen Seite sie in dem Drama „Der bunte Schleier“ seine Filmfrau spielte. Das Paar hat mittlerweile zwei Kinder.
2007 folgten noch bemerkenswerte Darstellungen in David Cronenbergs Gangster-Drama „Tödliche Versprechen“ und Michael Hanekes US-Remake seines eigenen verstörenden Films „Funny Games“, nach der Baby-Pause ging es 2009 mit Tom Tykwers Politik-Thriller „The International“ und dem Drama „Mütter und Töchter“ weiter.
Im letzten Jahr war Naomi Watts in Doug Limans – auf wahren Begebenheiten beruhenden - Agenten-Thriller „Fair Game“ zu sehen. Darin schlüpft sie in die Rolle der CIA-Agentin Valerie Plame, die von der US-Regierung bewusst enttarnt worden ist, nachdem ihr Ehemann, der Diplomat Joseph Wilson, die Kriegsgründe der US-Regierung gegen den Irak als unhaltbar entlarvte und darüber in der New York Times schrieb.

"So ein tolles Drehbuch mit so einer tollen Rolle abzulehnen, wäre verrückt gewesen. Ich habe den Part nicht aus politischen Gründen angenommen, sondern weil mich die Figur faszinierte. Ich kannte die politischen Hintergründe und die Details, wusste, was Valerie an Stress hinter sich hatte. Sie verabscheute die Öffentlichkeit und stand plötzlich im Rampenlicht“, erzählte Naomi Watts dem Bayrischen Rundfunk. „Wegen meines kleinen Babys konnte ich keine großen Reisen machen, deshalb haben wir stundenlang telefoniert und endlos e-mails ausgetauscht. Ich wollte wissen, wie es ist, Ehefrau, Mutter und Karrierefrau zu sein und was ich mir schrecklich vorstelle keinem Freund sich wirklich anvertrauen zu können, immer auf der Hut zu sein, damit niemand etwas merkt. Mir haben Valeries spannende Geschichten von Doppel-Identitäten und der ganzen Spionagewelt fast die Schuhe ausgezogen, obgleich sie viele Dinge gar nicht erwähnen durfte, weil sie immer noch wegen der CIA Schweigepflicht hat."

Filmographie:
1986: Für die Liebe allein (For Love Alone)
1990: Hey Dad! (Fernsehserie)
1991: Flirting - Spiel mit der Liebe
1991: Dem Herrn verbunden (Brides of Christ) - Fernsehserie
1991: Home and Away (Fernsehserie)
1993: Doppeltes Spiel (The Custodian)
1993: Matinee - Die Horrorpremiere
1993: Sargasso Sea - Im Meer der Leidenschaft (Wide Sargasso Sea)
1993: Verführt - Schuldig oder nicht schuldig? (Gross Misconduct)
1995: Tank Girl
1996: Raus aus Atlantis (Bermuda Triangle) - TV
1996: Kinder des Zorns 4 - Mörderischer Kult (Children of the Corn IV: The Gathering)
1996: Zerbrechliches Glück (Timepiece) - TV
1996: Täter unbekannt (Persons Unknown)
1997: Under the Lighthouse Dancing
1998: A House Divided (Kurzfilm)
1998: Gefährliche Schönheit - Die Kurtisane von Venedig (Dangerous Beauty)
1997-98: Project Sleepwalker (Sleepwalkers) - Fernsehserie
1998: Ein ganz besonderer Weihnachtswunsch (The Christmas Wish) - TV
1999: Die Jagd nach dem Unicorn-Killer (The Hunt for the Unicorn Killer) - TV
1999: Strange Planet
2000: Wyvern Mystery (TV)
2001: Never Date an Actress (Kurzfilm)
2001: Ellie Parker (Kurzfilm)
2001: Down - Steig ein, wenn du dich traust

2001: Mulholland Drive - Straße der Finsternis
2002: Rabbits
2002: The Ring - Das Grauen schläft nie
2002: Grabgeflüster - Liebe versetzt Särge (Plots with a View)
2002: The Outsider (TV)
2003: Gesetzlos - Die Geschichte des Ned Kelly (Ned Kelly)
2003: Eine Affäre in Paris (Le Divorce)
2003: 21 Gramm (21 Grams)
2004: We Don't Live Here Anymore
2004: Attentat auf Richard Nixon (The Assassination of Richard Nixon)
2004: I ? Huckabees
2005: The Ring 2 (The Ring Two)

2005: Ellie Parker - Schauspielerin
2005: Stay
2005: King Kong
2006: The Painted Veil
2007: Tödliche Versprechen - Eastern Promises
2007: Funny Games U.S.
2009: The International
2009: Mütter und Töchter (Mother and Child)
2010: Ich sehe den Mann deiner Träume (You Will Meet A Tall Dark Stranger)

2010: Fair Game
2010: Movie 43
2011: The Impossible
2011: Dream House

Playlist:

1 Angelo Badalamenti - Mulholland Drive (Mulholland Drive) - 04:16
2 Klaus Badelt - Saving A Life (Ned Kelly) - 03:18
3 Gustavo Santaolalla - Do We Lose 21 Grams? (21 Grams) - 02:28
4 Jerry Goldsmith - The Scam (Matinee) - 04:08
5 Alexandre Desplat - The Water Wheel (The Painted Veil) - 06:20
6 Howard Shore - Anna Khitrova (Eastern Promises) - 03:25
7 Richard Robbins - A Phone Call (Le Divorce) - 02:51
8 James Newton Howard - It's In The Subtext (King Kong) - 03:19
09 Tom Tykwer, Johnny Klimek & Reinhold Heil - Chasing Jonas Skarssen (The International) - 02:55
10 John Powell - Uncomfortable Love (Fair Game) - 06:06
11 Hans Zimmer, Henning Lohner & Martin Tillman - Let The Dead Get In (The Ring) - 04:00
12 John Powell - Testify (Fair Game) - 04:33
13 Hans Zimmer, Henning Lohner & Martin Tillman - Burning Tree (The Ring) - 10:14

DIE 1. LANGE NACHT DER FILMMUSIK 18.02.11 - Stunde 6 - PHILIP GLASS Special

Lange Zeit betrachtete man den amerikanischen Komponisten Philip Glass eher als ein musikalisches Genie, das abseits konzertmusikalischer Konventionen agierte. Doch seit seinem epochalen Meisterwerk „Einstein on the Beach“, das er 1976 gemeinsam mit Robert Wilson realisierte, mit seinen Opern „Satyagraha“, „Akhnaten“ und „The Voyage“, seinen Filmscores zu „Koyaanisqatsi“, „Powaqqatsi“, „Mishima“, „The Thin Blue Line“ und den beiden „Candyman“-Filmen, aber auch durch seine Zusammenarbeit mit so unterschiedlichen Pop-Künstlern wie David Bowie, Brian Eno, Suzanne Vega, Paul Simon und Aphex Twin hat sich der in New York lebende und arbeitende Künstler einen Ruf als ein ungemein vielseitiger Künstler erworben, für den es eine strenge Trennung zwischen E- und U-Musik nicht gibt und der gerade mit einer Golden-Globe- und einer Academy-Award-Nomination für seinen Score zu Martin Scorseses Film „Kundun“ bedacht wurde.

© by Pasquale Salerno

Der Grundstein für sein außergewöhnlich breit angelegtes musikalisches Betätigungsfeld wurde bei Philip Glass bereits in frühester Kindheit gelegt. Der Vater des am 31. Januar in Baltimore geborenen Philip Glass unterhielt ein Plattengeschäft, das den Nährboden für die vielseitigen musikalischen Interessen bot, für die Glass später berühmt werden sollte.

„Ich war in der glücklichen Lage, dass mein Vater ein Musikgeschäft hatte, so dass ich von früh an jede Art von Musik hörte, die man sich vorstellen kann, sowohl klassische als auch Pop-Musik und moderne Musik“, erzählt Glass.
„Ich begann, in dem Geschäft zu arbeiten, als ich gerade mal zwölf Jahre alt war. Wir konnten auch Platten mit nach Hause nehmen, um sie uns anzuhören. Das war ein großes Glück für mich. So konnte ich schon in jungen Jahren einen sehr breit gefächerten Musikgeschmack entwickeln. Ich habe nicht nur klassische oder experimentelle Musik gehört, sondern wirklich jede Art von Musik: Pop, World Music und verschiedene Arten von Crossover Music.“

Mit sechs Jahren begann Philip Glass mit dem Geigenspiel, zwei Jahre später kam die Flöte dazu. Doch sowohl das limitierte Flöten-Repertoire als auch das musikalische Leben im Nachkriegs-Baltimore frustrierten den jungen Musiker, der sich während seines zweiten Jahres an der Highschool für die Universität in Chicago bewarb, wo er Mathematik, Philosophie und Musik studierte. Mit 19 Jahren machte er dort seinen Abschluss und ging nach New York an die Juillard School, wo er seinen Traum, Komponist zu werden, verwirklichen wollte. Er ließ die 12-Ton-Technik, die er noch in Chicago praktizierte, hinter sich und begann sich für Komponisten wie Aaron Copland und William Schuman zu begeistern.
Doch weder das Studium unter Lehrern wie Vincent Persichetti, Darius Milhaud und William Bergsma, noch die Abkehr vom Serialismus und die Faszination von Außenseiter-Komponisten wie Harry Partch, Charles Ives, Moondog, Henry Cowell oder Virgil Thomson ließen Philip Glass noch immer nicht seine eigene Stimme finden.
Schließlich führte ihn seine Suche Mitte der 60er Jahre nach Paris, um bei Nadia Boulanger zu studieren.

„Nadia Boulanger war sehr wichtig für mich, aber auch Ravi Shankar, mit dem ich zur gleichen Zeit Mitte der 60er arbeitete, war ein ebenso wichtiger Einfluss“, blickt Glass zurück. „Durch ihn kam ich in Kontakt mit einer Musik, die ich während meiner Schultage nicht kennen gelernt hatte. In den 60ern wussten wir noch nicht viel über die Tradition der World Music, wie sie in Afrika, Korea oder Indien vorherrschten. Mit Ravi wurde mir diese Tür geöffnet, und Boulanger lehrte mich die grundlegenden Wesenszüge von Musik, obwohl ich schon das Konservatorium abgeschlossen hatte. Mit ihrer Hilfe betrachtete ich all das, was ich bisher kannte, von Neuem und sie brachte mich auf eine sichere Basis musikalischer Technik. Das wurde dann besonders wichtig, als meine Musik experimenteller wurde. Gerade bei experimenteller Musik ist ein großer Background sehr hilfreich, und den habe ich von ihr erhalten. Andere Einflüsse wie das Zusammentreffen mit John Cage, Ornette Coleman, Paul Simon, die auch in New York leben, sind so bedeutend, weil ich ihre Musik hören und mit ihnen darüber reden kann.“

 © by Steve Pyke

Überhaupt führt Philip Glass den Umstand, dass er gerade mit Leuten aus der Popmusik-Szene zusammenarbeitet, auf die Tatsache zurück, dass er in New York lebt.
„Ich arbeite viel mit Leuten aus dem Pop-Bereich zusammen. ich habe einen Song mit Mick Jagger für einen Film gemacht; ich habe einen Song mit Suzanne Vega geschrieben, einen mit Paul Simon. Ich habe also einige Stücke mit Pop-Künstlern gemacht. New York ist wie eine Kreuzung von allen möglichen Musikstilen und Musikern. Es gab ein Konzert in der Carnegie Hall mit Patti Smith, Natalie Merchant, John Cale und Sheryl Crow. Das ist eine Sache, die ich sehr gern mache, meine Musik mit Pop-Musik zu verbinden, auch wenn meine Hauptarbeit auf dem Gebiet der Oper und Symphonie liegt. Aber ich arbeite sehr gern mit anderen Musikern zusammen, weil ich sehr stimulierend finde“, erklärt Philip Glass.
„Es ist ziemlich einfach in New York, Leute zu treffen. Als ich vor 15 Jahren zum ersten Mal mit Paul Simon zusammentraf, hatte er mich einfach angerufen. John Cale lernte ich bei einem Konzert kennen, Patti Smith ebenso. Wenn ich in Chicago, Pittsburgh oder Houston, Texas, leben würde, hätte ich diese Kontakte, ehrlich gesagt, nicht. Die können nur an bestimmten Orten stattfinden, wo Leute zusammenkommen. Und New York ist ein idealer Ort dafür.“
Dorthin kehrte er 1967 nach seinem Pariser Studium auch zurück, distanzierte sich von allem, was er vor seinen lehrreichen Begegnungen mit Boulanger und Shankar gemacht hatte, und begann, musikalische Techniken aus Nordafrika, Indien und dem Himalaja in seinen eigenen Werken anzuwenden.

„Was ich quasi als Offenbarung erkannte, war die Verwendung des Rhythmus beim Entwickeln einer Gesamtstruktur in der Musik.
Den Unterschied zwischen westlicher und indischer Musik würde ich folgendermaßen beschreiben: In der westlichen Musik unterteilen wir die Zeit, etwa so, als könnte man ein Stück Zeit nehmen und es wie einen Laib Brot aufschneiden. In der indischen Musik und in allen nicht-westlichen Musiktraditionen, die ich kenne, dagegen nimmt man kleine Einheiten oder 'beats' und verknüpft sie miteinander zu größeren Zeitwerten“, meint Philip Glass.
„Die Annäherung an Musik ist ganz unterschiedlich. Nehmen wir die Elemente der Musik: Melodie, Harmonie und Rhythmus. In westlicher Musik ist die Tradition der Musik in der Struktur von harmonischer und melodischer Sprache begründet. In östlicher Musik beruht die Struktur auf der rhythmischen Sprache. Als ich Ravi Shankar traf, musste ich eine völlig neue Technik lernen, eine Musik, die auf rhythmischen Prinzipien basiert. Ich musste die Elemente der Musik neu erlernen und sie auf eine neue Weise reintegrieren. Ich war gerade 27, 28 Jahre alt, hatte mein Studium abgeschlossen, war aber noch jung genug, um für neue Ideen offen zu sein, und ich hoffe, dass ich das immer noch bin. Aber wenn man jünger ist, fällt es einem doch leichter. Nun musste ich ein neues Training beginnen und über Musik auf eine andere Weise nachdenken. Das führte mich in eine Richtung, die sehr einzigartig war.“

Zunächst gründete Glass 1968 das heute noch bestehende Philip Glass Ensemble.
„Als ich 1968 mit dem Philip Glass Ensemble anfing, war es noch leicht, Leute zu finden, die Zeit hatten, sich jeden Donnerstagabend zum Üben zu treffen, weil niemand andere Verpflichtungen hatte. Aber ich wollte die Gruppe professionell organisieren. Wenn man in der Musik eine neue Sprache entwickelt, braucht man eine neue Technik, um sie zu spielen, und um die zu entwickeln, brauchte ich ein stabiles Ensemble“, blickt Glass zurück, der zur Organisation der ersten Tournee 120 Briefe verschickte und sechs Antworten bekam.
„Wir spielten in Tacoma, St. Louis, Minneapolis und noch ein paar anderen Städten. Jedes Mal packten wir unseren Bus, luden ab, spielten das Konzert, packten den Bus wieder und fuhren weiter. Die Veranstalter brachten uns bei sich zuhause unter. Aber Mitte der 70er Jahre waren wir dann einigermaßen etabliert.“

Für dieses Ensemble, das aus verstärkten Keyboards, Stimmen und Blasinstrumenten besteht, schrieb Glass die meisten seiner frühen Arbeiten, darunter „Music with Changing Parts“ (1973), „Music in 12 Parts“ (1974), die eine vierstündige Zusammenfassung des bisherigen Glass-Werkes darstellte, und die wegweisende Oper „Einstein on the Beach“ (1976) in Zusammenarbeit mit Robert Wilson.

„Wir haben fast zwei Jahre an dem Stück gearbeitet“, erinnert sich Philip Glass. „Man muss bedenken, dass wir 1973/74 noch nicht sehr bekannt waren und viel Zeit hatten, um es zu entwickeln. Es war eine Verbindung von Bildern und Musik, bei der Bilder von Einstein erschienen. Es erzählte nicht die Geschichte Einsteins, sondern zeigte nur Bilder, so dass sich das Publikum seine eigene Geschichte aus dem, was es sah, konstruierte. Das wurde damals sehr populär. Wir führten es 1976 auf, dann noch einmal 1984 und 1992. Es ist ein sehr kraftvolles Dokument über die Verbindung von Bildern, Bewegung, Text und Musik. Es war eines der ersten Stücke, das diese Elemente auf eine neue Weise verknüpfte.“

Spätestens mit diesem Mammutwerk konnte man das oft für Philip Glass verwendete Etikett „minimalistischer Komponist“ nicht mehr benutzen. Glass, der schon 1978 erklärte, dass dieses Wort abgeschafft werden sollte, akzeptiert diese Bezeichnung heute zwar, allerdings nur hinsichtlich seiner frühen Werke. Er selbst sieht sich eher als Komponist einer „Musik mit repetitiver Struktur“.

Das Arbeiten innerhalb verschiedener künstlerischer Disziplinen, das mit dem Musiktheater „Einstein on the Beach“ einen ersten Höhepunkt erreichte, sollte in Zukunft das wichtigste Betätigungsfeld für Glass werden. Obwohl er immer auch mal Streich-Quartette und Sinfonien komponierte, wurde Glass vor allem mit seinen interdisziplinären Werken populär.

„Der große Unterschied besteht darin, ob die Musik auf einem Thema, einer Geschichte, einem Bild basiert oder auf einer abstrakten Idee von Musik“, erklärt Glass. „Ich denke, es gibt nur zwei Arten von Komponisten, nämlich Komponisten von Theater- und Komponisten von Konzertmusik, wobei Theatermusik für mich auch Film, Ballett und Oper beinhaltet. Immer wenn Elemente wie Text, Bewegungen oder Bilder in die Musik involviert werden, dann hat man es mit dem Theater-Medium zu tun. Ich denke, Komponisten haben dabei verschiedene Wege eingeschlagen. Ich bin vor allem in die Richtung der Theatermusik gegangen, wo das Thema die Grundlage meines Werkes wurde. Ich habe einige Symphonien und Streichquartette komponiert, aber die meisten Sachen, die ich gemacht habe, fallen in die große Kategorie der Theatermusik. Diese Texte, Bewegungen und Bilder stellen für mich eine große Inspirationsquelle dar.“

So ist es wohl zu erklären, warum Philip Glass gerade im Film-Genre so umtriebig gewesen ist. Den sieben Opern - darunter „Satyagraha“ (1980), „Akhnaten“ (1983) und „The Voyage“ (1992) - stehen etliche Soundtracks gegenüber: „Koyaanisqatsi“ (1983), „Mishima“ (1985), „Hamburger Hill“ (1987), „Powaqqatsi“ (1988), „The Thin Blue Line“ (1988), „A Brief History Of Time“ (1992), „Candyman“ (1992), „Candyman: Farewell To The Flesh“ (1995) undvor allem der Golden-Globe- und Academy-Award-nominierte Score zu Martin Scorseses „Kundun“.

Bei dem raschen Wechsel zwischen den künstlerischen Disziplinen kann man sich schon denken, dass Philip Glass nicht zu den Komponisten zählt, die eine strikte Differenzierung zwischen hochkultureller E-Musik und populärer U-Musik vornehmen.
„Ich persönlich treffe diese Unterscheidung nicht, aber ich weiß, dass andere es tun“, meint Glass dazu. „Natürlich bin ich mir der Unterscheidung bewusst, wenn ich z.B. eine Symphonie für ein Orchester schreibe, dann gehe ich das anders an, als wenn ich einen Filmscore für Martin Scorsese komponiere. Ich weiß, dass das Publikum unterschiedlich ist und dass das Medium unterschiedlich ist, aber ich habe keine Probleme damit, für beide Seiten zu arbeiten.“
Mit seinem wunderschönen, exotischen wie melodramatischen Score zu Martin Scorseses Biographie des 14. Dalai Lamas, „Kundun“, hat Philip Glass sicher eines seiner beeindruckendsten Werke abgeliefert, das auch über die typische Glass-Anhängerschaft hinaus für Aufsehen sorgen dürfte. Glass, selbst gläubiger Buddhist, verband eindringliche Harmonien mit tibetischen Mönchsgesängen, Percussions, Synthesizern und Bläsern zu einem atmosphärisch dichten Meisterwerk.

„Ich wollte mit dem Score den Ort und die Bedeutung von Tibet reflektieren. Ich wollte, dass das Publikum von der ersten Note der Musik an, mit der Magie und der Mystik von Tibet vertraut wird“, erläutert Philip Glass, der idealerweise von Martin Scorsese gleich nach Erhalt des Skripts in das Projekt involviert wurde, so dass sich in dem intensiv wechselseitig funktionierenden Arbeitsprozess Musik und Film einander beeinflussen konnten. „Ich hoffte, dass die Musik zu einem Tor für eine Welt werden könnte, die irgendwie exotisch ist. Das war mein Ziel.“

Konkrete Ziele für die Zukunft hat Philip Glass dagegen noch nicht. Oft ist es einfach ein Anruf eines befreundeten oder einfach nur interessanten Künstlers, der ganz spontan zu einem neuen Projekt führt. „Man weiß bei diesen Kollaborationen vorher nie, wie das Resultat ausfallen wird. Deshalb sind sie auch so knifflig. Man muss sich diesen Projekten mit einem gewissen Maß an Enthusiasmus und einem gewissen Maß an Unschuld nähern, ohne dass man zu sehr über das Resultat nachsinnt“, ist Philip Glass überzeugt. „Erst dann ist es möglich, dass aus der Zusammenarbeit etwas unerwartet Schönes wird.“

Filmographie:
1970 – Marco
1971 – End Of The Art World
1983 - Koyaanisqatsi
1984 – High Wire
1985 - Mishima
1986 – Dead End Kids
1987 - Hamburger Hill
1988 - Powaqqatsi
1989 - The Thin Blue Line
1990 - Mindwalk
1991 – A Brief History Of Time
1992 – Anima Mundi

1992 - Candyman
1995 - Candyman 2 – Die Blutrache
1995 - Jenipapo
1996 - The Secret Agent
1997 - Kundun
1998 - The Truman Show
1999 - Dracula (1931)
2002 - The Hours
2002 - Naqoyqatsi
2003 - The Fog Of War
2004 - Secret Window
2004 - Undertow
2004 – Taking Lives
2005 – The Giant Buddhas
2005 - Neverwas
2006 - The Illusionist
2006 – Roving Mars
2006 - Notes On A Scandal
2007 - Cassandra's Dream
2007 - No Reservations

2007 – Glass: A Portrait of Philip in Twelve Parts
2007 – Repeat
2007 – Hard-Hearted
2007 – Deferred
2007 – The Seeds
2007 – Little Things
2007 - Les animaux amoureux (Animals In Love)
2008 - What Are You Looking For?
2008 – Objects and Memory
2009 – Transcendent Man
2009 - Regrets
2010 – Mr. Nice

Playlist:

1 Philip Glass - Main Title (Neverwas) - 04:08
2 Philip Glass - Floe 87 (Les Regrets) - 03:45
3 Philip Glass - Sand Mandala (Kundun) - 04:04
4 Philip Glass - The History (Notes On A Scandal) - 03:49
5 Philip Glass - Winnie Remembers (Secret Agent) - 03:18
6 Philip Glass - Primacy Of Number (Naqoyqatsi) - 06:52
7 Philip Glass - Prophecies (Koyaanisqatsi) - 08:11
8 Philip Glass - Anthem - Part I (Powaqqatsi) - 06:22
9 Philip Glass - The Pursuit & Murder In The Park (Cassandra's Dream) - 06:42
10 Philip Glass - Return To Cabrini (Candyman) - 09:46