Wes Craven – am 2. August 1939 in Cleveland, Ohio, unter dem Namen
Wesley Earl Craven geboren – zählt neben
John Carpenter und
George Romero zu den bekanntesten Filmemachern des Horror-Genres, der bereits mit seinen Frühwerken
„Das letzte Haus links“ (1971) und
„Hügel der blutigen Augen“ (1977) neue Maßstäbe gesetzt hat, vor allem aber mit
„A Nightmare On Elm Street“ 1984 eine der erfolgreichsten Horror-Serien in Gang setzte. Dieses Kunststück gelang Craven 1996 auf eindrucksvolle Weise ein weiteres Mal, als er mit
„Scream“ für eine neue Art des Schreckens auf der Leinwand sorgte. Anfang Mai startet Teil 4 der erfolgreichen Reihe auch in den deutschen Kinos.
Wes Craven wuchs in einer strenggläubigen Baptisten-Familie auf, doch seine Eltern ließen sich scheiden, als der junge Wes gerade mal sechs Jahre alt war, was tiefe Wunden in der Seele des kleinen Jungen hinterließ und erklärt, warum die kleinbürgerliche amerikanische Durchschnittsfamilie oft eine so große Rolle in
Cravens Filmen spielt. Nach seinem Studium der Literatur und Psychologie am Wheaton College in Illinois, seinen erfolgreichen Abschlüssen in Philosophie und „Writing“ an der John Hopkins Universität und seiner anschließenden Lehrertätigkeit am Clarkson College in Potsdam, New York, stellte er nämlich in seinem Debütfilm
„Das letzte Haus links“ eine intakte Familie in den Mittelpunkt, die von einem gesuchten Mörder heimgesucht wird, der bereits die vermisste Tochter auf dem Gewissen hat. Doch bis zu seinem ersten Film war es ein langer Weg. Als Kind strenggläubiger Eltern waren ihm Ablenkungen, die die Populärkultur bot, verboten. Er heiratete jung und trug schnell die Verantwortung für eine Familie, die er ernähren musste.
Als er während seiner Lehrtätigkeit 1968 mit seinen Studenten den 45-minütigen Kurzfilm
„The Searchers“ fertigstellte, merkte
Craven, dass er seine Profession wechseln möchte. Er verließ das College, nachdem er in den Semesterferien eine Filmschule in Manhattan besucht hatte. Mit Filmschnitt-Jobs bei Sex-Produktionen und als Taxi-Fahrer hielt sich
Craven leidlich über Wasser, musste dann die Trennung von seiner Frau verkraften. Doch das Schicksal wendete sich zum Besseren, als
Wes Craven den jungen Filmemacher
Sean S. Cunningham kennenlernte, für dessen Sex-Drama
„Together“ er 1971 zunächst den Schnitt, dann auch die Co-Regie übernahm. Der Film wurde so erfolgreich, dass das Studio
Cunningham 90000 Dollar für einen Film seiner Wahl zur Verfügung stellte. Da dieser aber mit anderen Projekten beschäftigt war, trug er
Wes Craven den Job an, der an einem Wochenende das Skript zu
„Das letzte Haus links“ verfasste. Inspiriert von
Ingmar Bergmans Klassiker
„Die Jungfrauenquelle“ wollte
Craven allerdings nicht wie
Bergman über die Existenz Gottes diskutieren und keine philosophische Auseinandersetzung mit Schuld und Sühne inszenieren, sondern den Akt der Gewalt und seine moralischen Implikationen beleuchten. Für
Cunningham fiel der Film allerdings zu hart aus. Entsetzt musste er feststellen, dass
Craven nicht wie die meisten seiner Kollegen über eine Schere im Kopf verfügte. Für
Craven bedeutete der Film allerdings auch die Verarbeitung all der Enttäuschungen und Entbehrungen der letzten Jahre. Obwohl der Film in oft um 15 bis 20 Minuten gekürzten Versionen in den Kinos zu sehen war, wurde
„Das letzte Haus links“ zu einem großen Erfolg und stempelte
Wes Craven als Horrorfilmregisseur ab.
So sehr er sich das auch wünschte, andere Möglichkeiten, als im Horror-Genre zu arbeiten, ergaben sich für
Craven nicht. So nahm er 1977 etwas widerstrebend das Angebot an, für seinen Freund, den B-Movie-Produzenten
Peter Locke „Hügel der blutigen Augen“ zu inszenieren. Der Film handelt von einer Familie, die mit ihrem Wohnmobil in der Wüste eine Panne hat und von einer Kannibalenfamilie, die durch Atomtests in den 50er Jahren degeneriert ist, konsequent dezimiert wird.
„Ein großer Teil des Horrors steckt in den rauen Bildern, einer Mischung aus cinéma verité und Exploitation, und in der musique concrete der Wüste, einer seltsamen Geräuschsymphonie. (…) Zudem haben Cravens Monster Überzeugungskraft. Man hat Angst vor ihnen, und man hat Mitleid. Sie sind eine tatsächlich schreckliche, grausame Addams-Familie der Wüste, Punks eines nuklear verseuchten Wasteland, Techno-Kannibalen mit Walkie-Talkies, verwildert auf dem Müllplatz der Zivilisation“, urteilt Hans Schefferle in seinem Buch „Die 100 besten Horror-Filme“ (Heyne, S. 78).
Bei der Auftragsarbeit
„Eine tödliche Bedrohung“ fürs Fernsehen musste sich
Wes Craven ein Jahr später allerdings in Sachen Gewaltdarstellung stark zurücknehmen. 1981 durfte er mit
„Tödlicher Segen“ erstmals einen Film für ein Major Studio realisieren. Der Film handelt von einer religiösen Sekte, deren Anführer seine Jünger mit fanatischem Eifer zu einem gottgefälligen Leben anhält.
Als zwei hübsche Mädchen vom College in der texanischen Stadt auftauchen, wird die Gemeinde durch eine Reihe offenbar religiöser Morde erschüttert. Wie seine Vorgänger erwies sich auch
„Tödlicher Segen“ als gewinnträchtig, aber
Craven musste feststellen, dass er im Studiosystem von Hollywood nur bestehen konnte, wenn er sich auf Änderungswünsche der Produzenten einließ.
Für seinen nächsten Film, eine Verfilmung des erfolgreichen DC-Comics
„Das Ding aus dem Sumpf“, konnte der Regisseur mit dem höchsten Budget seiner bisherigen Karriere arbeiten, immerhin drei Millionen Dollar. Der Film erzählt die Geschichte des Arztes Alec Holland, der im Kampf gegen den Hunger ein Pflanzenwachstumsmittel herstellen wollte, aber einem Anschlag des Milliardärs Arcane mit dem Mittel infiziert wurde und zu einer grässlichen Kreatur - halb Mensch, halb Pflanze - mutierte.
Cravens in den Sümpfen angesiedelte Version von
„Das Schöne und das Biest“ scheiterte allerdings kläglich an den Kinokassen.
Als eine ebenso unglücklich erwies sich
Cravens Entscheidung, mit
„Im Todestal der Wölfe“ 1983 eine Fortsetzung von
„Hügel der blutigen Augen“ zu drehen.
Erst mit
„Nightmare – Mörderische Träume“ gelang
Craven der große Coup, mit dem er zu einem Meister des Genres avancierte. Im Gegensatz zu den humorfreien Teenie-Slashern
„Halloween“ und
„Freitag, der 13.“ wollte
Craven mit
„A Nightmare On Elm Street“ ein breites Publikum ansprechen und seine Hauptfigur Freddy Krueger als verunstaltete Kreatur die Träume seiner Opfer heimsuchen lassen. Zu den Erfolgsfaktoren des Films zählen nicht nur die gelungene Inszenierung und die starken Schockmomente.
Craven bewies ein gutes Gespür für die Befindlichkeiten des jugendlichen Publikums. Statt sie zu verklären oder zu verharmlosen, setzte er sich ernsthaft mit ihren Problemen und Ängsten auseinander und bereitete damit gewissermaßen den Weg für die populären Teenager-Dramen
„The Breakfast Club“, „Pretty In Pink“ oder
„Ist sie nicht wunderbar?“.
„Freddy ist der Geist eines Kinderschänders, den die Eltern in der Elm Street bei lebendigem Leib verbrannt haben. Der Dämon also spricht nicht nur von seiner eigenen Schuld (von einer furchtbaren Drohung, die uns in die Welt der Kindheit schien), sondern auch von der lange verdrängten Gegenschuld der Eltern. Die Gestalt von Freddy Krueger, sein zynischer, böser Humor, seine Mischung aus Schrecken und Groteske wurde zu einem ungemein verbreiteten Ikon in der Teenager-Kultur. (…) Die primäre Erfahrung der jugendlichen Heldinnen und Helden in den ‚Nightmare‘-Filmen ist Einsamkeit und Verlassenheit, die Unfähigkeit der Erwachsenen, der Gesellschaft, der Religion, der Wissenschaft, sie gegen das selbst erzeugte Böse zu beschützen. So können die jugendlichen Zuschauer Freddy gar nicht wirklich hassen; der eigentliche Zorn der Filme richtet sich gegen die Ignoranz der Erwachsenen, gegen ihre Weigerung, Schuld und Gegen-Schuld zu verarbeiten“, fassen Georg Seeßlen und Fernand Jung in „Horror – Grundlagen des populären Films“ (Schüren, S. 653) zusammen.
Trotz des riesigen Erfolgs von
„A Nightmare On Elm Street“ gab es erhebliche Differenzen zwischen
Craven und dem Studio New Line Cinema, die zwar eine Fortsetzung planten, aber
Craven gar nicht erst fragten, ob er daran irgendwie beteiligt sein wollte. Stattdessen inszenierte
Craven für CBS zunächst mit
„Chiller – Kalt wie Eis“ (1985) seine eigene Frankenstein-Variante und dann einige Folgen für die Neuauflage der erfolgreichen Horror-Serie
„Twilight Zone“, die zwischen 1959 und 1965 große Erfolge in den USA feierte. Mit
„Die Superdetektive“ entstand 1986 ein familienfreundlicher Fernsehfilm über zwei Kinder und ihren Großvater, die gemeinsam eine Geldfälscherbande auffliegen lassen. Noch im selben Jahr griff Craven das Frankenstein-Motiv für seinen nächsten Kinofilm auf.
In
„Der Tödliche Freund“ wird die Frankenstein-Figur von einem 14-jährigen Computergenie verkörpert, der zunächst einen Roboter kreiert und dessen Hauptchip schließlich in den Körper seiner getöteten Freundin implantiert.
Nachdem er mit
„Tödlicher Segen“ bereits einen Film mit religiöser Thematik abgeliefert hatte, wandte
Craven sich mit
„Die Schlange im Regenbogen“ dem Voodoo-Phänomen zu und formte den gleichnamigen Sachbuch-Bestseller des Ethnobotanikers
Wade Davis zu einem atmosphärisch dichten Horror-Thriller vor dem Hintergrund der haitianischen Diktatur um.
„Terminator“-Komponist
Brad Fiedel trug mit seinem großartigen rhythmischen Score sehr zum Gelingen des auf Tatsachen beruhenden Thrillers bei, der vor allem in Japan, aber auch in Frankreich und Großbritannien wie eine Bombe einschlug.
Sehr radikal ging
Craven bei seinem nächsten, programmatisch
„Shocker“ betitelten Film vor, in dem ein Mörder aus dem Reich der Toten zurückkehrt und sich auf einen niemand verschonenden Rachefeldzug begibt.
„Shocker“ ist darüber hinaus aber auch eine kritische Auseinandersetzung mit den Medien, wenn
Cravens Protagonisten ins Innere eines Fernsehgeräts geschickt werden und dabei meist bei Sendern landen, die Gewaltfilme zeigen.
„Die entscheidende Gefahr des Fernsehens ist, dass es passiv macht. Ich habe mich in meinem Shocker mit der Vorherrschaft des Fernsehens in unserer Kultur befasst und den düsteren Ausblicken, die diese Tatsache mit sich bringt“, wird Wes Craven in „Teen Scream – Titten & Terror im neuen amerikanischen Kino“ von Rüdiger Dirk und Claudius Sowa (Europa, S. 50) zitiert.
1989 kehrte
Craven wieder zum Fernsehen zurück, fungierte zunächst erfolglos als Executive Producer für die Serie
„The People Next Door“ und scheiterte auch drei Jahre später mit der Anthologie-Serie
„Nightmare Café“, in der Freddy-Krueger-Darsteller
Robert Englund Menschen die Möglichkeit eröffnete, sich ihren düstersten Albträumen zu stellen.
Mit
„Night Vision“ entstand 1990 eine Art Vorläufer zu Serien wie
„Millennium“ und
„Profiler“. Doch NBC wollte die Geschichte um eine Polizeipsychologin, die in Trancezuständen fähig ist, sich in die Psyche von Mördern hineinzuversetzen, nicht in Serie gehen lassen.
1991 kehrte
Craven mit
„Das Haus der Vergessenen“ auf die Kinoleinwand zurück, und zwar auf die kompromisslose Weise seiner Frühwerke. Er erzählt die Geschichte eines namenlosen weißen Hausbesitzer-Paars in einem Ghetto, aus dem die Schwarzen vertrieben werden sollen.
Als der schwarze Fool und seine Mutter aus ihrer Wohnung geschmissen werden, bricht der Junge mit seiner Schwester und zwei Freunden aus Verzweiflung in das Haus seiner Peiniger ein, um Geld für die Operation seiner krebskranken Mutter zu besorgen. Doch die Hausbesitzer entpuppen sich als Psychopathen, die verstümmelte Kinder im Keller gefangen halten und alles töten, was sich ihnen in den Weg stellt. Einzig die hübsche Alice lebt wie ein halbwegs normales Mädchen in dem Haus, darf aber keinen Kontakt zur Außenwelt unterhalten.
Craven verband in diesem Film gleich mehrere Märchenmotive – z.B. aus
„Hänsel und Gretel“, „Frau Holle“ und
„Aschenputtel“ – und lässt in diesem durchaus mit schaurigen Effekten garnierten Sozialmärchen am Ende die Guten über die Bösen siegen.
„Der Film ist ein Sinnbild dafür, wie sich viele Kinder zuhause fühlen – als Gefangene“, erklärte der Regisseur dazu.
Die Musik zu dem schauderhaften Horror-Märchen lieferten gleich zwei Komponisten, zum einen
Don Peake, der für
Craven bereits
„Hügel der blutigen Augen“ vertont hatte, und
Graeme Revell, der seine ersten Credits für Horrorfilme wie
Tobe Hoopers „Fire Syndrome“ und
„Chucky 2“ verdient hatte.
1991 fand auch die erfolgreiche
„Nightmare“-Reihe ihr vorläufiges Ende. Doch der sechste Teil
„Freddy’s Dead: The Final Nightmare“ bescherte Freddy Krueger einen mehr als enttäuschenden Abgang. Rechtzeitig zum zehnten Jubiläum des ersten
„Nightmare“-Films wollte
Wes Craven 1994 etwas Neues zur Serie beisteuern und entschied sich für eine Parodie auf sich selbst. Er ließ in
„Freddy’s New Nightmare“ die drei Hauptdarsteller des originalen Films –
Robert Englund, John Saxon und
Heather Langenkamp – sich selbst spielen und entwickelte eine intelligente Film-im-Film-Thematik, in der die Dreharbeiten zu einem siebten
„Nightmare“-Teil von Albträumen, Freddys Rückkehr und entsetzlichen Todesfällen überschattet werden.
Seeßlen/Jung resümieren in
„Horror – Grundlagen des populären Films“:
„Während das Slasher Movie der Familie ein Zerrbild der eigenen Widersprüche zwischen Sexualität, Familie und Wahn entgegenhält, drehen sich die Filme der Nightmare-Art förmlich in den Familienroman. Als Zustandsbeschreibung werden sie zugleich genauer und milder, und so wie das Slasher Movie eine furchtbare Art der fundamentalen Moralisierung betreibt, erzeugt der Horrorfilm der Nightmare-Art eine Art der negativen Ideologie. Den Slasher kann man, allenfalls, überleben, Freddy Krueger muss bezwungen werden, indem man soziale und psychische Kompetent mobilisiert, er ist ein sehr schräger Pädagoge, der das seine tut, die amerikanische, bürgerliche Person zu formen. Das Mainstreaming dieser Horror-Figur beschreibt Robert Englund: ‚Die frühen Fans waren Punk-Rocker und Heavy-Metal-Freaks. Heute kommen sie aus allen Schichten: Rechtsanwälte, Star-Trek-Fans, Hardcore-Horror-Fans und Eltern, die 1984 ihr erstes Date im Autokino hatten und vor lauter Angst ein Baby produzierten.‘“ (Schüren, S. 660)
Zwar fuhr
„Freddy’s New Nightmare“ einen Gewinn ein, enttäuschte aber alle Erwartungen der Beteiligten. Offensichtlich war das Zielpublikum mit der selbstreflexiven wie selbstironischen Geschichte noch überfordert. Zwei Jahre später ging ein ganz ähnliches Konzept mit
„Scream“ allerdings wunderbar auf.
Zuvor sollte tat sich
Craven keinen großen Gefallen, die Regie der
Eddie-Murphy-Vampirkomödie
„Vampire in Brooklyn“ zu übernehmen.
Als
Wes Craven das Angebot bekam, für das kleine Major-Studio Miramax einen Horrorfilm mit
Drew Barrymore in der Hauptrolle und vielen weiteren Jungschauspielern zu drehen, war er mehr als interessiert. Schließlich unterzeichnete Craven einen Deal über drei Filme, der neben einem möglichen Sequel zu
„Scream“ auch einen Film ohne Genrebegrenzung enthielt.
Nachdem die ersten beiden
„Scream“-Filme fett an den Kinokassen abgeräumt hatten, wollte Miramax natürlich gern gleich den dritten
„Scream“-Film produzieren, doch
Craven bestand auf der Einhaltung der Vertragsklausel, einen Film ohne Genrebegrenzung drehen zu dürfen, und erfüllte sich mit
„Music Of The Heart“ einen Traum, nämlich eine zu Herzen gehende Geschichte über eine engagierte Geigenlehrerin (
Meryl Streep), die schwarzen Kindern im Elendsviertel East Harlem mit ihrem Musikunterricht half, eine Zukunftsperspektive zu entwickeln.
Zwar kehrte
Wes Craven anschließend mit
„Scream 3“ umgehend zu seinem Erfolgskind zurück, ließ sich anschließend aber Zeit, um den Werwolf-Flop
„Verflucht“ (2005) zu inszenieren, der wie die komplette
„Scream“-Reihe und alle weiteren
Craven-Werke von Horror-Spezi
Marco Beltrami (
„Mimic“, „The Faculty“) vertont wurde. In dem modernen Werwolf-Film spielen
Christina Ricci und
Jesse Eisenberg ein verwaistes Geschwisterpaar, das bei einer nächtlichen Heimfahrt in einen Autounfall gerät und von einem großen Tier angegriffen wird, das von dem Jungen gleich als Werwolf identifiziert wird. Tatsächlich verspürt das Mädchen bald Lust auf rohes Fleisch …
Das seit der
„Scream“-Trilogie eingespielte Team
Williamson/Craven kreierte mit
„Verflucht“ einen ansehnlichen Schocker, bei dem auch der schwarze Humor nicht zu kurz kommt.
Mit
„Red Eye“ drehte Craven zeitgleich einen Suspense-Thriller, in dem die aufstrebende Hotel-Managerin Lisa (
Rachel McAdams) während der Wartezeit auf ihren Rückflug von Dallas nach Miami mit dem charismatischen Jackson (
Cillian Murphy) flirtet. Doch während des Flugs lernt sie Jacksons dunkle Seite kennen, als ihr Sitznachbar sie nötigt, telefonisch ein einen Zimmertausch in ihrem Hotel anzuordnen, um so einen Anschlag auf einen Geschäftsmann zu ermöglichen – ansonsten löscht ein Killer das Leben ihres Vaters (
Brian Cox) aus …
Mit seinem Beitrag
„Père Lachaise“ zur Kurzfilm-Anthologie
„Paris Je t’aime“ durfte sich
Wes Craven anschließend von seiner romantischen Seite präsentieren. Ein Spaziergang über den berühmten Pariser Friedhof führt Frances
(Emily Mortimer) vor Augen, dass ihr Verlobter William
(Rufus Sewell) völlig humorlos ist. Als sie die Hochzeit platzen lassen will, lehrt der Geist von
Oscar Wilde dem verschmähten Mann eine Lektion in Sachen Liebe und Poesie.
Mit dem in 3D gefilmten Teenie-Horror-Streifen
„My Soul To Take“ kehrte
Wes Craven im vergangenen Jahr zum Slasher-Genre zurück, indem er eine Gruppe 16-Jähriger an einem Seeufer niedermetzeln lässt. Bei der Kritik kam der Slasher nicht so gut weg:
„Wes Craven ist seit den 70ern eine feste Größe im Slasher-Kino. ‚Das letzte Haus links‘ und ‚Hügel der blutigen Augen‘ haben sich tief ins Genre-Gedächtnis gebrannt, vor allem aber hat Craven mit Freddy Krueger (‚Nightmare - Mörderische Träume‘) eine Metzel-Ikone geschaffen, die neben haltlosen Sequels und Spin-Offs selbst das Platinum-Dunes-Remake ‚A Nightmare on Elm Street‘ überstanden und sich fest in der Popkultur etabliert hat. Wenn Wes Craven aber eines nicht ist, dann eine feste Größe im zeitgenössischen Horrorfilm. Die Themen heute, das sind die Vampir-Metapher (‚So finster die Nacht‘, ‚True Blood‘), der liebevolle Zombie-Ulk (‚Shaun of the Dead‘, ‚Zombieland‘), kontrovers diskutierter Torture Porn (‚Saw‘, ‚Hostel‘) und das neue Spiel mit Authentizität (‚Paranormal Activity‘, ‚Cloverfield‘). Es braucht schon eine zündende Idee, um dem überrumpelten Slasher-Genre in diesem Chor Gehör zu verschaffen. Seit 1994 (‚Freddy's New Nightmare‘) ist Craven nicht mehr als Regisseur und Autor zugleich aktiv gewesen. Mit dem 3D-Teenie-Horror ‚My Soul to Take‘ steigt er wieder ein und offenbart, dass er keinen Schimmer hat, wie er das Slasher-Motiv noch variieren oder zumindest engagiert inszenieren soll“, kanzelt Jan Hamm Wes Craven in seiner Kritik auf filmstarts.de ab.
Zum Glück hat
Wes Craven mit
„Scream 4“ wieder zu alten Tugenden zurück gefunden, aber dazu mehr in dem
„Scream“-Special in der kommenden Stunde.
Filmographie:
1971:
Together
1972:
Das letzte Haus links (The Last House on the Left)
1975:
Angela, the Fireworks Woman
1977:
Hügel der blutigen Augen (The Hills Have Eyes)
1978:
Night Kill - Eine tödliche Bedrohung (Stranger in Our House)
1981:
Gesichter des Teufels/
Tödlicher Segen (Deadly Blessing)
1982:
Das Ding aus dem Sumpf (Swamp Thing)
1984:
Exit - Ausgang ins Nichts (Invitation to Hell)
1984:
Nightmare: Mörderische Träume (A Nightmare on Elmstreet)
1985:
Chiller - Kalt wie Eis (Chiller)
1985:
Im Todestal der Wölfe (The Hills Have Eyes Part II)
1985:
The Twilight Zone (Unbekannte Dimensionen, Fernsehserie)
1986:
Die Superdetektive/Eine Schnapsidee (Casebusters, Fernsehfilm)
1986:
Der Tödliche Freund (Deadly Friend)
1988:
Die Schlange im Regenbogen (The Serpent and the Rainbow)
1989:
Shocker
1990:
Das Grauen hat viele Gesichter (Night Visions, TV-Pilotfilm)
1991:
Das Haus der Vergessenen (The People Under the Stairs)
1992:
Nightmare Cafe (Fernsehserie)
1994:
Freddy’s New Nightmare (Wes Craven’s New Nightmare)
1995:
Vampire in Brooklyn
1996:
Scream – Schrei! (Scream)
1997:
Scream 2
1999:
Music of the Heart
2000:
Scream 3
2005:
Verflucht (Cursed)
2005:
Red Eye
2006:
Paris, je t’aime (Segment „Père Lachaise“)
2010:
My Soul to Take
2011:
Scream 4
Playlist:
1
Charles Bernstein - Main Title (
A Nightmare On Elm Street) - 03:29
2
Don Peake - M1-1 (
The Hills Have Eyes) - 03:20
3
James Horner - Finale/End Credits (
Deadly Blessing) - 04:05
4
Charles Bernstein - BB's Theme (
Deadly Friend) - 02:05
5
Brad Fiedel - End Credits (
The Serpent And The Rainbow) - 05:10
6
Graeme Revell - Suite Part One (
The People Under The Stairs) - 02:42
7
Don Peake - Suite (
The People Under The Stairs) - 05:29
8
J. Peter Robinson - Prologue/Theme From Nightmare Cafe (
Nightmare Cafe) - 02:52
9
J. Peter Robinson - The Park (
Freddy's New Nightmare) - 03:38
10
Marco Beltrami - Trouble In Woodsboro/Sidney's Lament (
Scream) - 03:27
11
Marco Beltrami - Stage Fright Requiem (
Scream 2) - 02:07
12
Marco Beltrami - Sid Wears A Dress (
Scream 3) - 02:48
13
Marco Beltrami - Love Theme (
Cursed) - 02:39
14
Marco Beltrami - Takeoff (
Red Eye) - 02:52
15
Marco Beltrami - The Ripper Talks (
My Soul To Take) - 04:03
